nuria vidal

BERLIN DIA 4

2012-02-13T07:00:00.001-08:00

Se ha ido el sol, pero por suerte no ha vuelto el frío. Solo el mundo se ha vuelto mas gris y plomizo. Lo cual es bueno, porque no se te hace tan duro pasarte ocho horas sentada en una sala oscura viendo películas. Algunas buenas, otras malas, otras horribles. Hay de todo en este Berlin en el que lo mejor es la posibilidad de establecer extrañas alianzas. Como la de los iconos
Preciosos iconos griegos que cuentan la historia de amor sublime entre Urania y Theodorus, un monje griego y una monja rusa que viven en los monasterios ortodoxos de Meteora, uno enfrente del otro, en lo mas alto de una montana impresionante, separados por un abismo. Ella, sube y baja dentro de una red, el ascensor de Meteora; el sube y baja miles de escaleras. Se aman en la distancia, pero poco a poco la carnalidad va ganado terreno a la espiritualidad. Todo pasa ahora mismo, pero podría pasar hace seis siglos. Prácticamente muda, utilizando la animación para contar su amor en los momentos mas fantásticos, Meteora es uno de esos films que te producen paz. Una paz que nace de la belleza de sus imágenes pero también de la sencillez y belleza de su historia. Y de sus protagonistas, todo hay que decirlo. Y para muestra el comentario de una periodista que coincidió con el monje en un ascensor: “Te despierta las hormonas dormidas”
De un icono a otro, los que pinta una mujer austriaca en una película que se llama Spain. Fui a verla por la curiosidad de saber porque se llamaba asi. Te lo explican y tiene una justificación, pero no pasa en Espana. Pasa en el Austria profunda y es una prueba mas de lo raros que son los austriacos y de lo terrible que es vivir en ese país que parece un pastel de nata y es, en cambio, un pastel envenenado. No se si se llegará a estrenar nunca en Espana. En todo caso la directora es una mujer Anja Salomonowitz Y alguien debería contarle que Espana no es ni mucho menos el paraíso sonado.
El otro tema del dia fueron los secuestros. Secuestro histórico y documentado en la decepcionante película filipina de Brillante Mendoza, Captive, de la que lo único que puedo decir es que me encantó imaginar lo mal que se lo había pasado Isabelle Huppert durante el rodaje en la selva, rodeada de bichos, lluvia, barro y malas hierbas. Claro que para bichos los de dos patas, es decir los piratas que en el 2001 raptaron a doce turistas y misioneros blancos junto con un grupo de filipinos y los mantuvieron en cautividad durante casi veinte meses.
También están secuestrados, pero por sus ideas y su intolerancia, los protagonistas de la película irlandesa Shadow Dancer, una mas de los enfrentamientos entre el IRA y los ingleses. Pero con un matiz, la gente del IRA no son realmente agradables ni su comportamiento es el mas justo. El punto de vista sobre el pasado empieza a cambiar y a ser capaz de ver lo que no funcionaba. Ken Loach la detestaría.
Secuestros e Iconos, si me paro a pensar es casi una metáfora del festival. Rodeados de iconos, Angelina Jolie hace unos días, Isabelle Huppert ayer, Clive Owen hoy, y secuestrados en una especia de isla cinematográfica, rodeados de vida normal por todas partes, pero incapaces de verla o disfrutarla. Menos mal que los festivales duran solo 10 dias.

BERLIN 3

2012-02-11T22:54:00.001-08:00

Hacia nueve anos que no habia una pelicula espanola en competicion en Berlin !Nueve anos! Es cierto que hace tres anos gano aqui La teta asustada de Claudia Llosa, una pelicula espanola por produccion pero no por tematica. Dictado, de Antonio Chavarrias, ha roto esa racha. Y la ha roto con todos los honores. Dictado es un film oscuro que roza el fantastico y en realidad es una radiografia del miedo. Mejor dicho del mal. El mal que puede provocar la inocencia. El mal en estado puro. Eso es lo mas interesante de esta historia asfixiante protagonizada por una nina de grandes ojos negros capaz de causar un enorme desequilibrio emocional en la pareja formada por Daniel y Laura. Una de las cosas que hacen de esta pelicula algo excepcional, y quizas una de las razones que explican su inclusion en la competicion de Berlin, es la forma en que esta « hablada ». Con susurros, frases inacabadas, dialogos entrecortados que dicen mas que largas conversaciones, miradas que obligan al protagonista, Juan Diego Boto, a volver a abrir una herida que nunca se cerro. Dentro de la competicion, Dictado es un film que no se parece a ningun otro. En la rueda de prensa con el equipo, Chavarrias explico muy bien sus intenciones. Hacer una fabula, un cuento de ogros, princesas y brujas. Y tambien explico el porque del titulo, Dictado. Un dictado nunca es algo original, siempre es la copia o repeticion de algo que otro te dice. En el fondo todos estamos continuamente escribiendo y haciendo lo que otros nos dictan.
Como la protagonista de Barbara, el primer film aleman a competicion del que sabes todo, absolutamente todo, lo que va a pasarle desde que aparece en pantalla. Y sin embargo, no puedes dejar de seguirla en esa recreacion de la Alemania Oriental tan sordida y maloliente (como se puede transmitir el olor en pantalla? Se puede y Petzold, el director, lo consigue).

BERLIN 2

2012-02-11T01:00:00.000-08:00

Lo mejor de ayer. LA DEMORA, de Rodrigo Pla. Este director uruguayo afincado en Mexico ya había dado muestras de lo que podía hacer en La Zona, uno de los films mas desasosegantes de los últimos tiempos. Con su segundo trabajo, demuestra que era verdad que había algo importante dentro de el. La demora es un film “desenfocado”, no desde el punto de vista de la fotografía (excelente en sus juegos de primeros planos y desenfoques del fondo) sino desenfocado por sus personajes. Ninguno de ellos sabe donde esta el foco de su vida. Bueno solo uno, Brenda, la hija. La madre, Maria, agobiada por la situacion, no sabe encontrar el equilibrio y el abuelo, perdido en su desmemoria, no es capaz de moverse de un único punto. Estupenda película que sin aspavientos narra una autentica tragedia. Lo mejor, como esta resuelto lo que podría haber sido un melodrama lacrimogeno. Me encanta. Tampoco llega a ser un melodrama el nuevo film de Stephen Daldry, de larguisimo título Extremly…. Lo que me gusta de esta película es la capacidad de generar una aventura en una ciudad como Nueva York donde la búsqueda de los diferentes personas que se llaman Blak acaba ofreciendo una geografía humana de la ciudad. Lo peor es la relación del niño que ha perdido su padre el 11 s con la madre. Esta a punto de estrenarse. En competición un film francés, A moi seule de Frederic Videau. El tema ha estado muy de moda. Ninos secuestrados que permanecen durante anos encerrados en un sotano en manos de su secuestrador. Leer el argumento me ponía los pelos de punta, en cambio, la película me ha gustado mucho Por que? Por el tono. Que importantes son los tonos en las películas. Marcan la diferencia. Aquí, el tono es el de un descubrimiento mas que de un sufrimiento. Gaelle, la nina, descubre un mundo propio que gira entorno a su secuestrador, un hombre joven que la cuida casi como el Coleccionista de Wyler. Gaelle va ganando en poder sobre Vincent a medida que avanza la historia contada desde un flashforward, es decir desde el final de la relación. Apuntense el nombre de Agathe Bonitzer, hija del guionista Pascale Bonitzer. Su rostro es de los que no se olvidan. De momento nada mas

BERLIN DIA 1

2012-02-10T01:12:00.000-08:00

Primer dia en Berlin
Frio, cielo azul con sol y nieve blanca. Ayer inauguracion con Les adieux a la reine de Benoit Jacquot. Una mirada sobre la corte de Luis XVI y Maria Antonieta desde la perspectiva de la servidumbre. Podria ser el contraplano de la pelicula de Sophia Coppola. Tres mujeres, la reina, Sidonie, la lectora y la duquesa de Polignac. Tres actrices estupendas. Pero lo que me hizo pensar en que las mujeres en realidad aun tienen mucho que conquistar fueron dos hechos que sucedieron durante la inauguracion. La llegada al Berlinale Plast del equipo de la pelicula, a doce grados bajo cero, fue muy ilustrativa. Ellos con abrigos y bufandas bien tapaditos, ellas con vestidos preciosos, de noche, largos, sin mangas y escotados!!!!. ?por que? porque ellas tenian que estar estupendas aun a costa de pillar una neumonia. Luego en la presentacion del jurado, seis hombres y dos mujeres -nada que objetar a eso, como si querian ser seis mujeres y dos hombres lo importante es que sean justos y hagan bien su trabajo- a las chicas las cargaron con un ramo de flores. Flores para todos o para ninguno no?
En fin. Esta manana primera pelicula a competicion. Aujourd'hui senegalesa. Criptica, aburrida y de esas que te preguntas quien la ira a ver a un cine. Yo no, desde luego. Y ayer, el debut de Angiolina Jolie. No llegue a tiempo de verla. asi que me reservo comentario para Barcelona. Manana mas y si puedo con foto.
(no hay enes ni acentos en este teclado, asi que los textos seran un poco raros)

CABALLOS

2012-02-07T02:01:00.000-08:00

(un caballo blanco de Ramón)
Esta semana los estrenos van de caballos. Caballos de guerra, caballos de tiro, caballos de lucha, caballos de derrota. El Caballo de batalla de Spielberg, correrá con El caballo de Turín de Bela Tarr. Desigual carrera en la que merecen ganar los dos.
Caballo de batalla nos devuelve al mejor Spielberg narrador y el mejor Spielberg director de cine. No hay nadie que sepa mover la cámara como él. Nadie que sepa provocar sentimientos con las imágenes de una manera aparentemente tan fácil La vena sentimental que tantas veces hace que sus películas sean insoportables (recuerdo algunas) esta en este film de guerra y de amistad mucho mas controlada. Hay muchos momentos en los que se escapa la lágrima, pero no sientes la manipulación de una forma tan evidente como en otros casos. La aventura, la guerra, la lucha y el esfuerzo dominan la historia de amistad entre un chico y un caballo que deberán superar dificultades infinitas en la primera guerra mundial antes de conseguir volver a estar juntos.
El Caballo de Turín de Bela Tarr es otra cosa. Con Nietzsche en la cabeza, no en balde el titulo hace referencia al momento en que Nietzsche, abrazado a un caballo maltratado, perdió la razón y se aisló del mundo, este film en blanco y negro y silencioso donde el sonido del viento acaba por ser obsesivo, es una reflexión sobre el fin del mundo. El mundo de este cochero tullido, su callada hija y el caballo que tira de su carro. Seis días dura la acción. Seis días de rutinas repetidas, de pequeños detalles diferentes, de un intento fallido de escapar de un destino implacable. Silencio y cadencia. Una casa, el viento. No tiene nada que ver ¿o si? pero esta película hipnótica me evocó desde el primer momento El viento (1928) de Victor Sjötröm, con una Lilian Gish enloquecida por el ruido del aire que el espectador imagina, pero no escucha.
Caballo de batalla, un film apto para todos los públicos que gustará a los que estén dispuestos a dejarse llevar por una historia llena de esperanza a pesar de su dolor;
El caballo de Turín, es un film apto para espectadores muy especiales, aquellos que sepan apreciar una experiencia estética y filosófica llevada al extremo.
Lo mejor de todo, ser capaz de disfrutar con las dos películas.

CASPOSA MISERIA MORAL

2012-01-29T00:50:00.001-08:00

(un ejemplo de casposidad/porquería ciudadana)
La película de Clint Eastwood, J. Edgard, no me acaba de gustar. Lo siento porque Eastwood, casi siempre, consigue emocionarme de una u otra forma y siempre, incluso en películas de las que me siento muy lejana, como El intercambio. Pero en esta no. Me doy cuenta, ya me pasó con Meryl Streep en La dama de hierro, que cada vez me molestan mas los actores caracterizados y maquillados para parecer mayores. ¿Por qué no intentan dar la sensación de vejez sin necesidad de ponerse algodones en los mofletes, calvas falsas y cinturas de goma? No creo que un actor sea mejor por soportar horas de maquillaje antes de meterse en lo que de verdad cuenta: su personaje.
El titulo de este post no tiene nada que ver con la película de Eastwood, que no es en absoluto casposa, pero si con el personaje de J. Edgar, el inventor del FBI, y un claro ejemplo de casposa miseria moral.
Pues bien, esta semana me he encontrado con unos cuantos ejemplos de esta casposa miseria moral, el primero, curiosamente, vinculado a los chicos de J. Edgard.
-El cierre de Megaupload. Merecido que se meta en la cárcel a este gangster de dimensiones inhumanas que se aprovechaba de todos, pero no que se deje a la gente de mundo y medio sin la posibilidad de ver y disfrutar de películas y series. Antes de cerrarlo deberían haber buscado una solución legal, sencilla y asequible para acceder a esos contenidos. Miseria moral de cerrar sin solucionar.
-La actuación del FBI me hizo pensar en la enorme contradicción que significa que sea el FBI el que cierre una plataforma que sirve de difusión de las múltiples series protagonizadas por sus agentes. ¡Megaupload les ofrecía la mejor propaganda!
-El pisotón de Pepe a Messi. Esta casposidad no merece mas comentarios. Si la casposidad moral y miserable de quién no lo ha castigado con el peregrino argumento de que no le amputó dos dedos con el pisotón, asi que Pepe es un buen chico y puede seguir jugando.
-La absolución de Camps y Costa en Valencia. Esta casposidad es de dimensiones del Everest. Solo se entiende en una sociedad donde las corruptelas cotidianas se han convertido en la norma. Patético.
-La dilatación del juicio a Millet por el caso Palau. ¿Dónde se ha visto que alguien que ha robado impunemente siga disfrutando de la vida sin que le pase nada?
-La muerte de Theo Angelopoulos. Una muerte absurda, atropellado por una moto en una calle del puerto del Pireo. Pero no es solo el atropello lo que hace esta noticia, además de triste, casposa. Es que la ambulancia tardara ¡40 minutos! en llegar al lugar del accidente porque ¡se estropearon tres veces!. Esto, señores, si que es casposidad y miseria de todo tipo.
En fin, espero que la semana que viene pasen cosas menos miserables.

PRECIOSO DIBUJO HAWAIANO

2012-01-21T00:30:00.000-08:00

(un dibujo de Ramón. No es hawaiano pero tiene las mismas cualidades)
No tengo ninguna duda. Los descendientes de Alexander Payne será una de las mejores películas del año. Y de muchos años, seguramente. Cuando acabé de verla me quedé mucho rato sin poder moverme de la butaca del cine, como si de alguna manera estuviera sentada en ese sofá, tapada con una manta acogedora y bajo la protección de un padre pingüino. No es una casualidad que lo que los tres supervivientes de esta aventura emocional están mirando en la tele sea El viaje del emperador, donde los pingüinos padres asumen el cuidado de los pingüinos hijos.
He leído en casi todas las críticas de la película que se hablaba de tragicomedia, de humor. No creo que haya humor en esta película. Como mucho ironía. Lo que hay en esta preciosa historia es ligereza y suavidad. Ligereza para tratar la muerte de alguien querido sin estridencias; suavidad para entender que las relaciones familiares son como un archipiélago de pequeñas islas, a veces conectadas con un avión o un barco, otras separadas por un profundo abismo. La película de Payne, y me imagino que la novela de Kaui Hart Hemmings, solo se entienden en ese paisaje ligero y suave.
Hace unos días les dije a mis alumnos: los dramas con sol se llevan mejor. Es cierto. ¿se imaginan esta historia, la misma, en un país helado, nocturno? Sería un Bergman. Payne es un Bergman del sol. El paisaje de Hawai, incluso el del ese Hawai nada turístico y tan contemporáneo, es el quinto personaje de esta historia. Payne mira este paisaje con ojos de documentalista y se suma a la idea de salvarlo, preservarlo para el futuro, dejar que la naturaleza siga existiendo libre. Eso es lo que Matt aprende al final. Que el último paraíso está en aceptar la libertad, la de las tierras, la de sus hijas, la suya, o la de ese novio que está ahí para apoyarlos a todos y que protagoniza la escena mas seria de la película. La conversación nocturna de Matt y Sid es el punto de inflexión donde el personaje del padre entiende lo que debe hacer. Esa secuencia y la visita de la esposa del amante en el hospital, son los momentos mas estremecedores.
Mientras escribía pensaba que la palabra ligereza se podía entender de una forma equivocada. Los descendientes tiene la ligereza de esa música hawaiana que acompaña toda la película, cálida, ondulada, con un sentimiento de tristeza dulcificado. Los descendientes tiene la ligereza de un dibujo de línea limpia y clara, un dibujo que, como todos los pintores saben, es mucho mas difícil de hacer que un cuadro de brochazos contundentes. Los descendientes es una joya.

MILLENNIUM

2012-01-13T09:11:00.000-08:00

(ramón SI ama a las mujeres)
¡Cómo me gusta esta nueva versión de Millennium! No lo puedo remediar. Me parece mucho mejor que la película sueca y casi, casi mejor que la novela, que ya es decir. ¿Por qué? No se. Una respuesta que no gustará a casi nadie es: porque los americanos saben hacer cine mejor que los europeos. Mejor no es verdad, es diferente. Siempre he pensado que el cine americano era el cine de verdad y que el cine que se hace en Europa debería llamarse de otra manera. Es igual de bueno o muchas veces mejor, pero es otra cosa. Bueno dicho esto, porque me gusta la nueva película. 1. Por Lisbeth. La Lisbeth sueca me producía un profundo rechazo. La Lisbeth americana, como la literaria, es mucho mas frágil, mas abstracta, mas inaprensible y al mismo tiempo provoca una sensación de querer protegerla. 2. Por la relación de Lisbeth Salander con Mikael Blomkvist, mucho mas sensual y física, sin miedo a mostrarlos juntos en una química que echa chispas en algunos momentos. 3. Por ser tan fiel al argumento original, sin ser en ningún momento una ilustración, respetando el tronco central de la historia, sin dejar de apuntar las ramas laterales que en el libro son frondosas y aquí son pequeños brotes. 4. Porque aun siendo tan fiel al libro, se permite un cambio en el final que no altera el resultado, pero resulta mucho mas factible y verosímil.
Por todo eso y porque incluso conociendo la historia perfectamente, no puedes dejar de mirarla y de preguntarte como va a contar lo que va a pasar después. El espectador conoce el argumento, pero no tiene idea como lo va a resolver Fincher. ¿para cuando la segunda y la tercera?

TRISTEZA

2012-01-12T09:54:00.001-08:00

Ya no podré comer en el Restaurante Taj Mahal de Gijón como me habia prometido la última vez que estuve alli. Ya no volveré a ver su hermosa playa, ni a pasear por el Cerro de Santa Catalina presidido por la escultura de Chillida. No al menos en noviembre y compartiendo esos paisajes y esos lugares con sesiones memorables en el cine. Ya no volveré a ir al Festival de Gijón. Solo estuve dos veces, pero las dos fue una experiencia estupenda. Por la gente y por el cine. Allí se veían películas que en otros festivales no tenían cabida, allí se podía hablar con la gente directamente. Era un festival cercano y al mismo tiempo exquisito. Gran valor del Festival de Gijón el de hacer que un cine considerado difícil y minoritario fuera un éxito de publico con salas llenas. La destitución fulminante de José Luís Cienfuegos como director del Festival, al frente del cual llevaba 15 años, es una de las peores noticias de un tiempo lleno de noticias malas. No solo por lo que significa que un grupo de amigos se queden sin trabajo en estos momentos, sino como síntoma del empobrecimiento provinciano que se va extendiendo como una mancha de aceite por toda la península. El cine ha perdido un gran escenario, Gijón ha perdido una oportunidad de ser una referencia internacional. No se que pasará con el nuevo director del que se sabe tan poco, pero hoy y aquí, me duele el corazón por esta pérdida colectiva y personal. Lo siento José Luís. No te lo merecías.

LA DAMA DE AZUL

2012-01-06T07:10:00.000-08:00

(azules herrerianos, que no thatcherianos)
Esta mañana me han preguntado que pensaba de la polémica que ha provocado en Inglaterra la película sobre Margaret Thathcher, La dama de hierro. Les he dicho que no me parecía importante, que en realidad pienso que solo los gobiernos totalitarios o muy autoritarios se preocupan de lo que se pueda decir en una película. Los ejemplos que me citaban como referentes, lo confirman: Borat, de Sacha Baron que hizo que el gobierno de Kazajstán le declarara persona non grata (hasta que se dieron cuenta de que esa película había puesto el país en el mapa del turismo internacional); el presidente argentino Carlos Menem y la Evita de Madonna, ¡todo un demócrata, el presidente Menem!; la ministra de cultura del gobierno de Aznar, Pilar del Castillo y La pelota vasca, sin comentarios.
La verdad no entiendo que les preocupa a los británicos de esta dama de hierro. Si yo fuera conservador, estaría encantado de que convirtieran a una de las mujeres mas duras y despiadadas a la hora de imponer el liberalismo en una viejecita llena de recuerdos nostálgicos y con un marido que le hace compañía desde el mas allá; si fuera laborista, me daría vergüenza ajena ver el retrato hagiográfico de una presidenta que no tuvo piedad con nadie, pero nada mas. Como no soy ni una cosa ni otra, solo lamento que no me guste nada esta película. La composición de Meryl Streep acaba agotándome tanto que me desentiendo de la pantalla; la personalidad de la Thathcher joven y sus problemas para trepar en política, me importan un rábano y la Thatcher adulta o vieja me producen eso que creo deben sentir los laboristas: vergüenza ajena.
Podría decir que el guión es bueno, con el juego de tiempos y el diálogo con el marido muerto, pero también me cansa en su repetición. En fin, al final lo único que me entretenía era ver que variante de azul iba a sacar la presidenta en el siguiente vestido. En realidad esta película debería llamarse La dama de azul, mas que La dama de hierro.

CARTA A LOS REYES

2012-01-04T00:27:00.000-08:00

Al margen de desear con toda mi alma que desparezca el desánimo colectivo y que la gente empiece a mirar el futuro con esperanza, aceptando que nada volverá a ser como era, pero aceptando también que eso no necesariamente significa que tenga que ser peor, tengo un deseo que me gustaría ver cumplido.
Desearía que nuestros políticos, periodistas, tertulianos de distinto pelaje, comentaristas deportivos o culturales, presentadores o hombre del tiempo, en fin, todos los que hablan en público dejaran de decir POR TANTO, PER TANT o como se diga en euskera y en gallego.
Estoy harta del latigillo. Por tanto pido que dejen de decir Por tanto.

DE 2001 A 2012

2012-01-01T00:36:00.000-08:00

Anoche volví a… 2001. No se asusten, no fue un viaje en el tiempo. Volví a ver la película de Kubrick y Clarke. Todo empezó con unas notas del Danubio Azul. De repente, nos entraron unas ganas irresistibles de ver la película. Nos llamaba. Nunca la habíamos visto en una televisión tan buena como la que tenemos desde hace un tiempo, así que la experiencia fue extraordinaria. Como verla por primera vez. Nos envolvimos tanto con ella que se nos pasaron las doce campanadas, pero no las doce uvas que nos comimos viendo como David “mata” a HAL, cada pieza de la memoria, una uva y una lágrima mientras HAL va perdiendo la voz cantando Daisy, Daisy. Y luego, el viaje Júpiter y mas allá del universo. “Está lleno de estrellas”. Ese viaje a través de un agujero de gusano que le lleva a un espacio nuevo, aun por nacer.
Mientras la veía pensaba en el impacto que les debió causar a mis dos personajes medievales, Ana y Martí, ver esta película en el año 2004. Lo que debieron sentir cuando aparece el monolito entre los monos para dar el primer salto de la humanidad; cuando lo descubren enterrado en la Luna; pero sobre todo, cuando lo ven flotando en la inmensidad del universo antes de que David lo cruce en su viaje hacia las estrellas.
Seguramente hay muchas buenas manera de empezar el año, pero sinceramente, esta me parece estupenda.

DRIVE

2011-12-30T07:50:00.000-08:00

(¿conseguiría Drive salir de esta jaula urbana?)
Todo el mundo se deshace en elogios de DRIVE. Las calificaciones son altísimas, cuatro y cinco estrellas. ¿Por qué se produce este asombro crítico ante esta película? No tengo una respuesta clara. Solo puedo decir que comparto el entusiasmo, aunque quizás mas matizado. En casi todas las críticas que he leído se hace referencia Melville y su samurai, aunque mucho me temo que Melville y el samurai son completamente desconocidos para la mayor parte de los espectadores de Drive. La aparición de Drive es probable que responda a la necesidad de cada generación de tener un héroe solitario y oscuro, que camina por el filo de la navaja siguiendo su propio código. Drive tiene una cualidad ambigua. Es fría por fuera como un cubito de hielo, pero dentro de ese cubito se guarda un cuerpo cálido y tierno. Curiosa combinación. El conductor sin nombre también me recordó a Alain Delon y su silencioso samurai melvilliano. Pero he de reconocer que me hizo pensar mas en otros conductores solitarios y no precisamente urbanos. Me recordó al Dennis Weaber de El diablo sobre ruedas de Spielberg, enfrentado a un enemigo muy superior al que, sin embargo, consigue vencer. Me vino a la memoria Barry Newman en Vanishing Point, de Richard Sarafian y su desafío al orden establecido. Pero sobre todo pensé en Travis, el Robert de Niro de Taxi Driver, un posible abuelo de este drive contemporáneo.
Pero todas estas son trampas de crítico. Lo mejor es dejarse llevar por Ryan Gosling en su trabajo de día y de noche y compartir con él el deseo de una vida mas normal que nunca conseguirá.

EL TOPO

2011-12-24T04:10:00.001-08:00

¿Saben lo que mas me ha gustado de El topo? Lo que no está en la película. Lo que tiene que poner el espectador para rellenar esos espacios que el director (y el autor) dejan voluntariamente fuera de campo y sin los cuales no se entiende la simple y al mismo tiempo compleja trama del Tinker, Taylor, Soldier. Desde el primer momento hay muchas cosas no dichas, intuidas, imaginadas, que como espectadores tenemos que ir colocando en los espacios en blanco que la historia va dejando. Es un ejercicio cinematográfico increíble. No había visto usar el fuera de campo de esa manera desde… no se desde cuando. No hace falta hablar, no hay nada que explicar: Smiley viendo la televisión en su casa cuando suena la puerta es una imagen suficiente para saber que Smiley vuelve a estar en activo. Una mirada nos manda de repente a una secuencia completamente distinta, un tiempo distinto, un lugar distinto. Un guión como este debería analizarse en todas las escuelas de cine y un montaje tan preciso también. Y eso que no entro ni en los ambientes, ni en los espacios, ni en el uso de la música. ¿Cómo consiguen los ingleses que todo parezca usado? La guerra fría es algo del pasado, y la película no lo oculta, no intenta hacer una relectura de la historia de Le Carré mas que una dirección: el componente homosexual latente entre estos espías de corbata y maletín y que se apunta en dos pequeñas escenas: unas palabras en la cocina y unas lágrimas; una foto y una bala. Recuerdo muy bien la novela que leí en 1981, (¿cómo sé que fue entonces?, sencillo. Gracias a un billete de metro que usaba como punto y que se quedó allí, guardado como una reliquia de otro tiempo, cuando diez viajes valían 175 pesetas y el billete servía para Autobús-Metro-Tramvía Blau). Un tiempo en el que aun vivíamos sumergidos en la guerra fría entre el silencioso Smiley y el astuto Karla. Tiempo de espías que no volverán. Ahora el espionaje se hace desde un ordenador. ¿Alguien sabe quién es el Smiley de esta era tecnológica y financiera?

A LA SOMBRA DE THE ARTIST

2011-12-17T04:41:00.001-08:00

Esta semana todo el mundo irá a disfrutar con The Artist, una joya que no debería perderse nadie al que le guste el cine. La foto que ilustra este texto es de la serie Ella, él y Asta. Y viene a cuento porque Asta estaba sin duda en la cabeza de Hazanavicius cuando ideó el film. Tanto o mas que Cantando bajo la lluvia de Donen/Kelly o Espejismos, de King Vidor.
Pero yo quiero hablar aquí de dos películas españolas estrenadas a su sombra y que me dolería que pasaran desapercibidas. Las dos, además, tienen mucho que ver con The Artists.
Hollywood Talkies, de Oscar Pérez y Mia de Ribot comparte tiempo histórico, finales de los veinte y principios de los 30 en el Hollywood que pasaba del mudo al sonoro.
Lo mas importante de la vida es no haber muerto, comparte blanco y negro y un homenaje a un cine del pasado.
De Hollywood Talkies escribí hace tiempo cuando la vi en un pase previo a Venecia. Si quieren leer la entrada está publicada el 29 de julio de este 2011.
Aquí solo quiero recordar que este precioso documental no solo comparte con The Artist el tiempo, el paso del mudo al sonoro y el espacio, el Hollywood de final de los veinte y principio de los treinta. Comparte sobre todo el sentimiento, la evocación de un cine que fue y que ya no es. Acababa aquella entrada diciendo: “Una última acotación. La palabra Hollywood quiere decir literalmente Bosque Sagrado. Nunca antes esta definición de Hollywood me pareció tan acertada como en esta película poblada de fantasmas.”
En cuanto a Lo mejor de la vida es no haber muerto, film extraño y atrevido, divertido y poco convencional dirigido a cuatro manos, lo cual explica probablemente sus irregularidades y sus aciertos; es sin duda un homenaje, no se si voluntario o no, al cine de Edgar Neville. De Neville toma la situación sentimental de una pareja que es un trío, como lo eran los protagonistas de El baile y La vida en un hilo. Pero también bebe en Neville cuando inventa esa vida subterránea, escondida, llena de misterios y de seres ocultos que arranca en La torre de los siete jorobados.
Dos películas españolas que merecen un no pasar desapercibidas. Dos títulos que junto con The Artists nos demuestran que el cine está hecho de retazos del pasado, aunque estemos en un espléndido presente.

COMENTARIOS PIEDRA NEGRA

2011-12-13T07:13:00.001-08:00

Estos son algunos comentarios que me han llegado sobre la novela La piedra negra. A todos muchas gracias.
El jueves 15 es la presentación en Documenta (Barcelona) a las 20.00 horas.
Y en la red sigue haciendo su caminito
Si buscais en Google: LA PIEDRA NEGRA NURIA VIDAL, sale directo.

1 I la novel•la: m'ha agradat molt!! Trobo impressionant la capacitat de trenar personatges, temps i accions i d'enganxar-te, i una habilitat per anar per feina en el millor sentit... Només et diré que en acabar-la vaig tenir la necessitat imperiosa de tornar a veure 2001 amb uns altres ulls (i ho vaig fer!). En fi, que felicitats! Ja en parlarem... Jordi

2 Pero también es cierto que pasan muchas cosas, encuentran gente interesante como Dante, etc. así que también sorprende. Por lo demás, todos los personajes me gustan mucho. Las ninfas o las mariñas, Scott, el tipo rico de NY, el navegante, etc.La historia a la que haces mención de un hombre que lo dejó todo y se marchó a la montaña es Jeremias Johnson?Y a partir de las historias paralelas me parece que has tejido un bonito jersey de punto, colorista y ligero. Y al final, cuando sale Clarke, la historia pega un subidón. Es como el abuelo que todos hubieramos querido tener. Anna Marqués, Directora del Memorimage de Reus.

3…y entre la tarde del sábado y esta mañana la he leído. Y, hostia, me ha encantado, de verdad... Y una de las cosas que mas, y que me parece fantástico en una novela tan 'difícil', sobre todo por la temática (al menos, para mi, que no soy un lector habitual de ciencia ficción ni de historias fantásticas), es que la lectura te arrastra y te arrastra, desde el primer momento hasta el final. Y por muchos saltos en el tiempo que haces, adelante y atrás, nada chirria: todo es perfectamente 'creíble' en el contexto de la narración, sobre todo, yo diría que una de sus grandes virtudes, sin lo cual quizá la novela no fluiría tan bien, es como está escrita: tiene ritmo, un ritmo pausado, tranquilo, pero constante, sin altibajos; fluye y fluye. Me parece, además, una fabula magnifica (al menos es lo que pensaba mientras leía la primera parte; que estaba ante una fabula sobre la intolerancia, y que podía leerse perfectamente en clave contemporánea), aunque cambie ligeramente de opinión al empezar la segunda parte: continua siendo una fabula, en mi opinión, pero su lectura es mucho mas 'espiritual' e incluso científica. No se que te habrán comentado otros lectores, pero a mi has logrado sorprenderme con el giro que toma la historia en esa segunda parte...
Otras de las sensaciones que he tenido es que leía 'lo mismo' dos veces: a ver si consigo explicarme. A la primera parte, que es básicamente, 'Solsticios', o al menos eso me ha parecido, se corresponde la segunda, la 'parte contemporánea' (o casi) y una y otra encajan perfectamente, como si hubieras doblado una hoja de papel (en este caso una hoja de papel del tiempo) y una X y otra X se posaran una encima de la otra hasta ser la misma, con las evidentes y obvias diferencias. O sea que me da la sensación que una de las cosas que te interesa, esa posibilidad de universos paralelos en tiempos distintos, pero no diferentes, literariamente le das una forma muy acertada...
Finalmente, todo lo que explicas sobre Clarke, Sri Lanka, etc... me ha interesado mucho. Ya te he dicho que no soy un gran lector de ciencia ficción, ni siquiera de novela fantástica, pero si de libros de viajes: otra de las cosas que has conseguido ha sido despertar mis deseos de leer 'Las fuentes del paraíso'.... Quim.

4. Bueno, al grano: ayer acabé La Piedra Negra. Me ha gustado mucho! Me ha parecido una fantasía muy bonita, ya hablaremos en directo pero, de entrada, FELICIDADES!!!!! Me lo he pasado muy bien leyéndola... Mariela.

5. Ayer terminé de leer La piedra negra y la verdad es que me ha gustado mucho. La historia se hace muy sencilla para el lector y en cambio es muy compleja, casi parece un trabajo de artesanía. Al final, en las notas cuando explicas que llevas 30 años dándoles vueltas queda claro que ha sido un largo camino. Sin ánimo de hacer crítica de nada porque no tengo ni idea de literatura una de las cosas que me parece más interesante es esta especie de fuera de campo continuo que remite todo el rato a otro tiempo aunque sea el mismo lugar. y, de hecho, así acaba, en pleno fuera de campo, aunque nos quedemos en un sitio tenemos el pensamiento en otro, no? bueno es mi sensación. Felicidades! Ojalá puedas publicarlo y lo pueda leer más gente, si lo consigues avísame que yo lo regalaré! Montse.

6 Felicidades! Me leía ayer domingo LA PIEDRA NEGRA de un tirón.Me lo he pasado bomba, gracias. La voy a recomendar como regalo de Nadal. Pablo.

7. Que bé que m'ho he passat amb les aventures d'Arnau de Vilanova, Martí, Ana i tota la pandilla!. M'ha encantat el llibre, t'ho dic de tot cor. Quina meravella deu ser portar a dins aquesta història durant tants anys i poder donar-li la llum finalment....i jo, com a lectora, celebro del tot que hagi estat així perquè he passat unes estones fantàstiques amb ella i encara ara m'acompanya, la teva història. Quins personatges més nobles de sentiments, més fidels a la seva búsqueda i al seu vincle afectiu.Tots ells han estat com petits herios per mi, aquests dies que els he tingut "entre mans", i m'han deixat un pòsit de pau i de bondat tant agradable... Et felicito moltíssim perquè finalment l'hagis pogut treure de tu, i t'ho agraeixo perquè m'ha resultat una lectura d'allò més plaent. I no cal que et digui la gràcia que també m'ha fet a mi la tormenta elèctrica al Camp de Tarragona!
Ara em quedo amb les ganes de llegir les noveles d'Arthur C. Clark que encara no he llegit mai i aniré immediatament a buscar! I mira que feia temps que tenia ganes de llegir coses de Ciència Ficció, i La Piedra Negra m'hi ha abocat absolutament!!...
Bàsicament, ara t'escrivía per felicitar-te i m'adono que un es queda molt curt per expresar amb paraules algunes coses, sobretot al costat de la dimensió del que m'has donat tu amb la novela, però espero que puguis llegir-me entre línies la verdadera emoció amb la que et dic el que et dic. Mia.

OPEN 24 HORAS

2011-12-08T02:18:00.000-08:00

(Héctor podria pasear por aquí)
Se estrena mañana una película que vale la pena que no pase desapercibida, Open 24 h., de Carles Torras. No es cine de espectáculo, no es cine de palomitas, pero es cine muy interesante y al mismo tiempo nada, pero nada, aburrido. Podríamos decir que estamos ante un ejemplo de cine minimalista en blanco y negro, casi sin diálogos. Dura poco mas de una hora. Por su historia y su factura está emparentado con Las horas del día de Jaime Rosales. Pero es menos malvada. Historia de hombres, en especial de un hombre joven que es el centro de un triángulo familiar con un padre autoritario y adusto y un hermano subnormal del que debe cuidar. Trabaja como guardia de seguridad en una empresa que parece sacada de Wall-e. Y ahora que pienso, el protagonista tiene algo de Wall-e, aunque sin la suerte de encontrar una plantita en su mundo de metales. Se llama Héctor y lo único que sabemos de él es que no puede dormir y se pasa las noches leyendo novelas de Erich von Dániken. Tiene un juicio pendiente y una abogada que no le hace caso. Deambula por las calles de una Barcelona irreconocible y se refugia en programas de ciencia ficción en la radio. Héctor no tiene muchas salidas. La película se acaba en el momento justo, cuando empezamos a preguntarnos hacia donde va. Es un ejemplo de contención. Y lo mejor es que no puedes dejar de mirarla. Una sorpresa.

DOS CITAS IMPORTANTES

2011-12-06T02:01:00.000-08:00

La semana que viene es muy movida para nosotros.
El martes 13 de diciembre, Ramon Herreros inaugura una exposición con un tema específico: ARQUITECTURAS. Son ocho óleos magníficos y cinco acuarelas preciosas que abren un nuevo tema en su pintura. Árboles y espacios juntos dan como resultado una obra absolutamente original. La exposición es en San Cugat en Canals Galeria d'Art. Carrer de la Creu, 16. 93 675 49 02.

Y dos días después, el jueves 15, yo presento la novela LA PIEDRA NEGRA, en la librería Documenta de Barcelona, en Cardenal Casañas 4. La cita es a las ocho y será para mi la ocasión de que el libro se vea en papel, como objeto físico. Después, espero que tenga una larga vida en la red.

PRESENTACION LA PIEDRA NEGRA

2011-12-05T00:17:00.001-08:00

El jueves 15 de diciembre presentaré la novela La piedra Negra en la Librería Documenta, a las 20.00 horas. Una de las cosas que mas me gustan es que será Jordi Ibáñez el que la presente. Jordi es un amigo, pero sobre todo es un lector no habitual de ciencia ficción y el hecho de que haya accedido a introducir la novela me llena de satisfacción. También estará Andreu Teixidor, el editor de BAT, la editorial On Line que la ha publicado. Me hace especial ilusión esta presentación en una libreria como Documenta, a la que estoy unida desde su fundación hace ya muchos años, porque será la ocasión de que el libro se vea y se toque como objeto. El hecho de que se haya publicado on line me parece muy importante y una manera de adecuarse a los nuevos tiempo. Pero sigo teniendo un resto de sentimentalismo por el papel. Espero que pueda venir mucha gente a acompañarme porque es la primera vez que una novela mía se lanza al mundo. No es lo mismo un libro profesional, por muy personal que sea (y todos mis libros son muy personales, desde Escenarios del crimen hasta La vuelta al mundo en 20 festivales). Una novela es como un barquito de colores que nunca antes ha salido a mar abierto. Y la presentación en Documenta puede ser el inicio de un viaje que espero sea tan apasionante como el de Arnau, Martí y Ana.

MERCADO DE FUTUROS

2011-11-25T01:37:00.000-08:00

(este texto se ha publicado en la web de Fotogramas)
No puedo dejar de explicar la sensación que me produjo este documental de Mercedes Álvarez, su segundo largometraje después de El cielo gira: Mercado de futuros me recordó Metrópolis de Fritz Lang. Seguramente se preguntarán porqué. No solo los lectores de esta crítica, probablemente también la directora. Pero no dejé de pensar en los obreros de Lang caminando alienados hacia un trabajo rutinario. Como los ejecutivos que suben escaleras o bajan rampas y caminan, caminan en este film poético/económico. Pero ¿y el mundo de los poderosos del film de Lang? Hay están también. Son esos vendedores y compradores de sueños de aire impuro que anuncian paraísos en Santo Domingo, en Florida o en Budapest, para gentes que aun no saben que el mundo tal como lo conocen está a punto de acabarse. Y María, ¿dónde está la salvación? Pues también la encuentro en la película de Mercedes Álvarez. Es ese viejo vendedor de los Encantes de Barcelona, con la sorna, la sabiduría, y el saber estar que le dan sus 92 años. En fin, todo esto es una interpretación propia. Lo que hay de verdad en este interesante documental es un retrato de los especuladores de sueños que venden humo de ladrillos; de los que juegan alegremente con el dinero de otros; y de la inevitable desaparición del sentido de los objetos cuando dejan de estar ligados a una vida en concreto.

UN DIOS MUY SALVAJE

2011-11-19T04:10:00.000-08:00

(estos son unos tulipanes de Ramón. Los que vean la película sabrán porque los he puesto como ilustración)
Que buena es esta película. Que buenos son estos actores. Que buen director es Polanski. Y que tonta fui no yendo al teatro a ver a Maribel Verdú, Aitana Sánchez Gijón, Pere Ponce y Antonio Molero hacerla en nuestros escenarios. Porque es una pura delicia. Contada en tiempo real, toda la acción dura lo que la película, la historia nunca sale de una casa, casi de una habitación. Con excepción de un prólogo y un epílogo en el exterior, en un parque, desencadenante y conclusión de lo que sucede en ese espacio terrible donde rige el dios salvaje de la hipocresía puesta el descubierto. Uno no puede evitar pensar en En el ángel exterminador, o en ¿Quién teme a Virginia Wolf? Pero son solo ráfagas cinéfilas, porque poco a poco se impone la presencia de ese cuarteto de instrumentos que van dándose pie uno a otro, dejando que los solos suenen espectaculares mientras que los dúos, tríos o cuartetos funcionan perfectamente. Polanski rodó la película cuando estaba detenido en su casa por una acusación de hace mas de treinta años. Y se nota la rabia que siente contra esa sociedad, no excluidamente americana, hipócrita y pretendidamente liberal y de izquierdas que esconde debajo de la alfombra mas de un cadáver de egoísmo, snobismo, y sobre todo estupidez. Por favor, véanla en Versión Original. Es imprescindible. Y no se pierdan la escena del vómito y la exclamación de Jodie Foster. “ Mi Kokoshka”, donde queda claro que a Penélope le preocupa mucho mas un libro de arte que la salud de esa visita impertinente que es Nancy/Kate Winslet.

2
Una simple nota. He visto Eva. A mi me gusta. No creo que sea tan fría como se ha dicho. Es quieta y silenciosa, como la nieve. Pero la nieve solo es fría en apariencia, bajo la nieve hay siempre vida latente y expectante. Los sentimientos están, pero no se ven a simple vista. Eva tiene un romanticismo interno. El corazón de la película no es de hielo, pero tampoco es de sangre. El corazón de Eva está hecho de imágenes y sonidos, de silencios y blancura. Eva si tiene alma, pero es un alma escondida.

MEMORIMAGE

2011-11-16T23:44:00.001-08:00

(imagen de la memoria)
La semana pasada tuvo lugar el festival Memorimage en Reus. Quería escribir un post cada día, como he hecho otros años, pero no me fue posible. De todos modos no quiero dejar de recordar aquí algunas de las películas que se vieron en Reus y que creo vale la pena que se recuperen en cualquier tiempo o lugar.
BRAVA, VICTORIA!, de María Gorgues (aún en los cines), un precioso retrato de una gran cantante de ópera que fue además una mujer estupenda. Y lo que es mejor, una cineasta admirable que registró sus viajes en bobinas de 16 mm y 8 mm. Un tesoro que María ha sabido utilizar muy bien.
L’AMOUR ET SON SOUVENIR, de Miquel Àngel Raió. Una historia de amor entre una chica francesa y un seductor mallorquín en los años sesenta. Las pequeñas historias, contadas con su propio material, suelen ser las mas emotivas.
VIDAL SASSON, de Craig Teper. ¿Sabían que detrás de la marca de champú y peluquerías se esconde un hombre de casi 80 años, de una vitalidad y una energía espectaculares? Que además es un showman y un creador como la copa de un pino que revolucionó el corte de pelo de las mujeres en los años sesenta. Un descubrimiento que se podrá recuperar en el Documental del mes de diciembre.
CABARET BERLIN, de Fabienne Rousso-Lenoir. Una delicia, una lección, un film indispensable. Utilizando únicamente material de películas alemanas de los años 20 y 30, muchas de ellas desconocidas para nosotros, se cuenta la historia política de Alemania entre la primera guerra mundial y la llegada al poder de Hitler. Es espeluznante descubrir los paralelismos con la actualidad.
EL ULTIMO MAGNATE, de Olivier Van der Zee i José Antonio Hergueta. ¡Hay tantas historias por contar todavía¡ Hay tantas aventuras y personajes en nuestro pasado que están pidiendo a gritos que se les recupere. Como este último magnate, Horacio Etxebarrieta, constructor de un submarino para los alemanes, industrial bilbaíno con una historia que parece una novela de aventuras.
DOS DE LA NOUVELLE VAGUE, de Emmanuele Laurent. No se si se puede decir algo nuevo sobre la Nouvelle Vague. En todo caso si se puede decir algo sobre una amistad, la de François Truffaut y Jean-Luc Godard, que duró veinte años y fue uno de los pilares del movimiento que renovó el cine francés y europeo. La película los sigue desde que se conocen hasta su disputa en el año 1968 cuando su vidas tomaron caminos diferentes. El documental no se decanta por ninguno, pero está claro que el que sale ganando es Truffaut.

DE MELANCOLIA Y VERBO

2011-11-06T03:51:00.001-08:00

(dos hermanas y una luz)
Se ha estrenado esta semana Melancolía de Lars Von Trier. A mi me parece la película mas hermosa de todas las suyas (y suelen serlo). También la mas profunda y la menos críptica. La mas clásica, si. Y eso es lo que mas me gusta de ella. Es una historia en dos partes complementarias centradas en dos figuras femeninas, las dos hermanas que representan Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. Se ha hablado mucho de los temas de la película: la novia huyendo, la fiesta de la boda, el fin del mundo. Todo esto está en el film, pero para mi hay una secuencia que lo explica y lo justifica. Durante esa noche interminable de la fiesta de su boda, hay un momento en que Justine busca refugio en la biblioteca para huir de todos. Sin dudar ni un segundo, en cuanto entra en la sala, retira los libros de arte que hay en la librería, todos ellos referentes al arte abstracto del siglo XX, y los sustituye por libros de arte clásico. No recuerdo cuales son, pero si se que son libros que tratan de la pintura clásica. Este gesto me da la clave de un film que no necesita demasiadas interpretaciones: ante el fin del mundo, solo queda un refugio: la belleza del arte. La belleza del film, la belleza del paisaje, la belleza impresionante de ese último plano que no se borra de la retina. Lars von Trier ha hecho su película mas romántica (la música de Tristán e Isolda de Wagner). También su película mas femenina. No solo porque sus protagonistas sean dos hermanas (casi siempre sus protagonistas son mujeres), sino porque ha cedido ante el deseo, (quizás inconsciente ) de hacer una película sin manual de instrucciones y con la sensibilidad a flor de piel. No gustará a todos. Seguro.
2
Relacionado con este y a su sombra se ha estrenado otra película muy interesante. Es española y se llama Verbo. Dirigida por Eduardo Chapero Jackson, en el fondo está reivindicando algo muy parecido. Ante la fealdad del mundo, ante la mediocridad de la vida que nos rodea, la gente con la sensibilidad a flor de piel, generalmente la gente muy joven aun en formación, busca una salida en la muerte. Chapero intenta decirles que hay otros caminos: el del verbo, la palabra que se encarna en el clásico por excelencia de la lengua castellana, Cervantes; el de la imagen luminosa que oculta la grisura de la mediocridad. Pero para llegar a descubrir esta doble belleza hay que cruzar un Hades de pruebas y de dolor que te dará la fuerza. Una historia arriesgada y difícil de encajar en ningún género; una película que sabe de la dificultad de encontrar un público receptivo a este mensaje y que ha sido leída de una forma muy dispar. No es una película redonda, por suerte para Chapero hay mucho camino por recorrer, pero es un film de aquellos que te abren los ojos siempre y cuando estés dispuesto a mirar las cosas sin las gafas de lo preconcebido.
3
Solo un apunte final. Me gustan mucho los libros de Tin Tin, me gusta mucho Spielberg. Creo que la tecnología puede dar resultados brillantes. Pero detesto los Museos de Cera. Por eso no hablo mas de Tin Tin y el secreto del unicornio.

DOS ESTRENOS

2011-10-30T05:13:00.000-07:00

(así quedaremos todos si los monstruos de margin call siguen en libertad)
Esta semana se han estrenado Tin Tin y Eva. No las he visto todavía, asi que ya hablaré de ellas dentro de unos días. Entre las pelis estrenadas destaco dos.
Una que me gusta y otra que no me gusta
1. Margin Call,
Esta película integra un programa doble de terror con Inside Job. Deberían ponerlas en las escuelas para que los niños aprendieran quienes son los auténticos monstruos contemporáneos. De visión obligada para entender nuestro mundo, es, además, una espléndida pelñicula, de una sobriedad y sequedad insólita en el cine mas comercial. Casi brechtiana y al mismo tiempo, apasionante. Ramon Herreros la definió como El infierno de dante en el siglo XXI.
2 El niño de la bicicleta.
Estoy cansada de los Dardenne. No soporto a ese niño malcriado y no entiendo como la chica, Samantha, le aguanta. Ni siquiera desde la perspectiva de cuento de hadas me gusta. Creo que han explotado al máximo una línea cinematográfica que no va a ningún sitio.
Su biografía se escribe así: El bebe de El niño, crece para ser el pequeño lleno de dudas de La promesa, abandonado por su padre y sin bicicleta, justo antes de matar al chico de El hijo, de enamorarse tristemente de Rosetta y de acabar siendo víctima de Lorna.
Creo que es hora de que los hermanos belgas salgan de este circulo vicioso de lo que se ha llamado “cine de cogote” (siempre filmando a los personajes desde atrás con cámara en mano).

LA PIEDRA NEGRA

2011-10-25T08:00:00.000-07:00

Por fin ha salido La piedra negra
!Hace mucho tiempo que tenía ganas de escribir estas palabras¡
Es mi primera novela, pero no será la última. Estoy muy contenta porque ademas se ha publicado de una manera muy original, nueva. Una forma experimental para todos. La ha editado Bubok, una editorial on line , dentro del sello Biblioteca Andreu Teixidor.

Este es el enlace directo para la adquisición o descarga del libro.
http://www.bubok.es/libros/207734/La-piedra-negra

Hay dos opciones de compra:
Si se quiere tener en formato libro cuesta 16.00€ mas 7 euros de envío.
Tardan unos 8 días en enviarla
Si se quiere descargar vale 3.00€

Me resulta difìcil explicar de que va. Bueno de que va no, es un viaje de descubrimiento por los centros de cultura del siglo XIV que concluye en un lugar preciso e inesperado y enlaza con un viaje de reencuentro y sabiduría en el siglo XXI. Dos mundos unidos en el tiempo y en el espacio. Una sinopsis mas larga seria esta: Arnau de Vilanova es un médico del siglo XX que aparece de pronto en el siglo XIV. Su obsesión es volver a su tiempo. Para ello sigue la ruta trazada por un cometa a través de los centros de poder y cultura del medioevo completando un nombre que designa un lugar desde el que podrá intentar dar el salto en el tiempo. En esta búsqueda le acompaña su discípulo Martí y un grupo de seres privilegiados entre los que juegan un papel importante dos jóvenes mujeres, Ana y Diana. A principios del siglo XXI, Martí y Ana intentan encontrar el camino que les lleve a reencontrarse con Arnau y el resto de sus compañeros de aventuras en un viaje que les llevará a descubrir lugares inesperados.
Lo dificil es decir si es de ciencia ficción o histórica, si es para adultos o para adolescentes, si es de aventuras o de pensamiento. En fin, espero que sea de todo esto y mas. Sobre todo espero que se pueda leer que es, en definitiva, a lo que aspira todo el mundo que escribe.

MIENTRAS DUERMES

2011-10-20T05:11:00.000-07:00

Solo quiero hacer dos reflexiones entorno a esta película.
Una tiene que ver con el tema: los porteros
La otra tiene que ver con la manera como se ha hecho.
En cuanto a los porteros creo que todo el mundo puede estar de acuerdo que, al margen de que sean buenas o malas personas, su función es siempre inquietante: alguien que vigila y controla. Y por esa condición se prestan a ser personajes inmejorables para películas negras, negrísimas. He visto que en casi todas las críticas que se hacían de la película se buscaba como referente principal a Polanski y su Quimérico inquilino. Algo de eso hay, pero a mi, a quien me ha recordado César/Luis Tosar es a Quinn/Charles Dance, el perturbador y malvado portero de Desvío al paraíso de Gerardo Herrero, un film oscuro en su luminosidad escrito por Santiago Tabernero y Daniel Monzón. Entre Quinn y César componen un dúo de seres tan serviciales como mortales.
En cuanto a la manera, lo que me gusta y me llama la atención es el hecho de que esta historia haya dado lugar a tres productos iguales y distintos: un guión, un libro y una película. El guión de Alberto Marini fue el origen de las dos versiones, novela y film. Mientras Balagueró lo desarrollaba en imágenes, el propio Marini lo transformaba en palabras nuevas. El resultado es sumamente interesante porque no se trata de una adaptación de una lenguaje a otro sino de dos maneras de contar la misma historia. Mientras duermes película se centra en la relación de César con Clara; Mientras duermes libro busca mostrar otras caras de la maldad de César y quizás por eso es mucho mas terrorífico. Porque la relación que tiene con el vecino paralítico o la maldad que muestra con los perros de Verónica, son tan importantes o mas que su obsesión con la risueña Clara.
Desde aquí recomiendo que hagan las dos cosas. Vean la película primero y lean la novela después. Es la forma de disfrutar plenamente de un ejercicio de creación a cuatro manos muy estimulante.

NOTICIAS DE SITGES

2011-10-12T07:18:00.001-07:00

Estoy indignada. Ya se que no es un sentimiento muy original, pero lo estoy. Por razones diversas este año no he podido ir al Festival de Sitges todo lo que me haría gustado. Pero eso no quiere decir que no me interese saber que pasa en el Auditorio, el Retiro y el Prado, los tres cines del Festival. Al margen de seguirlo por Internet en los distintos blogs y canales; además de leer lo que sale en los periódicos, no mucho por cierto, una de las formas de saber que sucede en Sitges debería ser TV3, supuesta televisión oficial del festival. Hoy, 12 de octubre al mediodía, he puesto el Telenoticies. Al ser un día festivo y un poco tonto, las noticias han sido bastante aburridas y sin demasiado interés. Lógico. Cuando llevábamos mas de media hora han llegado los deportes. Un bloque que en una jornada como la de hoy prácticamente no tenían nada que decir, pero que se ha alargado como un chicle durante no se, ¿diez minutos? (no lo he cronometrado). Cansada ya de esperar, he estado a punto de apagar la tele, pero he pensado. Aguanta a ver que cuentan de Sitges. Y ha llegado Sitges ¿y que me ha contado la televisión oficial del festival de lo que sucedió ayer y esta mañana en el festival de cine mas importante de Catalunya y uno de los tres festivales mas importantes de España? Solo que anoche se le entregó el premio de honor a Bryan Singer (sin decirme quien es ni porque se le da el premio) y… nada mas!!!. Una noticia que no llega a los 30 segundos!!!! No me lo podía creer.
De esta experiencia he sacado dos conclusiones:
Una. Que en la redacción del telenoticias debían colocar las pequeñas y miserables píldoras culturales que ofrecen antes que los deportes. No veo porque hay que aguantar el largísimo bloque de deportes (y que conste que a mi me gustan los deportes y sería de las que lo vería), si se quiere ver alguna noticia cultural.
Dos. Que el cine no importa en TV3, ni el cine ni el esfuerzo de hacer un festival de estas características al que no se le demuestra el respeto que merece.

DOS MUJERES

2011-10-08T04:20:00.000-07:00

(¿una mujer preguntándose como escapar?)
Este fin de semana dominado por el festival de Sitges, al menos en el ámbito de Barcelona, se han estrenado dos películas importantes. Dos films realizados en cinematografías periféricas que se acercan al problema de la vida en pareja desde ángulos muy distintos, pero con puntos de enorme coincidencia. Nader y Simin, una separación del iraní Asghar Farhadi y Las razones del corazón, de Arturo Ripstein y Paz Alicia Garciadiego. Teheran y México, dos ciudades populosas, desequilibradas, monstruosamente grandes donde los seres humanos no son mas que pequeñas moscas pululando sin ton ni son. México D.F. y Teheran se parecen mucho en su desmesura y las dos provocan una sensación de atracción/odio inquietante.
Pero en estas dos películas de lo que se habla es de matrimonios rotos. Rotos por que, en ambos casos, las mujeres no pueden mas. La diferencia entre uno y otro, aparte del lenguaje cinematográfico que hace de una un melodrama sirkiano (la iraní) y de la otra un melodrama buñueliano (la mexicana) es que las dos coinciden en el hecho de que las mujeres no pueden mas con la vida que llevan.
Simin ya no aguanta mas. Necesita salir de su país y buscar una nueva vida para ella y su hija; Nader, su marido, no está dispuesto ni a irse ni a dejarla irse. La única solución es separarse. Y de ese extraño y largo proceso habla este film que sin denunciar explícitamente nada, nos estremeces con la intolerancia de una sociedad enquistada en unas tradiciones injustas en la que a pesar de todas las dificultades, son las mujeres las que avanzan sin detenerse.
En México encontramos a Emilia, un ama de casa frustrada y agobiada por la aburrida vida que su matrimonio le impone. Emilia no es exactamente Madame Bovary, no se consume por falta de amor, se consume de mediocridad. La del edificio siniestro donde sube y baja sin parar como una rata de laboratorio buscando una escapatoria imposible; la del amante despreciable que no la entiende ni la quiere; la del marido cobarde incapaz de darle lo que necesita. Emilia se consume en ese mundo claustrofóbico y sin aire. Emilia al final encontrará una salida. No es extraño que esa salida se parezca tanto a la de otra mujer impresionante en la filmografía de Ripstein/Paz, la de la reina de la noche.

ALGUNAS CONTRADICCIONES

2011-10-01T03:32:00.000-07:00

1.
Estoy, estamos, muy contentos porque la Academia haya elegido Pa Negre para representar a España en la carrera a la nominación de los Oscar. Entre otras cosas porque está hablada en catalán… pero al mismo tiempo están, yo no, contentos porque se podrán doblar las películas americanas al catalán privándonos de oir a los actores con su lengua y sus acentos.
¿Les parecería bien que Pa Negre se estrenara doblada al inglés en Estados Unidos, privándolos de oír el catalán? Pues lo mismo.
2.
Están, estamos, preocupados porque son muchas las películas catalanas que no llegan a poder hacerse por falta de una mínima financiación. No interesa hacer un cine catalán (en cualquier idioma, pero catalán) que no garantice una rentabilidad inmediata… pero están, yo no, felices de ofrecer en bandeja 1.400 millones de euros a las multinacionales para ocupar pantallas con películas americanas dobladas al catalán. (y no quiero caer en el populismo de decir que es una vergüenza dar ese dinero a las majors cuando se recorta a las residencias y otros centros asistenciales)
3.
Estoy cansada de defender las versiones originales subtituladas al castellano o al catalán. La herencia del franquismo proteccionista del idioma ha dejado una huella tan espantosa en la cultura de este país que duele. Y ver como 30 años después esa herencia se prolonga y se expande a otras lenguas me produce una inmensa tristeza.
4.
Pa negre es Pa negre. No Pan negro ni Black Bread.

SOBRE EL TRADER DE MODA

2011-09-27T23:46:00.001-07:00

Todos los telediario y me imagino que los periódicos de hoy, han comentado la aparición del trader de Londres que estaba supercontento con la recesión mundial. Por fin “los mercados” tiene una cara identificable. Este caballero no ha dudado en asegurar que cada noche se acuesta pensando a ver si al día siguiente se ha hundido otro país. Y que cada vez que hay una amenaza de que haya una catástrofe económica que se lleve por delante la economía de miles de personas, él esta mas contento porque así hace mas y mas dinero. ¿Desfachatez? No. Lógica aplastante. Por si no lo han oído o leído esto es lo que dice: "Esta crisis económica es como un cáncer. Si esperas pensando que va a desaparecer, el cáncer seguirá creciendo hasta que sea demasiado tarde. Lo que digo a la gente es 'Prepárense'. No es la típica situación en la que podemos confiar que los gobiernos encuentren una solución. Los gobiernos no dirigen el mundo. Goldman Sachs dirige el mundo. Y a Goldman Sachs no le importa este rescate, ni tampoco a los grandes fondos. Lo primero que la gente debería hacer es proteger sus activos, proteger lo que tienen porque en menos de doce meses los ahorros de millones de personas van a desaparecer, y eso es sólo el principio". Terrible, pero lúcido. Los gobiernos no deciden nada. Y al dinero (en abstracto) lo que le pase a la gente le importa muy poco o nada. En fin.
Por cierto, se han dado cuenta del enorme parecido de este broker con dos actores de sobra conocidos. Parece un cruce entre Jake Gyllenhaal y John Hamm, es decir Don Draper, en definitiva un personaje tan despiadado y sin escrúpulos como el que apareció en la BBC al que le auguro un brillante futuro.

CUENTO

2011-09-23T07:57:00.000-07:00

Acabo de ver el telediario la noticia de la caida de un satélite en una zona habitada. Eso me ha hecho recordar un viejo cuento que escribí en 1982, revisado en el 2002, donde se habla de la caida d eun satélite. El cuento se llama Blade en homenaje a Blade Runner.He decidido publicarlo aqui, porque el cine sigue sin inspirarme para escribir. El cuadro de Ramon me gusta mucho y por eso lo he puesto como ilustración.

Blade
Los periódicos anunciaban la caída del satélite para las cinco de la mañana del día siguiente. Este era el décimo que se desplomaba sobre la tierra desde que en 1983 el Cosmos 1402 iniciara una serie de desastres técnicos en los satélites artificiales. Blade cerró el diario con desaliento y siguió comiendo su plato de soja en el bar de Chang. Soja con salmón. ¡Típico de los chinos! Pagó su consumición en la deteriorada máquina de la esquina del salón y se despidió de Chang con un movimiento de la mano.
Salió a la lluviosa y oscura mañana. Comenzaba un nuevo día. Un día más que quizá fuera el último para algunos de los habitantes de este planeta. Por suerte esta vez su espacio vital, comprendido en los escasos kilómetros cuadrados que ocupaba la ciudad, estaba a salvo del peligro. El satélite caería al otro lado del país en una zona poco habitada. Podía estar tranquilo, seguramente no los llamarían a ellos ya que estaban demasiado lejos y no sabían nada de aquel sector. Probablemente encontrarían otro equipo de seguridad en un área más próxima al desastre. Llovía sin parar, como casi siempre ¡Hacía tanto tiempo que no veía el sol!, ¡y el mar!... casi no se acordaba como era el mar. Y estaba allí muy cerca, pero ¿quién tenía ganas de ir al mar en estos tiempos?
Sorteando como pudo la abigarrada multitud que pululaba por las calles de la ciudad sin saber aparentemente a donde ir, Blade consiguió llegar hasta el enorme edificio donde estaba su laboratorio: la Oficina de Investigación del Plan Sextenal del Quinto Proyecto, más conocida entre la gente como la 6/5. Antes de entrar su mirada se detuvo en la enorme puerta reviviendo en su mente sensaciones de algo conocido pero inidentificable. Sentía esto cada vez que atravesaba la monumental entrada que daba acceso al hall del viejo edificio donde se encontraba su trabajo. Tomó el único ascensor que aún funcionaba y subió hasta el piso 11, cruzó el pasillo de paredes desvencijadas, saltó por encima de un profundo agujero lleno de agua, producto de más de diez años de goteras y entró en su laboratorio.
George ya estaba trabajando. Le saludó sin levantar la vista del diagrama que estaba calculando y siguió apuntando infinidad de números en una pequeña libreta que tenía a su lado. Blade se quitó el abrigo empapado y se puso el confortable jersey que tantos recuerdos le traía. Esta era una de las pocas razones que le hacían soportable su trabajo, poder utilizar este suéter en lugar de las horrendas y asépticas batas blancas que llevaban todos los investigadores del plan.
Se sentó a su mesa, frente a George, dispuesto a continuar con el cálculo que estaba realizando y distraídamente, le comentó la caída del satélite. Ante su sorpresa George reaccionó y le miró a la cara.¡Si que era raro! Muy pocas cosas en el mundo conseguían que George levantara la vista de sus diagramas y números.
-¿Sabes algo de la caída?
-No, tan solo lo que pone los periódicos.
-¿Saben ya donde caerá esta vez?
-¡Claro que lo saben! Lo saben desde hace varios días. ¿No has oído las noticias?
-No, ya sabes que no me gusta como informan de las cosas que pasan.
-No me extraña que no te enteres de nada. Si aún sigues empeñado en calcular a mano todos los términos de las operaciones, ignorando olímpicamente que estamos en la era de la informática.
-Sí, pero sigo siendo el mejor ¿no? Además, olvídalo. Tan solo quiero saber donde sucederá esta vez
-Parece que en California. Espero que no nos busquen a nosotros.
-California... nunca se lo perdonaré.
-¿A quién y qué, si puede saberse?
-California. ¿Qué quedará después del impacto? Nada ¿Por qué no podían ser más cuidadosos con sus juguetes? Si no sabían usarlos, por qué los mandaban al espacio amenazando las vidas, no de ellos, claro, sino de las generaciones futuras. No comprendo porque no esperaron a tener controlada la energía nuclear para ponerlos en marcha.
-Yo tampoco, pero es un hecho que lo hicieron. Así que ahora hemos de esperar que caigan todos los que aún están dando vueltas por ahí. Eso si no conseguimos que el Plan Sextenal de algún resultado rápido y se puedan eliminar en el espacio, pescarlos sería la palabra exacta, sin peligro para nuestras naves.
-California... era un lugar precioso. Yo lo conozco.
-¿Tú? ¿Cuándo estuviste allí?
-De niño, con mis padres. Me llevaron a ver los viejos estudios de Hollywood, un sitio increíble donde se hacían películas.
-Si, he leído sobre ese lugar.
-Era maravilloso. Ahora desaparecerá todo bajo las radiaciones del maldito satélite.
-Supongo que si, si no logran evitarlo. En fin, volvamos al trabajo.
La lluvia seguía cayendo sin descanso, resbalando por los grandes ventanales que se abrían a la sempiterna oscuridad. Blade y George trabajaban en silencio. De repente sonó un timbre estridente en el fondo de una de las habitaciones vacías de la planta.
-¡Oh no!- dijo Blade -esta vez no, por favor.
-Parece que nos llaman. ¿Quién va?
-Echémoslo a suertes. Me parece que es la única manera.
-De acuerdo cara o cruz.
-Cara.
La moneda saltó en el aire y cayó suavemente sobre la mesa.
-Lo siento Blade, te ha tocado a ti. Espero que vuelvas.
-Yo también lo espero. Hasta pronto George.
Se dieron la mano y Blade se dirigió hacia la salida en busca de la habitación donde seguía sonando el timbre estridente. Abrió la puerta de un cuarto de dimensiones gigantescas al fondo del cual había una mesa con una gran pantalla encima. Acercándose sin ganas, Blade desconectó el timbre y encendió la pantalla que inmediatamente le pidió un código personal. Blade lo tecleó y ante él apareció la amable cara de una azafata del Congreso que le dijo con una sonrisa de plástico:
-Por favor, no se retire
Blade miró a la azafata y esperó pacientemente. Allí estaba el jefe.
-Blade, me alegro que seas tú-. “Siempre dice lo mismo sea quién sea el escogido”, pensó Blade para si mismo.
-Creo que ya sabes de que se trata. Tienes que ir a California. No hay nadie cerca que sepa que puede hacerse con el satélite. Sólo puedo confiar en alguien del 6/5 para evitar que la catástrofe sea de grandes dimensiones.
-De acuerdo, iré. Pero necesito algunos datos. No estoy al tanto de que tipo de satélite se trata.
-No te preocupes. Todo está a punto. Ven inmediatamente a la Oficina Central donde te facilitarán toda la información.
-Bien. Hasta ahora.
-Oye Blade, por favor, por una vez deja ese horrible suéter en casa ¿quieres?
-Ni hablar-, fue su rápida y tajante respuesta.
Bueno, ya estaba de nuevo embarcado en una misión que no deseaba. Era parte de su trabajo, la que menos le gustaba y debía cumplirlo. Pero desde luego se daría un pequeño gusto. Si tenía que morir en California, lo haría con su viejo jersey puesto. No señor, no lo iba a dejar aquí abandonado.
Recogió sus cosas y salió a los pasillos laberínticos del enorme edificio del Plan Sextenal. Bajó en el destartalado ascensor, reliquia del pasado y salió a la calle oscura y mojada como quién está dispuesto a ir al sacrificio. La Oficina Central no estaba lejos y viendo el tráfico infernal pensó que sería mucho más rápido ir andando que coger un coche, así que caminó bajo la lluvia atravesando el viejo parque de su infancia, ahora completamente destruido.
Al final de la explanada de acceso a la Oficina Central se destacaba la magnífica arquitectura que, al igual que el edificio del Plan Sextenal tenía la capacidad de provocar en su imaginación el recuerdo de algo antiguo, latente o dormido en lo más profundo de su mente. ¿Por qué sería que aquellos edificios inhóspitos despertaban en él esa cualidad evocadora? Algún día, si volvía de California, intentaría averiguarlo. En las verjas de la explanada se identificó y un coche oficial le llevó hasta el Departamento de Información. Allí encontró otra chica de plástico con sonrisa de dentífrico y ojos rasgados que le entregó una carpeta con toda la documentación acerca del satélite y un talonario de cheques en blanco abierto a su nombre.
-Carta Blanca-, le dijo sonriendo de forma insinuante. “Lástima que no tengo tiempo ahora”, pensó Blade mientras recogía la carpeta.
El mismo coche oficial le llevó al aeropuerto. Un avión le llevaría a California en una hora. Perfecto, no se podía pedir mejor organización. Durante el trayecto, Blade estudió los informes del satélite. En realidad no era complicado. Era un modelo primitivo lanzado el año 1985 por los rusos y que había durado en el espacio más de lo previsto por sus propios creadores. Pero los imbéciles no calcularon que se caería algún día y que su uranio enriquecido no se destruiría al entrar en contacto con la atmósfera. En fin, una vez más se enfrentaba a un problema de arqueología espacial.
El avión no tenía ventanillas a causa de la velocidad de desplazamiento y por eso Blade no pudo darse cuenta del cambio que sucedía fuera del aparato. Cuando descendió en el aeropuerto de San Francisco se quedó asombrado al comprobar que no sólo no llovía, sino que además aún había sol en el mundo y allí relucía como en los viejos tiempos de los libros de historia. Sólo por esto ya valía la pena haber venido hasta aquí. Lástima que esa hermosa tierra verde –verde era un color borrado de la ciudad hacía muchísimo tiempo- fuera a calcinarse por una estupidez del pasado. Haría lo posible porque no sucediera lo peor. Antes de llegar no pensaba más que en terminar cuanto antes con lo que había venido a hacer y, si salía con vida, volver lo más rápido posible a su trabajo en el Plan. Pero ahora creía que valía la pena intentar en serio evitar la catástrofe, aunque solo fuera para salvar aquellas hermosas palmeras que se mecían al viento.
Nadie le acompañaría en su viaje. Aquella era una zona muy poco habitada y los escasos pobladores habían sido evacuados hacía varios días. Le dieron un coche y le indicaron el camino a Los Ángeles donde se localizaba el epicentro de la caída.
Sumergido en un mar de nuevas sensaciones que el sol y el viento despertaban en él, Blade condujo a gran velocidad por la autopista de la costa hasta que encontró una barrera. Un policía le detuvo y pretendió obligarle a retroceder, pero su actitud cambió radicalmente cuando se enteró quién era y porqué iba a Los Ángeles. La barrera se abrió dejándole pasar y el coche se alejó mientras el policía lo miraba con una mezcla de tristeza y esperanza en los ojos. Ahora Blade si que estaba completamente solo en el desierto californiano. Miró el mapa que le habían dado y comprobó que el lugar del impacto quedaba justamente en el lugar del que George le había hablado esa mañana: Hollywood, donde se hacían las viejas películas del siglo XX, vestigios de un pasado irrecuperable.
No tardó en divisar la ciudad. Eran las cinco de la tarde. Le quedaban doce horas. Enfiló un gran boulevard y detuvo el coche delante de un edificio cuadrado. El satélite no entraría en contacto con la atmósfera, primer momento de peligro, hasta dentro de cuatro o cinco horas, así que podía dar una vuelta antes de empezar a prepararse. Entró en el edificio cuadrado por una pequeña puerta lateral y se encontró en un vestíbulo vacío de enormes dimensiones. Desde fuera nunca habría pensado que fuera tan grande. Caminó lentamente por los distintos niveles intentando reconocer alguno de los objetos allí expuestos, pero nada le resultaba familiar. Era todo demasiado antiguo. ¿Para qué servirían esos instrumentos? Estaba tan ensimismado en su contemplación que no se dio cuenta de que no estaba solo hasta que sintió una mano en su espalda.
-¿Quién es usted?-, casi gritó al mismo tiempo que sacaba su pistola.
-No se asuste. En realidad debería ser yo quién le preguntara ¿no cree? Al fin y al cabo, yo estoy en mi casa.
La que le hablaba era una chica de unos quince años, morena, con el pelo corto y los ojos dorados como la miel.
-Pero ¿qué hace usted aquí? Debería haberse ido con todo el mundo. Esta zona está en peligro de desintegración.
-Ya lo sé. Y usted ¿qué hace aquí?
-Soy el encargado de intentar evitar el desastre, si es posible. Es preciso que se marche inmediatamente.
-No, ni hablar. Yo no me muevo. No me importa morir, pero quiero verlo. Quiero verlo caer del cielo. Es lo único que me importa. Quiero ver de verdad lo que tantas veces he visto en el cine.
-En el cine, ¿en qué cine?
-Aquí, donde estamos ahora. Aquí se proyectaban películas y yo tengo una. La veo continuamente ¿quiere que se la enseñe? Seguramente entonces comprenderá porque no quiero irme.
Blade miró su reloj. Tenía tiempo, así que se dejó llevar por unas escaleras hasta una pequeña sala llena de butacas.
-Siéntese.
Ella se fue detrás, a un cuarto más pequeño y manipuló en unas primitivas máquinas. De repente se apagaron las luces y la pantalla se iluminó. Algo estalló en la cabeza de Blade. Lo que salía en la pantalla era la imagen de aquello que estaba buscando desde hacía tanto tiempo. La evocación que sentía ante los grandes edificios del Plan y la Oficina Central, aquello que le hacía reaccionar de una forma extraña, como si tuviera algo que ver con él, aparecía ahora en colores y gran formato frente a sus ojos. “Pirámides” las llamaban en el idioma que salía de las bocas de los hombres que allí se movían. Pirámides, eso era lo que los edificios le recordaban. Pirámides que se construían para alabar a sus reyes. Reyes que podían hacer cosas impresionantes como separar el mar abriendo un camino entre sus aguas o desencadenar tormentas de insectos. Era increíble, no podía apartar los ojos de aquellas sombras en movimiento. Y de repente entendió lo que la chica quería decirle. En lo alto de una montaña había una mata de hierba ardiendo. Del cielo caía una bola de fuego y una lluvia de estrellas que iluminaba esplendorosamente el firmamento. Eso es lo que la chica esperaba ver en la realidad. Si había sucedido en el cine, ella lo vería ahora, aunque tuviera que morir para conseguirlo.
Cuando se encendieron las luces la chica estaba sentada detrás de él con el rostro transfigurado. No hacía falta que dijeran nada. Se entendieron con la mirada. Blade la cogió de la mano y salieron juntos a la luz de la tarde donde los últimos rayos del sol bañaban el centro de la calle vacía donde se levantaba uno de los grandes estudios de Hollywood.
Se acercaba la hora crítica, el momento más importante para controlar el desastre. Pero Blade se sintió de repente muy cansado. Por primera vez en su vida no sabía que tenía que hacer ¿debía destruir el fuego del cielo o, por el contrario, debía dejarlo caer en su esplendor en un destino anunciado muchos años atrás? Se sentía perdido mientras contemplaba el azul cobalto del cielo que muy pronto se llenaría de destellos naranjas y violetas. Los destellos de la muerte. La fascinación de las puertas, las pirámides, todo tenía sentido en esa órbita mortal.
Pero algo muy dentro de él sabía también que lo que sucedería al caer el satélite nada tenía que ver con aquellas imágenes recién descubiertas. La muerte añorada nada tenía que ver con la muerte real y terrible que encontrarían con la caída del monstruo del cielo. Abrazó a la chica y la arrastró a la zona de sombra de la calle venciendo el instinto y el deseo de destrucción que le dominaba. Era preciso que hiciera lo que había venido a hacer.
La chica temblaba de frío en el anochecer. Blade se quitó su viejo jersey y se lo puso por los hombros mientras la conducía hacia el aparcamiento. Aunque ella se resistía, Blade logró meterla en el coche. Subió a su lado y puso el motor en marcha. El familiar ronroneo le devolvió el aliento de vida que le faltaba. No, no iban a morir, ahora no. Por fin había encontrado un hilo conductor entre un pasado remoto y un presente hasta ahora sin sentido y no iba a permitir que se lo cortaran. Además había encontrado a la chica. Era preciso vivir y había que darse mucha prisa....

Barcelona 1982-2002
(publicado en una primera versión en Arc Voltaic número 15).

TEXTO DE JACQUES DEMY

2011-09-23T02:53:00.000-07:00

El Festival de Donostia-San Sebastian ha dedicado una de sus retrospectivas a Jacques Demy. En el libro que han publicado hay una colaboración mia que trata de la relación de Demy con su ciudad natal Nantes. Lo he colgado en el blog de textos por si alguien lo quiere leer.

EL ARBOL DE LA VIDA 2

2011-09-16T03:19:00.000-07:00

(un árbol de la vida de Ramón)
Llevo casi tres semanas sin escribir en el blog. La verdad es que los estrenos de cine de estos dìas no me estimulaban a decir nada. Y el agobio informativo de la película de Almodóvar aun me echaba mas atrás. No quería, y no quiero, decir nada de esa película. Pero eso mismo me bloqueaba para escribir de otras cosas.
Bueno. Creo que se ha roto ese bloqueo. Hoy se estrena una de las películas importantes del año, El árbol de la vida. Imprescindible. Recupero el texto que escribí el 22 de mayo cuando la vi en Perpignan porque sigue siendo plenamente vigente. También recomiendo el texto que escribió Ramon Herreros en su blog sobre esta película mas o menos por las mismas fechas.
Hoy empieza San Sebastián y con el festival empieza oficialmente la temporada de estrenos. Confio en no volver a bloquearme.

1
A la salida. Comparto la sensación de desconcierto que provocó entre los críticos de Cannes. El árbol de la vida es una película de una belleza deslumbrante. Eso es lo primero. Es de una complejidad enorme en su aparente sencillez. Es un ejercicio de pensamiento visual y sonoro. Es todo eso y es mas.
Solo voy a destacar algunos momentos de esta película que debe verse mas de una vez.
Uno. El esplendor de la creación del mundo, tomado de las imágenes que envían los telescopios espaciales. Aunque son imágenes tratadas, no son producidas por efectos especiales, son las recreaciones que los científicos están utilizando para explicar el origen de las galaxias y por extensión el origen del mundo y de la vida.
Solo por eso ya vale la pena la película.
Dos. La imagen del dinosaurio moribundo a la que se acerca otro depredador, pero no hace lo que todos esperamos que haga, sino algo inesperado.
Tres. El árbol matriz que crece en el centro del jardín de la familia.
Cuatro. La puerta en el desierto que atraviesa Sean Penn para comprender un pasado que le atormenta.
Cinco. Los grandes edificios contemporáneos, auténtica cárcel de cristal en la que Penn sueña su redención.
Seis. El plano del río cuando Jack deja ir el camisón de su madre. La belleza del agua donde nace la vida, donde la naturaleza empieza a existir, donde se pierde el deseo prohibido.
Siete. El espacio sin tiempo que es la muerte de la que es posible volver a nacer.
Ocho. La maldad pura en los ojos de un niño, Jack, la maldad impura en los ojos de un adulto, su padre.
Nueve. La última imagen del film. Un puente que nos lleva hacia otro sitio, hacia otro espacio, hacia otro cine.

Añado dos imágenes mas que me han venido a la memoria después de escribir el texto. (De hecho la película no se me va de la cabeza)
-La madre en uno de los pocos instantes de auténtica paz, apoyada en los escalones de la casa con la gata sentada en su regazo.
-Las sombras de los niños la primera vez que los vemos. Las sombras son las de dos extraterrestres.

No se si esta película va a ser tan importante como 2001, no se si va a marcar la historia (no solo del cine), pero si se que va a dejar huella en todo el que la vea. Tanto en los que se dejen hipnotizar por ella, como entre los que la detesten por su carga metafísica y espiritual.

ANUNCIO Y FUTBOL

2011-08-29T04:35:00.001-07:00

Hace unos días salió un noticia en La Vanguardia. Hablaban de un anuncio de la Liga BBVA protagonizado por Andrés Iniesta y por Iker Casillas. Lo busqué en internet y lo vi. El anuncio es muy bonito, espectacular, atractivo. Pero lo que me sorprendió fue lo que se deducía de su historia. En el anuncio, Iniesta baila y juega en la calle y consigue mover el mundo, despertarlo, hacerlo creativo. Todo se mueve con él, desde los coches hasta la propia esfera terrestre Entonces aparece Casillas, un Casillas enfadado porque el movimiento no le permite acercarse a un cajero automático. Harto de tanto movimiento, Casillas para el mundo de golpe y llega el inmovilismo y con el inmovilismo, él puede ir al cajero y sacar el dinero que quiere. Me sorprende que nadie se haya dado cuenta de la carga de profundidad que contiene este anuncio. Iniesta es la creación, el movimiento, la alegría, el ir hacia adelante; Casillas es todo lo contrario, alguien que para las cosas que no quiere que cambien, que se queden quietas para… sacar dinero de un cajero¡¡¡
Me imagino que habrá analistas de televisión que harán comentarios mas agudos y mas profundos de este anuncio, pero a mi me ha parecido clarificador de lo que está pasando. Y no solo en el fútbol.

RAUL RUIZ

2011-08-22T01:49:00.000-07:00

(estas granadas de Ramón le gustarían mucho a Raúl)
Hace un par de días murió Raúl Ruiz. Estaba muy enfermo. Todos sabíamos que era una muerte anunciada y dilatada en el tiempo. Un tiempo precioso que él aprovechó para hacer lo que mas el gustaba en el mundo: películas. Raúl es sin duda el mas prolífico (o uno de los que mas) director de cine que ha habido en los últimos cincuenta años. Porque Raúl empezó a dirigir con menos de 20 años en su Chile natal y desde entonces (1963) firmó nada menos que 114 títulos. Algunos olvidables, otros estupendos, todos personales. Inconfundibles, únicos, con su sello personal. Ese sello que le hacia moverse en un terreno entre el realismo y el fantástico, entre lo súrreal y lo irreal. Raúl era un DIRECTOR. Una de las primeras personas que escribieron sobre su cine en España fue Ramón Herreros en la revista Destino en el lejano año 1973-74, después de conocerle personalmente en un Festival de Pésaro. Raúl siempre estuvo agradecido a esas críticas y cuando Ramón dirigió la Filmoteca Nacional de España en su sede en Barcelona, los años 1975-1979, fue un asiduo visitante de la ciudad y se convirtió en un amigo. Lejano y distante, pero fiel hasta el punto de ir al estudio de Ramón a verle a él y su obra cuando venía por Barcelona. Raúl era especial, un hombre feliz, que disfrutaba con su trabajo. Un hombre con suerte que encontró en Paulo Branco un aliado fiel para poder jugar a hacer películas. Un hombre que dejó títulos memorables: Hipótesis del cuadro robado; Les trois couronnes du matelot; Tres vidas y una sola muerte; Genealogías de un crimen; El tiempo recobrado y la última, Misterios de Lisboa. En el momento de morir tenía una película en postproducción, La noche de enfrente y una en preproducción As Linhas de Torres. El, desgraciadamente, se ha ido ya a la noche de enfrente y ha atravesado las líneas de las torres de la vida. Pero su cine quedará para siempre.

SUPER 8

2011-08-19T03:57:00.000-07:00

(aún conservo las pelis de súper 8 que filmaban en mi casa)
Para los niños que en este 2011 tienen entre 10 y 13 años las palabras Súper 8 no significan nada. ¿Una fórmula matemática? ¿Una clave secreta? Estos niños, nacidos entre 1997 y 2001 han vivido en una época en la que la imagen está al alcance de la mano. Si quieren hacer una película, un video mejor dicho, lo filman con el móvil y a los 10 minutos lo está viendo todo el mundo. Para ellos, el hecho de esperar a que te devuelvan el carrete de fotos o la película de súper 8, sin saber si lo que has filmado o fotografiado corresponde a lo que querías, es algo asi como contarles que los hombres prehistóricos pintaban en las cavernas. Esto no será un impedimento para que estos niños disfruten con Súper 8, la película que han hecho a cuatro manos Steven Spielberg y J.J. Abrams. Porque ya sea con el móvil, la cámara digital o simplemente dibujando en un papel, lo que si que no ha cambiado –desde la prehistoria- es la necesidad de contar historias fantásticas. Por eso este film que tiene aroma de Cuenta conmigo, Exploradores, o E. T. es al mismo tiempo una película de ahora mismo. En 1979, año en que pasa la acción, los niños que tenían 13 años –Abrams por ejemplo- soñaban con lo que un niño grande de 32 años –Spielberg, por ejemplo- imaginaba para ellos. De esos dos sueños o imaginaciones nace esta historia que bebe en el pasado, en ese ambiente de camaradería de pueblo, de amistades para toda la vida, de cine de género, pero que sabe que para enganchar al público de este siglo XXI tiene que ofrecer espectáculo, miedo, un misterio y un ser del espacio que tiene mas de King Kong que de Alien. Todo junto un placer para gente de todas las edades con capacidad de sentir que las mejores historias son las que uno inventa.
(Ayer se me olvidó recomendar que nadie se mueva del asiento antes de los créditos. Vienen con sorpresa y es estupenda)

CURIOSOS ESTRENOS

2011-08-13T02:23:00.000-07:00

Que curioso. En pleno mes de agosto, hay tres estrenos esta semana que merecen cuatro estrellas en casi todas las críticas que aparecen. ¿Es que los distribuidores se han vuelto locos y guardan las mejores pelis para el verano a pesar de que el tópico dice que no va nadie al cine? ¿O es que, por fin, se han dado cuenta que el verano es un buen momento para estrenar cosas interesantes ya que mucha gente se queda en la ciudad y el cine es uno de los mejores refugios que hay?
Tres películas a ver:
13 asesinos, de Takashi Miike o como el cine de Kurosawa se adapta al nuevo siglo aunque siga hablando de samurais. Clásico puesto al día. Una mirada contemporánea sobre un mundo antiguo. Si los Siete samurais de Kurosawa eran siete vengadores solitarios, los 13 asesinos de Miike son 13 vengadores solidarios. Es el signo de los tiempos. Donde antes necesitábamos héroes de una pieza, ahora hacen falta hombres mucho mas pragmáticos. Y todo con una coreografía de la violencia que se convierte en un baile espectacular.
La boda de mi mejor amiga, de Paul Feig, o como la comedia de toda la vida encuentra una nueva voz y un nuevo rostro. Si quieren reírse un rato sin sentirse ridículos, vayan a ver esta comedia de bodas y amigas, un género en si mismo.
La mirada invisible, un film argentino de Diego Lerman que parece austriaco. Un personaje que se mira en la Isabelle Huppert de La pianista aunque sus perversiones sean un poco menos drásticas y mucho mas sucias. En fin, un film turbador de colores marrones con una protagonista que es todo ojos velados, sin vida, muertos, mirando un mundo mediocre y reprimido.
Aunque la verdad, si nos paramos a pensar, la mejor película es la que está sucediendo en los telediarios. Por un lado las batallas campales de Londres y los enfrentamientos en Lloret que dejan en pañales a las luchas de los samurais de Takashi; por otro lado las subidas y bajadas de la montaña rusa de la bolsa que marearían incluso a la pobre Marita, la protagonista de la mirada invisible que no sabría a que urinario mirar para ver la mierda que nos vomitan cada día; o el culebrón de Cesc y el Barça que nos mantiene tan entretenidos como si fuera la “vuelta de mi mejor amigo”. En fin: el cine es un refugio, no lo olviden, pero la realidad es mucho mas apasionante.

LOS MONOS Y NOSOTROS

2011-08-05T01:38:00.000-07:00

(un hermoso árbol desde el que César puede dominar el mundo)
Siempre me han dado miedo los monos. Se parecen demasiado a los humanos. Cuando miran de frente, no puedo dejar de pensar que me están juzgando y cuando los veo en comunidad, un escalofrío me recorre la espalda. Creo que este sentimiento es muy común y eso explica que exista la saga del Planeta de los Simios que desde hace 45 años nos viene amenazando desde las pantallas. Lo que me llama la atención son las fechas en que han aparecido los monos dominantes en el cine. Las cuatro primeras películas: El planeta…, el regreso… la huida… y la rebelión…, se rodaron entre 1968 y 1973, cinco años en los que el mundo atravesaba una de sus mas importantes crisis de pensamiento: el fin de las ideologías dominantes, la aparición de los movimientos alternativos, la primera y gran crisis energética. Después, los monos se retiraron al limbo de las historias hasta el 2001 en que Tim Burton los rescató en un momento en que la civilización occidental estaba a punto de sufrir una nueva conmoción, la rebelión inesperada de una parte de la sociedad que tenían categoría inferior en el orden establecido. Las Torres Gemelas fueron el inicio de esa rebelión. Diez años después aparece El origen del Planeta de los Simios, una nueva entrega que nos recuerda como empezó todo. Y lo hace en medio de una de las mas grandes crisis económica y de sistema que haya habido nunca. Lo que cuenta es muy obvio: los humanos son tan codiciosos y estúpidos que son capaces de autodestruirse, pero el mundo seguirá existiendo gracias al desarrollo de una nueva especie inteligente: los monos. Aprendamos de ellos. Los supervivientes de esta situación enloquecida en la que nos ha sumergido ese ente abstracto y sin rostro que se autodenomina “los mercados”, estamos obligados a luchar. Nosotros, como César, tendremos que aprender a vivir en los grandes bosques de la sociedad y desde las ramas de sus árboles defendernos de los depredadores. César es el primer de una saga que tendrá muchos seguidores. Espero.

HOLLYWOOD/BOSQUE SAGRADO

2011-07-29T02:46:00.001-07:00

(tiempo suspendido a la orilla del mar)
Ayer se anunciaron las películas españolas en Venecia.
Entre ellas esta el documental Hollywod Talkies de Oscar Pérez y Mia de Ribot.
Dicen que es un documental, pero en realidad Hollywood Talkies es mas bien un ensayo poético sobre un hecho concreto: la vida de los actores españoles que en los primeros años 30 fueron a Hollywood para hacer versiones en español de las películas americanas.
Ver este film me ha provocado varias reflexiones.
1. Se puede hacer cine sobre un hecho histórico sin necesidad de recurrir a las imágenes de archivo. La evocación es mas fuerte que la información.
2. El tiempo que se evoca en este poema es un tiempo suspendido, detenido entre dos momentos: el de la salida de una España gris que estaba a punto de despertar; el de la vuelta a una España negra sumida en una guerra civil.
3. Por eso las imágenes que acompañan el texto que una voz en off va leyendo son imágenes vacías, quietas, en silencio. Espacios vividos, ahora habitados por presencias del recuerdo.
4. Esta no es la crónica de un fracaso ni siquiera de una frustración. Es la crónica de un error. El de creer que la lengua determina la elección de una película. Espléndida lección que deberían aplicarse muchos gobiernos ultranacionalistas que sustentan toda la cultura en el hecho lingüístico.
Mientras veía la película tenia una sensación flotando en mi cabeza. Fue al terminar cuando me di cuenta que esa sensación era el recuerdo de la foto que en Barton Fink de los Hermanos Coen obsesiona al protagonista. La imagen de una mujer sentada en la orilla de una playa en un tiempo tan suspendido y vacío como el que sugiere este precioso documento.
Una última acotación. La palabra Hollywood quiere decir literalmente Bosque Sagrado.
Nunca antes esta definición de Hollywood me pareció tan acertada como en esta película poblada de fantasmas.

LOS HOMBRES DE AL LADO

2011-07-21T10:34:00.001-07:00

(un agujero negro)
Mañana viernes se estrena una película argentina. Se llama El hombre de al lado.
La historia es la de un conflicto entre dos ideas del mundo. Por un lado está Leonardo, un famoso diseñador, exquisito y rico que vive en un edificio singular, la Casa Curutchet, diseñada en 1949 por Le Corbusier; por otro lado está Víctor, el hombre de al lado, un vulgar vendedor de autos. Cuando Víctor decide abrir un agujero en una pared de su casa justo enfrente de la famosa mansión, simplemente para disfrutar de un poco de sol, se produce el enfrentamiento. No voy a entrar aquí en si la película está bien o está mal, ni siquiera si me gusta o no. Lo que me lleva a escribir estas líneas es lo que tiene de metáfora de nuestro mundo. Durante décadas Europa (mas que Estados Unidos) ha vivido en una casa de diseño perfecto, frío, sin alma, guardando las formas, manteniendo el decorado, cultivando la hipocresía del estado del bienestar. Durante décadas ha permanecido con los ojos y los muros cerrados a todo lo que no le gustaba ver, colocando a todo y a todos en las casillas que mejor le convenían. Hasta ahora en que, de repente, el hombre de al lado ha decidido abrir un agujero en la fachada de su edificio para conseguir un poquito del sol que Europa desperdicia porque ya no sabe valorar. Ese hombre de al lado son las revueltas del norte de África que tanto han descolocado a los acomodados europeos instalados en la confortable idea de que los árabes son todos fundamentalistas. Pero como Víctor, nuestros vecinos también quieren un poquito del sol de la libertad y la modernidad que no ven hace muchísimo tiempo. Y han abierto un boquete en su pared. Y se han puesto a mirarnos. Y, como Leonardo, nos hemos puesto nerviosos. No todos, por suerte. Algunos han entendido que ese boquete en la pared del vecino, también es un boquete en la propia pared de una Europa que ya no existe.

18 DE JULIO

2011-07-18T01:16:00.001-07:00

(celebrando el 14 de abril en México)
Me acabo de dar cuenta que hoy es 18 de julio. Hoy se cumplen 75 años del inicio de la Guerra Civil Española. ¡75 años ya! Hace poco, el 14 de abril, se cumplían 80 de la proclamación de la República. Parece mentira que haya pasado tanto tiempo, tres generaciones por lo menos, y aun las tengamos presentes como losas que no nos dejan respirar tranquilos. A nadie, pero sobre todo, a los que las padecimos indirectamente pero en primera persona. Mis padres llegaron a México en 1939 como refugiados políticos. Se conocieron en Veracruz y en el D.F. nacimos mis hermanos y yo. Desde que tengo uso de razón, la República y la Guerra forman parte de mi paisaje. Un paisaje condicionado por las vivencias de mis padres, evidentemente ambos del bando republicano. Me ha costado muchos años y mucho esfuerzo ser capaz de tener una mirada mas objetiva sobre aquellos hechos. El ser parte de los perdedores siempre condicionó nuestra educación. Claro que en México ser perdedor era mucho más cómodo. En México se vivía muy bien en relación con la España de la posguerra y los años 50. Pero en realidad lo que mis padres (y por extensión nosotros, sus hijos, los hijos del exilio) perdieron no fue una guerra sino un lugar imaginario que no existía mas que en su memoria y que jamás recuperaron. En este blog se supone que hablo de cine, pero no me apetece hablar del cine de la guerra civil, tan denostado durante mucho tiempo por el uso y abuso de historias todas cortadas con el mismo patrón: republicanos malos, fascistas buenos durante la larga noche franquista; fascistas malos malísimos, republicanos buenos buenísimos, desde que se recuperó la democracia. Ni unos ni otros. La verdad es que creo que aun está pendiente la gran película de la Guerra Civil Española. Esa que se acerque a la historia con unos criterios contemporáneos no condicionados por ningún tipo de memoria histórica adquirida, ya sea de color azul, ya sea de color rojo. Espero que en algún momento alguien se atreva a filmarla. Hace falta.

KELLY VERSUS KELLY

2011-07-09T02:38:00.000-07:00

(Ava nos mira directamente, Grace lo hace de reojo. Las dos nos interpelan)
No puede haber dos Kellys mas dispares que la Kelly que hace Ava Gardner en Mogambo y la Kelly (Grace) que fue su compañera de reparto en esa película. No pueden ser mas desiguales y (sin embargo) mas parecidas. Una morena de 31 años, otra rubia de 24. Ambas con una vida nada fácil aunque por motivos diferentes. Las dos divertidas, bebiéndose la vida (como dice Marcos Ordóñez), pero de diferentes bebidas: Ava, la morena, de whisky, Grace, la rubia, de champagne. Las dos se han juntado en mi cabeza estos días gracias al excelente documental de Isaki Lacuesta La noche que no acaba, estrenado ayer, y al interesante libro de Donald Spoto, Grace Kelly que ha publicado Lumen recientemente. Kelly y Kelly. Dos mujeres obligadas a representar un papel en la vida, un rol que les asignaron los estudios y el público y contra el que se rebelaron en cuanto pudieron. Dos princesas, de barrio y de cuento, que llegaron a reinar juntas en una película inolvidable.
El documental de Isaki plantea un diálogo entre dos Avas, la mujer en pleno esplendor que llega a España en 1951 para rodar Pandora y la mujer en plena decadencia que rueda Harem en 1985. Un diálogo de imágenes y de voces, de edades y de actitudes. Un diálogo que evoca una vida entre dos tragos de whisky. El libro de Donald Spoto plantea un diálogo entre el autor y la amiga muerta. Con el respeto a su memoria, con el dolor de su ausencia, con el placer de su recuerdo.
Ambos, película y libro, se pueden disfrutar en paralelo y vivirlos como un tercer diálogo, el de Grace y Ava, el de Kelly y Kelly.

PAISAJES CON FIGURAS

2011-07-01T07:41:00.000-07:00

Se han estrenado este viernes dos películas que me gustan mucho. De una escribí en este blog hace mucho tiempo, en abril del año pasado. Recupero ahora el texto para aquellos que no lo leyeron o no lo recuerdan. Se trata de White Material o como se llama ahora Una mujer en África, de Claire Denis.
La otra es el western boliviano y crepuscular de Mateo Gil, Blackthorn. Una película llena de melancolía y de añoranza, donde los paisajes de las montañas son espejos del alma de sus personajes.
Las dos me gustan de verdad y las dos tienen una cualidad común: son historias donde el paisaje es protagonista, historias físicas que no se entienden sin el escenario de un África convulsa como un hormiguero recién pateado donde María Vial intenta mantener la calma (Una mujer en África); o el altiplano andino de amplios horizontes donde tres hombres buscan un destino.
Las dos las recomiendo.

(este dibujo de Ramón resume la esencia de Una mujer en África)
Acabo de ver la última película de Claire Denis, White Material.
Denis es una directora francesa muy poco y mal conocida en España. Pero es sin duda una de las mejores y más potentes realizadoras del momento. Junto con Kathryn Bigelow, es, yo creo, la que mejor sabe retratar el mundo físico en el cine. Sus películas destilan cuerpos, calor, olor, animalidad, peligro.
Claire Denis ha tenido siempre una pasión por África, pero nunca hasta ahora la había retratado de una forma tan cruda teniendo como guía (o pincel) el rostro de una mujer, Isabelle Huppert, que literalmente se desnuda frente a la cámara. No para mostrar su cuerpo, pero si un alma hecha a toda clase de pruebas.
La historia pasa en la actualidad en cualquier país francoafricano sumido en el caos y las múltiples guerras civiles. Maria Vial dirige una plantación de café. Pero los tiempos no son ya los del romanticismo de Memorias de África. Ahora la gente muere y tiene miedo. La barbarie reina por todas partes. Maria intenta no dejarse llevar por el pánico cuando la violencia llega hasta sus puertas. Aunque en realidad la violencia está incubada en su mismo seno, encarnada en Manuel, su hijo, un ser salido directamente del Apocalypse Now de Coppola.
White material, el título hace referencia a esas cosas inútiles que solo usan los blancos y que sirven para que los negros jueguen con ellas; White material, es también los restos de una conciencia colonial que nunca cerró bien las heridas abiertas por una explotación y un abandono sin limites; White material, son esos vestidos amarillos y rosas que las niñas soldado visten apoderándose de su esencia para perturbarla.
Un film que merece ser visto, que debería ser distribuido. (por fin lo ha sido)
Publicado en este blog el27 de abril del 2010)

(una montaña de Ramon que evoca el paisaje boliviano)
Lo primero que piensas al ver esta película es que estas ante un western crepuscular. Luego, cuando la recuerdas, te das cuenta que es muchas mas cosas: es un film sobre la necesidad de la amistad; una profunda reflexión sobre la vejez y la memoria; la historia de una obsesión; la crónica de una reivindicación indigenista. Es todo esto sin duda, pero sobre todo, es la aventura de dos hombres y un paisaje. O mejor aun, de tres hombres. Dos de ellos, los más viejos, tejen una espiral hacia dentro, buscando en lo que fueron la razón de lo que son; el otro, el mas joven, traza una espiral hacia fuera, huyendo de un destino que él mismo se ha marcado. Todo sucede en los años 20 del siglo pasado en el altiplano boliviano. Blackthorn, un viejo cowboy con el rostro cruzado de arrugas de Sam Shepard, intenta recuperar su vida perdida cuando un joven arribista español, Eduardo Noriega, se cruza en su camino. Intimista a pesar de estar rodado en grandes espacios abiertos, este film de Mateo Gil es un buen ejemplo de que el cine europeo puede atreverse con temas aparentemente reservados a Hollywood.
(Publicado en Fotogramas 2012)

PUZZLED DE TALENTO

2011-06-29T09:30:00.000-07:00

Ayer se proyectó en una sesión única y probablemente irrepetible la película Puzzled Love. Es una producción de Escándalo Films para la ESCAC escrita, dirigida, fotografiada, montada y sonorizada por los integrantes de la 13 promoción de la Escuela. Es costumbre en la ESCAC que cada promoción haga un largo conjunto. Hasta ahora los resultados habían sido estimulantes pero desiguales. Esta vez no. Esta vez es distinto. Por muchas razones, pero la principal, ha sido la capacidad de entender que un trabajo colectivo puede al mismo tiempo ser una muestra de individualidad.
Eso es lo que hace que este experimento haya salido tan bien. La historia es una: dos estudiantes de Erasmus, ella americana, él mallorquín, coinciden en un piso compartido en Barcelona. A lo largo de trece mese seguiremos el previsible proceso de rechazo, enamoramiento, amor, pasión, dolor y separación. Pero si el proceso es previsible, los resultados son absolutamente sorprendentes. Cada mes de ese año que pasan juntos, de agosto a agosto, está escrito, dirigido, montado y fotografiado por un equipo diferente. Pero todos juntos consiguen que el film tenga armonía y coherencia, que te cuente una historia de amor sencilla y fresca, que los episodios mensuales tengan, además de una línea narrativa que viene del anterior y conduce al siguiente, una relación directa con el mes que están representando.
Agosto es comedia veraniega, Septiembre es comedia pura, Octubre es comedia romántica, Noviembre es melodrama, Diciembre es la alegría de saber que estás ahí aunque estés a miles de kilómetros, Enero es el refugio del cine, Febrero el carnaval, Marzo el sexo que despierta en todo su esplendor, Abril la bajada a los infiernos, Mayo, descubrir la naturaleza y el principio del fin, Junio, el dolor de la separación en un campo de trigo tan maduro como su amor, Julio, la separación fría en el aeropuerto, Agosto… la cuenta vuelve a empezar.
Puzzled Love es la prueba de que se puede hacer cine de calidad, cercano y popular con muy pocos medios, pero con mucha imaginación y sobre todo con mucho oficio. Porque, como en todo, hay que saber hacer algo para poder atreverse a desmontarlo.
Es también la promo mas importante que pueden mostrar los directores y técnicos que han participado en ella.
Felicidades a todos (no los voy a nombrar, son muchos) pero en Google se pueden encontrar un montón de entradas sobre la película y los que la han hecho.
Tampoco voy a escoger un mes sobre otro. Creo que cada uno responde al director que lo ha pensado.
Lo que si voy a hacer es destacar el trabajo de Marcel Borrás y Saras Gil que cargan con el peso de la historia y permiten ver como crece su amor a lo largo de ese año rodado en 26 días.

JOAQUIN CONTRA LOS CAMINANTES BLANCOS

2011-06-26T01:08:00.000-07:00

(Joaquín en una fiesta en el estudio de Ramón. Estaba feliz)
1.
La semana pasada vi la serie Juego de tronos. Es estupenda. La recomiendo a todos, tanto a los fans de los libros de George Martin (yo soy una de ellos), como a los que no los han leído nunca. Pero no voy a hablar de la serie, ni de los libros, ni de la historia. Solo quiero destacar una frase que es en cierto modo el motor de todo lo que sucede: SE ACERCA EL INVIERNO. El invierno es sinónimo de oscuridad, de desgracias, de deshonor. Es el momento en que se despiertan los Caminantes Blancos que viven más allá del Muro y están llamados a destruir el reino de los hombres. No he podido dejar de pensar que a pesar del calor que está haciendo estos días, también nuestro mundo está amenazado por los Caminantes Blancos (los bancos, las financieras, el poder que controla el bien y el mal) y que también para nosotros se acerca el INVIERNO. Mas vale que nos vayamos preparando y hagamos acopio de energía y de fuerza para soportarlo.

2.
El día 24 se cumplieron cinco años de la muerte de Joaquín Jordá. Me parece que no es posible que haya pasado tanto tiempo. Aun siento que está muy cerca y me encuentro muchas veces pensando ¿Qué diría Joaquín de esto? Seguramente habría estado en la Plaza Catalunya filmando a los indignados. Me imagino que ya habría hecho una película militante y rápida sobre un movimiento del que se sentiría muy cercano. También creo que estaría advirtiendonos a todos acerca de los Caminantes Blancos que nos acechan en la oscuridad, cada vez mas cerca. En todo caso, como recuerdo quiero copiar aquí una parte del texto de despedida que escribí en el libro que el Festival de Turín le dedicó en el año 2006.

“Me enteré de su muerte el día 24 al mediodía. Fue un golpe, no por sabido más inesperado. Me había acostumbrado tanto a la idea de que iba a durar mucho tiempo, que no supe como reaccionar a la idea de que ya no le vería más. Pasé toda la tarde sumida en una tristeza enorme. Hasta que me di cuenta que no era eso lo que Joaquín habría querido. El habría querido que se sacara de su muerte una nueva experiencia de vida, que sirviera para fructificar, no para cerrar o clausurar. Él habría querido que siguiera adelante. Y me di cuenta, de pronto, que Joaquín había muerto en el día más bonito del año: el 24 de junio, el día de San Juan, el día más largo, más luminoso, más vital; el día en que la naturaleza se renueva y renace. Y pensé que era un regalo que nos hacía a todos, una señal si se quiere, de renovación y de renacimiento.
Al día siguiente, en la reunión informal que se hizo entorno a su cuerpo en el Cementerio de Collserola, me sentí extrañamente bien. Al principio no quería verlo, pero luego me pregunté. ¿Por qué no? Joaquín estaba guapo, más guapo de lo que nunca le había visto. Con una sonrisa de felicidad y de serenidad que le iluminaba el rostro. Dormía y soñaba. Estoy segura que soñaba con ese espacio esponjoso y cálido del que hablaba a veces con nostalgia. No fue una despedida, fue un hasta pronto.”
Hasta pronto Joaquín.

NAUFRAGIOS

2011-06-18T02:58:00.001-07:00

(este cuadro de Ramón representa muy bien los naufragios del alma)
La película se llama Naufragio. El protagonista se llama Robinson. El director se llama Pedro Aguilera. Un resumen apresurado nos diría que estamos ante la historia de un inmigrante subsahariano que naufraga en las costas almerienses y tras un largo viaje llega a las tierras de la Rioja para cumplir una venganza. Una mirada mas profunda nos permitirá ver que el auténtico naufragio no es en una playa desierta, sino en la orilla del otro lado del alma, ese lado oscuro que todos tenemos dentro y que Aguilera ha corporeizado en el rostro y la figura de Robinson. Una mirada superficial nos permitirá hacer un recorrido por los invernaderos almerienses y su espacio de solidaridad y explotación o de una fábrica riojana con su espacio de explotación y racismo. Pero no nos quedemos en eso. Hay mucho mas. Hay misterio, hay una búsqueda de algo oscuro y maligno. Hay una intención de acallar un grito sordo e interior. Y sin embargo, Naufragio no es una película simbolista y llena de mensajes escondidos. Es un film de paisajes, los de Almería y sus toldos blancos, los de un pueblo y un bosque riojanos, los de un hombre que se mira hacia dentro y despierta cuando encuentra la cueva materna donde incubar su venganza. La película se puede ver de muchas maneras, en clave social (no deja de ser un inmigrante y su explotación), en clave espiritual (es un viaje interior dominado por fuerzas desconocidas), en términos cinematográficos (la gran elegancia de los planos, la fuerza de los rostros). Quédense con la que quieran, o mejor, quédense con las tres.

HANNA

2011-06-11T00:26:00.001-07:00

(Hanna y el ciervo, dibujo de Ramón)
Ayer apareció en los cines Hanna, una adolescente de aspecto aéreo, una especie de niña alien, rubia, de ojos azules transparentes, con una inteligencia superior y una gran capacidad para mantener la calma y no sentir empatía con el mundo. Hanna es una criatura original, quiero decir que no está inspirada en ninguna novela. Hanna es un personaje de película. Una película de Joe Wright. Hace pocos días leí una novela extraña de un escritor ruso. Se llama Hielo y su autor es Vladimir Sorokin. Los protagonistas de esta historia de ciencia ficción alucinante son todos rubios y de ojos azules. Forman parte de una comunidad de 23.000 seres superiores que despiertan su corazón gracias a un golpe de martillo de hielo hecho con el material del meteorito caído en Siberia, en Tugunska, en 1908. Hanna podría ser uno de estos 23.000 elegidos para devolver el equilibrio al universo. Durante mas de la mitad de la historia no sabemos quién es Hanna, ni porqué es cómo es, de donde le bien su fuerza, su habilidad, su inteligencia. Sólo sabemos que debe encontrar y vencer a una bruja mala que quiere matarla. Todo el film está lleno de momentos peligrosos, de personajes que la ayudan y de otros que la persiguen. Todo se mantiene en un tono que te atrapa. Lástima que la explicación sea tan banal. Me habría gustado que los guionistas se hubieran atrevido a ir un poco mas allá y hacer de Hanna no un experimento, sino el resultado lógico de un paso mas en la evolución de la humanidad. Uno de eso niños que dicen nacen con los ojos abiertos y están llamados a conducir los cambios que la Tierra necesita. Pero eso, quizás, sería pedir demasiado. Mientras tanto, este film con sus imágenes impactantes de bosques nevados, desierto casi blanco y un Berlín de pesadilla, bebe mas en los cuentos de hadas clásicos que en la ciencia ficción.

LA HIGUERA

2011-06-04T13:36:00.000-07:00

(un árbol protector de Ramón)
Los árboles están de moda en el cine. Bueno siempre lo han estado. Hay montones de películas con la palabra árbol en el título y hay muchas en las que el árbol es el centro de la historia o un elemento indispensable del paisaje. En algún momento haré una entrada solo de ésto.
Pero ahora quiero hablar de una película francesa rodada en Australia que se llama El árbol y que se ha estrenado esta semana. La dirige Julie Bertucelli y la protagoniza Charlotte Gainsbourgh. El tema superficial de la historia es el duelo tras una muerte injusta e inesperada. El tema profundo es el de la naturaleza como abecedario de los sentimientos. O al menos eso me parece a mi.
El árbol es una hermosa e inmensa higuera que se levanta majestuosa al lado de una casa donde vive una familia feliz. Cuando el padre muere, casi al principio del film, la higuera asume su espíritu y pasa a ser el tótem de la casa. Un tótem protector y tierno que poco a poco se va convirtiendo en un tótem celoso, posesivo, cruel y dominador. La transformación del árbol va pareja con la evolución de los sentimientos de Dawn, la esposa y madre que se ha quedado sola. De alguna manera la va conduciendo hasta un final que puede dejar una sensación de tristeza, pero que es el mas coherente con el sentido del melodrama arboreo. Y en esta evolución los animales juegan un papel fundamental. Primero las hormigas que como la familia viven en el árbol, del árbol, entorno al árbol, unidas y en comunidad. Segundo el murciélago, la oscuridad, el miedo, lo desconocido, el vacío que acecha a Dawn. Tercero las ranas, sorprendentes, misteriosas, saliendo del subsuelo, creando una sensación de desconcierto, de extrañidad. Cuarto el búho con su carga simbólica de sabiduría y de comprensión. Y por último el canguro, el único animal que lleva la casa encima. Como tendrá que hacer Dawn a partir del momento que acepta el desarraigo al que la muerte de su marido la ha conducido. Belleza y melodrama, dolor y nostalgia. Una pequeña joyita.

GRANDES MENTIRAS CON IMPORTANCIA

2011-05-28T03:16:00.001-07:00

(un barco en el puerto de Tarragona, no se si de algún mentiroso)
Los franceses se han apuntado en los últimos tiempos a hacer un cine a lo Cesc Gay. Me explico. Historias de amigos entre treinta y cuarenta años, de clase media sin problemas económicos, con hijos pequeños. Gente que se conoce bien, pero que esconde muchos secretos, gente que cree quererse y cuando este sentimiento se pone a prueba demuestran que no están a la altura. Esta semana se estrena un ejemplo de este cine, Pequeñas mentiras sin importancia, dentro de unos días se estrenará otro, Cena de amigos.
Se ha comparado mucho a Pequeñas mentiras sin importancia con Reencuentro, de Kasdan y Los amigos de Peter, de Branagh. Pero a mi, en realidad, lo que me viene a la memoria es un cruce de En la ciudad y Ficción… pero con sexo. El sexo es la gran asignatura pendiente de Cesc Gay que siempre lo trata de forma elusiva. El día que se decida a afrontarlo en serio, su cine dará un salto cualitativo importante. Los franceses no tienen ese problema, aunque tienen otros muchos.
Volvamos a Pequeñas mentiras… Las dos cosas que relacionan este film con sus ejemplos mayores son argumentales: un grupo de amigos pasan unos días juntos mientras uno de ellos está muerto o a punto de morirse. Ahí acaba el paralelismo entre los tres trabajos ya que la película francesa, mucho mas costumbrista, cae en un naturalismo demasiado evidente.
De todos modos si tuviera que establecer una filiación de films con amigos y muertos, creo que empezaría por Reencuentro, seguiría con El declive del imperio americano, Los amigos de Peter y Las invasiones bárbaras. Las mentirijillas y los secretitos de este grupo de parisinos que no parecen darse cuenta de que el mundo está cambiando a marchas forzadas, parecen al lado de estos cuatro títulos preocupaciones de párvulos.

Una nota al margen
Seguramente ninguno de los protagonistas de esta serie de películas de adultescentes (el término no es mío) eternos Peter Panes (tampoco esta es una idea mía) no entienden bien que es lo que pasa con los llamados indignados que llenan la Plaza de Catalunya y la Puerta del Sol. Es curioso ver que la gente que ha congregado este movimiento o es muy joven (menos de 30) o mayor de 50. Los jóvenes adultos entre 30 y 50 años no están allí. Y no están porque crecieron en unos años en los que parecía que el mundo por fin había alcanzado la estabilidad económica y lo único que valía era el dinero y el individuo. Un mundo que se ha acabado definitivamente y para el que no están preparados. Demasiado acostumbrados a tener todo lo que han querido (trabajo estable, sueldos desmesurados, viajes, restaurantes…) ahora se sienten desplazados del centro de gravedad. Se han quedado en medio de dos generaciones que si se enfrentaron o se enfrentan a situaciones precarias o peligrosas. Claro que esto es una pura generalización banal. Estoy segura que hay montones de gente entre 30 y 50 años que comparte plenamente la indignación y está dispuesta a demostrarlo. Pero sociológicamente este es un posible diagnóstico y cinematográficamente estas son sin duda sus películas. Ludo y sus amigos solo pueden hablar de pequeñas mentiras sin importancia. Las grandes mentiras de la sociedad, se las dejan a otra generación.

EL ÁRBOL DE LA VIDA

2011-05-22T02:19:00.000-07:00

(un árbol de la vida de Ramón)
Prólogo
Una de las ventajas de vivir en Barcelona es que estás a dos horas de Perpiñan. Una de las ventajas de Perpiñan es estar en Francia. Y una de las ventajas de Francia es que estrenan algunas películas de Cannes la misma semana que se proyectan en el macrofestival. Asi que ayer nos fuimos a Perpiñan a ver El árbol de la vida, de Terrence Malick en un cine confortable y tranquilo con una proyección y un sonido excelente.

1
A la salida. Comparto la sensación de desconcierto que provocó entre los críticos de Cannes. El árbol de la vida es una película de una belleza deslumbrante. Eso es lo primero. Es de una complejidad enorme en su aparente sencillez. Es un ejercicio de pensamiento visual y sonoro. Es todo eso y es mas.

Solo voy a destacar algunos momentos de esta película que debe verse mas de una vez.
Uno. El esplendor de la creación del mundo, tomado de las imágenes que envían los telescopios espaciales. Aunque son imágenes tratadas, no son producidas por efectos especiales, son las recreaciones que los científicos están utilizando para explicar el origen de las galaxias y por extensión el origen del mundo y de la vida.
Solo por eso ya vale la pena la película.
Dos. La imagen del dinosaurio moribundo a la que se acerca otro depredador, pero no hace lo que todos esperamos que haga, sino algo inesperado.
Tres. El árbol matriz que crece en el centro del jardín de la familia.
Cuatro. La puerta en el desierto que atraviesa Sean Penn para comprender un pasado que le atormenta.
Cinco. Los grandes edificios contemporáneos, auténtica cárcel de cristal en la que Penn sueña su redención.
Seis. El plano del río cuando Jack deja ir el camisón de su madre. La belleza del agua donde nace la vida, donde la naturaleza empieza a existir, donde se pierde el deseo prohibido.
Siete. El espacio sin tiempo que es la muerte de la que es posible volver a nacer.
Ocho. La maldad pura en los ojos de un niño, Jack, la maldad impura en los ojos de un adulto, su padre.
Nueve. La última imagen del film. Un puente que nos lleva hacia otro sitio, hacia otro espacio, hacia otro cine.

Añado dos imágenes mas que me han venido a la memoria después de escribir el texto. (De hecho la película no se me va de la cabeza)
-La madre en uno delos pocos instantes de auténtica paz, apoyada en los escalones de la casa con la gata sentada en su regazo.
-Las sombras de los niños la primera vez que los vemos. Las sombras son las de dos extraterrestres.

No se si esta película va a ser tan importante como 2001, no se si va a marcar la historia (no solo del cine), pero si se que va a dejar huella en todo el que la vea. Tanto en los que se dejen hipnotizar por ella, como entre los que la detesten por su carga metafísica y espiritual.

EL EXTRAÑO CASO DE OLIVEIRA

2011-05-17T09:53:00.000-07:00

(La Angélica de Ramón en realidad se llama Sara y no está muerta, duerme felizmente)
Un año después de su pase por Cannes, por fin se estrena El extraño caso de Angélica, ya no la última película de Manoel de Oliveira puesto que está terminando una nueva. Se ha escrito mucho de este film, demasiado como para tener ganas de volver a él porque si. Pero me apetece reflexionar un poco sobre la película después de verla.
Reflexión 1.
Oliveira sabe que la muerte es una puerta que nos conduce a otro sitio. ¿Cual? a veces se sabe, a veces no. Por eso El extraño caso… está lleno de puertas que se abren a casas, a iglesias, a habitaciones, a comedores. Puertas, muchas puertas. Puertas que son ventanas al río, puertas que son fronteras entre la luz y la oscuridad.
Reflexión 2
Oliveira sabe que en el fondo la vida no es mas que un cuento mil veces contado y aquí se divierte contando el cuento de Blancanieves, (Pilar López de Ayala) despertada por la mirada del fotógrafo y acompañada de siete enanitos que trabajan la tierra afanosamente. ¿La bruja? Quizás la hermana monja.
Reflexión 3
Oliveira sabe que no hay espiritualidad sin terrenalidad. Por eso a sus fantasmas enamorados les contrapone la tierra de las viñas que producen el vino que ha hecho famoso su país y el agua del río al que siempre vuelve.
Reflexión 4
Oliveira sabe que la fotografía (el cine) no deja de ser una forma de robar el alma. Rossellini hizo una película que se llamaba La macchina ammazzacattivi donde contaba en clave de comedia como un fotógrafo mataba a los malvados al retratarlos. Oliveira no los mata, al contrario, la foto devuelve a la vida a la hermosa durmiente.
Reflexión 5
Oliveira sabe que siempre hay un peligro que acecha: el pájaro tiene miedo del gato; el gato tiene miedo del perro, el fotógrafo tiene miedo de su amor. Oliveira tiene miedo de… no lo sé.
Cine mudo del siglo XXI, cine que usa el sonido como una voz autónoma, cine de la palabra tanto como de la imagen. Cine que no gusta a todos, pero a los que nos gusta nos gusta mucho.

TRES ESTRENOS

2011-05-11T10:35:00.000-07:00

(Allen no es el único que adora París)
Hoy me apetece hablar de tres películas que se estrenan este viernes. Son muy diferentes entre si.
MIDNIGTH IN PARIS, de Woody Allen; TOURNÉE, de Mathieu Amalric; SIN IDENTIDAD de Jaume Collet-Serra.

Por orden alfabético de director. La película de Woody Allen me ha gustado. Tengo que reconocerlo. Me ha gustado el mensaje que lanza el film. Porque hay mensaje. Me ha gustado que Allen desde la altura de sus mas de 75 años, se permita regalarnos una idea espléndida, no por obvia menos interesante: aprende a disfrutar de tu presente, porque no todo el tiempo pasado fue mejor. La especie humana, en su variante especie cultural y mucho mas en su subvariante especie cinéfila, tiende a pensar que todo era mejor antes: la edad de oro se sitúa indistintamente en los años 60, en los años 40, en el cine mudo. Da igual. Antes siempre antes. El presente es aburrido, mediocre, lleno de enormes estupideces que nos rodean por todas partes. En cambio el pasado. Ah¡ ¡eso si que era vida! Plagada de todos los tópicos habidos y por haber sobre los americanos en París, ahora y antes, tópicos que van desde los nuevos ricos que desprecian la cultura o los nuevos ricos que saben mas que nadie de la cultura, hasta los tópicos mas banales sobre Hemingway, Scott Fitzgerald, Picasso o un poco mas atrás Gauguin y Toulouse Lautrec, el film es un cúmulo de ideas sabidas expresadas con una sinceridad y una simplicidad (que no simpleza) que lo vuelven entrañable. Allen ama París aunque sea el de una guía turística.

La película de Mathieu Amalric. No hay duda que este actor metido a director tiene en quien reflejarse. Ni soy la primera ni soy la única que trae a colación a John Cassavetes como modelo del cine de Amalric. Pero hay una pequeña diferencia. Uno es francés del siglo XXI, el otro americano del siglo XX. Casi tan añorado del pasado como el personaje de Allen, Amalric sabe, de todos modos, que es en el presente donde debe buscar a sus personajes, sus actrices, sus cómicas. Porque en el fondo, Tournée es un viaje de los comediantes a la francesa con director atormentado y con problemas y chicas dispuestas a pasárselo bien dentro y fuera del escenario. Un placer a disfrutar.

La película de Jaume Collet-Serra. Es cierto, Sin identidad no tiene identidad. Pero eso es el mejor elogio que se puede hacer de esta película. Mas que volver a ella reproduzco la crítica que escribí en Fotogramas hace un par de meses:
Hitchcock habría disfrutado mucho con esta historia de falso culpable; Polanski también. Hitchcock y Polanski son dos de los nombres que vienen a la memoria viendo esta película. Aunque a mediometraje aparece una tercera referencia: Bourne. Con estos datos ya pueden imaginarse que Sin identidad es una mezcla entre Frenético de Polanski, la saga Bourne y los antihéroes hitchcockianos. Collet-Serra fabrica con ellos un combinado explosivo que funciona como un reloj. Un reloj que esconde un truco final, porque hay truco en Sin identidad. Un hombre llega a Berlín, pierde un maletín, tiene un accidente y despierta en un hospital. Pero resulta que no es quién piensa que es y encima le persiguen. En esta situación encuentra ayuda en una chica sin papeles y en un viejo agente de la Stasi. El escenario, la ciudad de Berlín, nevada, fría, hermosa, se convierte en el tercer protagonista de un misterio que persigue al protagonista sin dejarle un minuto de descanso. Ni a él ni al espectador que se deje arrastrar por la acción de este thriller que renueva el cine de espías. Y que nos permite reencontrar a Bruno Ganz en el papel del viejo agente de la Stasi. Cine de acción, cine de ambición, cine que te engancha. ¿Un pastiche? Si, pero bien hecho. Una apuesta por el espectáculo y la comercialidad. Si, pero funciona.

COINCIDENCIAS DE CINE

2011-05-05T03:53:00.001-07:00

Varias veces he hecho alusión en este blog a las casualidades. Entre los estrenos de mañana se me presenta una nueva ocasión de destacar una casualidad en la coincidencia argumental de películas. Una es española, No lo llames amor… llámalo X, la otra es francesa; Le père de mes enfants. Si cuento el argumento de las dos, pueden parecer que estamos hablando de una sola: Un productor de cine no puede soportar la presión tanto económica como personal que le produce su trabajo y es su mujer la que debe asumir la responsabilidad de sacar adelante los proyectos tanto profesionales como personales.
Ambos films hablan de eso. Pero ahí queda toda la similitud, porque no hay nada mas diferente que la comedia a la española que es la película de Oriol Capel y la exquisita historia que es el melodrama de Mia Hansen-Love. O lo que es lo mismo, la distancia abismal entre el Cine S añorado en una y el cine de autor mas radical en la otra. Ambas cumplen su función aunque van dirigidas a públicos muy distintos. O no, si hablamos de un público que estuviera dispuesto en un caso a dejarse cautivar por la delicadeza de la historia del productor Gregoire y su mujer Sylvia o a dejarse arrollar por la vitalidad del productor Pepe y su mujer María. Que cada uno escoja el que mas le guste y si es posible que disfrute con los dos.

D'A CINE DE AUTOR

2011-05-01T10:53:00.001-07:00

Hace un par de días comenzó en Barcelona un nuevo festival llamado simplemente D’A, Cine de Autor. Lo ha inventado y lo ha puesto en pie Carlos Ríos, uno de los dos pilares de lo que fue el BAFF, Barcelona Asiatic Film. Carlos ha pensado un festival sencillo y complejo a la vez, un festival que recoge películas importante que no se han podido estrenar en nuestro pantallas sin ningún tipo de limitación, ni de género, ni de país, ni de tema. Un festival de cine libre organizado en torno a cuatro secciones: Direccions, donde caben todo tipo de propuestas autorales; Asies, en la que se recoge el viejo espíritu del BAFF; Promeses de l’Est, sección en la que se agrupan películas de la zona de influencia ex soviética; Autoria Catalana, un repaso de ese cine catalán que deslumbra en los festivales, pero no consigue estrenarse en las salas con normalidad. Junto a estas cápsulas, mas que secciones, la arriesgada retrospectiva de Guy Maddin, quizás el director contemporáneo mas invisible de todos, autor de un cine que no tiene límites entre el sonido y el silencio, entre el color y el blanco y negro, entre el corto y el largo. Una oportunidad de oro para ver su obra completa.
Carlos me invitó a presentar La ilusión cómica, último trabajo de Mathieu Amalric como director. La ilusión cómica no es una película fácil de presentar. Tampoco es una película fácil de ver. En realidad nada de lo que este actor metido a director ha hecho al otro lado de la cámara es sencillo. Si como actor Amalric no tiene problemas en alternar películas de gran presupuesto hollywoodiense con films de autor en el sentido mas clásico del término, es decir un James Bond con un Arnaud Desplechin, como director mantiene una línea rigurosamente personal que le lleva a bordear el precipicio continuamente. Debutó en 1997 con Mange ta soupe, cinco años mas tarde adapta una novela de Daniel Del Giudice, El estadio Wimbledon. Se toma un largo periodo de reflexión, casi ocho años, en los que realiza cortos y documentales. En 2010 deslumbra en Cannes con Tourné, que por cierto está a punto de estrenarse y le permite ganar el premio a la Mejor Dirección, y ese mismo año rueda para la televisión una adaptación de Corneille. Nada menos que Corneille. Pero no una de sus obras mayores, no. Amalric escoge, o le dan, una obra de juventud de Corneille, estrenada en 1636, cuando el dramaturgo tenía 29 años. Una tragicomedia arriesgada y divertida, con múltiples lecturas, que habla del dolor de un padre por un hijo que cree muerto; del amor imposible entre una mujer y un hombre; de la maldad de un tirano; del juego de un mago. Que habla del teatro en el teatro, de magia y seducción, de mirar sin ser visto, de ilusiones cómicas en definitiva. Y aquí entra el toque de genialidad de Amalric quien decide traer la historia a nuestros días, convertir la cueva del mago en un hotel de lujo en medio de París y dejar que sus actores digan con gran seguridad los versos alejandrinos con una fidelidad al texto en total contradicción con los ambientes, vestuarios y situaciones en que los presenta. Pero no se trata de la típica operación Keneth Branagh actualizando a Shakespeare. El cine de Amalric está mas cerca del Godard de Detective en cuanto al concepto de imagen y de Demy en cuanto a la idea del texto. Traer a Demy a colación puede parecer un poco absurdo, pero la forma como el director utiliza la métrica en la acción no está demasiado lejos de la forma como Demy usaba la música y las canciones en su cine. La ilusión cómica te atrapa por su sonoridad, por su inteligencia y por sus niveles de lectura. Es la prueba evidente que los clásicos y la televisión no están condenados a ser soporíferos. Los que vivan en Barcelona aun están a tiempo de ver esta película en la repetición del jueves 6 de mayo a las 18.30.
Y aprovecho estas líneas para recomendar algunos de los títulos que conozco de los programados en D’A: How I Ended this Summer, de Alexei Popogrebsky, Rusia, 2010; Le père de mes enfants, de Mia Hansen-Leve, Francia, 2009; Cave of Forgotten Dreams, de Werner Herzog, Alemania 2011; Bibliothèque Pascal, de Szabolcs Hajdu, Hungria, 2010; Wild Field, de Mikheil Kalatozishvilli, Rusia 2008… Y si las demás son como estas, todas son recomendables. Aprovechénlo¡¡¡

CODIGO FUENTE

2011-04-29T09:22:00.001-07:00

(¿una máquina del tiempo de Ramon?)
Hace dos dìas fui a ver Código Fuente, de Duncan Jones, el director de Moon un film que me gustó mucho. Este también. Aunque a veces parezca un episodio largo de Fringe o una versión de ciencia ficción de El Dia de la Marmota, lo cierto es que Código fuente es una película que con muy poco ofrece mucho. Poco, porque en realidad estamos en dos espacios: el laboratorio y el tren, en los que sucede toda la acción. Siempre la misma con pequeños cambios que la hacen avanzar hacia un punto en el que el destino acaba por ser modificado. Pero lo que me llamó mas la atención fue comprobar que el sujeto de este experimento en el tiempo y en una realidad paralela fuera Jake Gyllenhaal, el mismo que hace diez años protagonizó Donnie Darko, de Richard Kelly, otra historia de salto en el tiempo y de universos paralelos. Lo que en el film de Kelly eran un cuento fantástico con un conejo amenazador y un mundo incomprensible, en la película de Duncan Jones es una pesadilla contrarreloj en secuencias de 8 minutos. Ambas tienen en común, aparte del actor, un interés por escapar de las historias mas trilladas de adolescentes y militares. Verlas una detrás de otra es un ejercicio que recomiendo a quién pueda hacerlo. Es una experiencia curiosa ver a Donnie Darko y una versión adulta suya encarnada en el capitán Colter Stevens, vivir una vida que no les toca, es decir vivir mas allá de la muerte.

REFLEXIONES

2011-04-22T01:51:00.000-07:00

Al volver de Terrassa donde se ha celebrado el BASE 2011 en la ESCAC, leí el libro de Iñaki Gabilondo “El fin de una época”, (Barril&Barral, Barcelona 2011),y me encontré con varias similitudes entre lo que se había dicho en las conferencias del BASE y lo que el periodista escribía en su último capítulo. Cámbiese periodismo por cine y no está muy lejos de lo que comentaron Mateo Gil, José Luis Félez, Daniel Sánchez Arévalo o Manuel Martín Cuenca, lúcidos ante los cambios estructurales y conceptuales que plantean las nuevas tecnologías y que resume muy bien la frase de Martín Cuenca. “No son tiempos malos, son tiempos de cambios”.
A continuación reproduzco algunas frases de Gabilondo que me parecen ejemplares y que suscribo por completo.
“La situación más complicada es la que padecen algunos profesionales que habían empezado a construir su vida con los parámetros antiguos y de repente se encuentran atropellados.
“El negocio que se está buscando terminará por encontrar un modelo válido que pueda erigirse en la referencia. Aunque se vehiculen a través de tecnologías nuevas y desconocidas, los modelos de referencia deberán resurgir como una necesidad de primer orden, en el marco de nuevos modelos de negocio. Mi pronóstico es que el mito del fin del periodismo clásico durará poco tiempo, si bien la profesión tendrá que alterarse por completo. Puede, por tanto, que tengan razón quienes anuncian la muerte del papel –en un sentido tradicional- o del modelo del periódico que conocemos. Pero si hay un elemento cuya supervivencia está garantizada son los valores, verdaderos baluartes del periodismo en cualquier época y soporte.
“Lo que está muriendo es un modelo de negocio que forzará el nacimiento de otro. Pero ningún nuevo negocio puede orillar el periodismo de referencia.
“Por mas que se modifique la noción de negocio, la gente requerirá siempre de una figura que cribe y explique la realidad en virtud de unos criterios de calidad contrastada.
“A mí me llevó mucho tiempo entender que siempre ha sido –y siempre será- minoritaria la demanda de productos de una cierta exigencia.”

Unos días después, leí un artículo de Anna Soler-Pont, una de las agentes literarias más activas y atenta a los cambios que se están sucediendo. El artículo, publicado en La Vanguardia del 21 de abril, se titulaba “Cuando no hay plan B”. También allí encontré muchos puntos en común con el debate que está en el aire y que afecta a todas las industrias culturales: cine, música, libros, periodismo..
Estas son algunas de sus reflexiones:
“El momento que vivimos a caballo entre la industria llamada tradicional y las revoluciones tecnológicas, es fascinante.
“Hay más interrogantes que respuestas. Y lo que ocurre es que los occidentales, y especialmente los europeos, tendemos a ver el mundo desde una óptica muy particular. Porque en otras partes del planeta las cosas van a un ritmo más acelerado y hace ya mucho tiempo que saben que no hay plan B. En la India y en China ya han empezado a cerrar imprentas y muchos niños y niñas nunca verán un libro de texto impreso. Las dimensiones de la población escolarizada en los países emergentes hace impensable que cada alumno tenga todos sus libros impresos. El libro físico será objeto de lujo, pero los contenidos estarán al alcance de todos.
“Finalmente, lo que importa es que los contenidos lleguen al destinatario. Que circulen, que se lean. En qué soporte y en qué formato, será lo de menos.
“Pero lo que importa también es dar al contenido el valor que se merece. ¿Quién creará si no se remunera por ello? En un mundo abocado a ser digital deberíamos preocuparnos para que las nuevas generaciones, los adolescentes de hoy que ya van con el ordenador portátil en la mochila con sus textos digitales sean educados para dar valor al contenido.”

Momento apasionante el que estamos viviendo. Si pensamos un poco, es casi tan apasionante como la puesta en marcha de la imprenta que permitió popularizar la edición de libros en lugar de ser reserva de unos cuantos privilegiados; momento apasionante como el de la implantación de la televisión que permitió que las noticias y las imágenes llegaran a todas partes. Momento apasionante que debemos aprovechar y cargar de contenidos. Como dice Anna, como dice Iñaki, como decían en la ESCAC los conferenciantes: cambian los soportes, pero los creadores seguirán siendo imprescindibles. O, para resumir con una frase de Martín Cuenca hablando de la facilidad de rodar. “Todo el mundo puede producir imágenes ahora mismo. Lo difícil es hacer cine y no una chorrada”.
En eso estamos.

BASE 5

2011-04-16T02:00:00.000-07:00

(Elena Trapé, última firma, última conferencia)
Último día del Base 2011. Mañana de festivales; tarde de blogs. La casualidad hace que el Taller de Festivales de Ángel Sala coincida con la publicación de la lista de películas que van al Festival de Cannes. Y eso nos permite hablar del conservadurismo, por no decir inmovilismo, del mayor festival del mundo. El mas importante, pero también el mas anquilosado. La lista de directores que estarán en la Sección Oficial a Competición, es la de siempre. Provoca una sensación de déjà vu, de sabido. Y también de miedo, porque no es posible que todos los directores hagan obras maestras cada vez que hacen una película; pero si es posible que cada vez que hacen una película estén en Cannes. Lo siento, pero no me vale. 15 de los seleccionados están SIEMPRE en Cannes y no SIEMPRE están con buenas películas. Hay dos operas primas, la cuota de riesgo que asume el festival, mínima por cierto. Y tres nombres no habituales, pero ya descubiertos en otros espacios. No digo que no sea espectacular poder ver a Lars von Trier (los que me conocen saben que soy de las máximas defensoras de este director), a Aki Kaurismaki (lo mismo), o tener la oportunidad de ver el trabajo de Terrence Malick. Claro que es envidiable y apetecible. Pero lo que me decepciona es que no arriesguen un poco mas, no apuesten un poco mas, no sorprendan un poco mas; Dardenne, Almodóvar, Allen, Moretti, Sorrentino, Ceylan… ¿es que no hay nadie mas en España, en Italia, en Turquía, en Bélgica? De esto y muchas otras cosas habló Sala y también del saber programar, de ayudar a las operas primas, entendiendo la opera prima no solo como el primer largometraje, sino el primer trabajo, o trabajos previos: cortos, videoclips, documentales...
2
Por la tarde Elena Trapé ofreció una conferencia sobre el proceso de creación de Blog. Fue interesante, pero sobre todo tuvo un momento magnifico. Cuando la directora confesó el instante de revelación del film: ese punto exacto en que de pronto, ves que película quieres hacer.
3
Conclusiones de este Base. Es pronto. Pero una me viene a la cabeza desde hace días. El cine no ha muerto, el cine esta mas vivo que nunca. Lo que ha muerto es una manera de hacer cine, de ver cine y de escribir cine. Me he acordado de los directores americanos que empezaron a hacer películas en los años sesenta. También a ellos les dijeron que el cine había muerto, porque el sistema de producción de los grandes estudios, con contratos de por vida a directores y actores, con trabajo seguro todo el año, con estrenos llenos de estrellas; ese cine había muerto. Y era cierto. Pero eso no significó que el cine no supiera encontrar nuevos caminos: desde Roger Corman produciendo películas de bajo presupuesto a gente muy joven, hasta Godard y Truffaut en el otro lado del mar saliendo a la calle a rodar con medios precarios. Desde gente que venía de la televisión como Sidney Lumet, que acaba de morir y traía ideas frescas y distintas a las de toda la vida, hasta jóvenes sin miedo que con una cámara de 16 mm filmaban lo que podían. Si se lo hubieran creído, lo de que el cine estaba muerto, no habrían hecho nada. Pero si se hubieran empeñado en seguir haciendo cine como hasta entonces, tampoco. Esa es la gran lección de este Base. Como dijo Martín Cuenca. No son tiempos malos, son tiempos de cambios y de retos. Y a la gente que estudia cine le toca coger esos retos y hacer su revolución.
Hasta el año que viene. Mejor hasta la próxima entrada.

BASE DIA 4

2011-04-14T15:35:00.000-07:00

(dos directores de festival firman el poster de otro festival)
Día de parejas. Por la mañana Hélène Cattet y Bruno Forzani presentaban Amer, película seleccionada por el Festival de Sitges. Un film que escapa de lo convencional, tanto por su narrativa visual y sonora, como por la clara intención poética, homenaje atmosférico al giallo italiano. Un reto para las ideas preconcebidas del cine. Todo es cine, y las narraciones no son siempre las que cuentan linealmente y con diálogos, hay muchos lenguajes.
Segunda pareja: la de Marta Rodriguez y Jaume Cuspinera, presentando y explicando el proceso de creación de Animals, de Marçal Forés. Esta conferencia la tenía que dar un trio, pero Marçal se puso enfermo y fueron el encargado del desarrollo del guioon y la responsable de la producción los que han contado el cómo y el porqué de uno de los títulos mas esperados del año.
Tercera pareja; la de Ángel Sala y José Luis Cienfuegos, Sitges y Gijón, dos festivales y una conversación de amigos en la que afloraron los problemas que tienen los festivales, obligados como toda la cadena de la industria del cine a replantearse muchas cosas.
Mañana último dia.

BASE DIA 3

2011-04-14T00:54:00.000-07:00

(Martín Cuenca y el ritual de la firma)
Hoy ha sido una jornada para pensar, para quedarte con una serie de ideas y reflexionar mucho sobre ellas. Manuel Martín Cuenca, el director de La flaqueza del bolchevique y de La mitad de Oscar, no es un un hombre fácil de olvidar. Bueno, sus ideas y los retos que lanza. En este Base, donde la tendencia general es la del pesimismo, la del que el futuro del cine es muy negro; en este Base donde todos los que participan advierten de que las cosas han cambiado y están cambiando muy deprisa, escuchar las palabras de Martín Cuenca permiten pensar que no todo está perdido. Fue una clase polémica, de discusión, de controversia. Una clase rica. Evidentemente, siendo Martín Cuenca uno de los mas duros críticos con las descargas ilegales en Internet, estaba claro que ese iba a ser un tema. Y lo fue. Pero no en el sentido de "contra" o "favor" de Internet, sino en el sentido de que Internet sea un instrumento útil para poder seguir haciendo cine. Es decir que Internet se pague. Pero no a las operadoras de telefonía, no a los grupos que viven de piratear, sino a los que hacen los productos. Y por qué. Porque hay que valorar el trabajo. Si tu pagas, aunque solo sea un euro, 50 céntimos, valoras lo que compras. Si lo coges gratis, acabas menospreciándolo. Y si pagas un euro, cincuenta céntimos, que sean para el que lo ha hecho no para el que te deja usar un canal. O en todo caso que se reparta. Bien.
Otra cosa importante. Cuando acabas la carrera de cine o cuando te enfrentas a tu primera película, no tienes la obligación de hacer una obra maestra. Ciudadanos Kanes, hay muy pocos en la historia del cine. Martín Cuenca ponia un ejemplo muy ilustrador. A un arquitecto que acaba la carrera no se le pide que construya el Guggenheim en su primer proyecto. Lo que le pides es que la casa esté bien hecha y si además es bonita estupendo, pero nada mas. Entonces,¿por qué un director de cine tiene que hacer una obra mestra?. Bien
Otra cosa. El cine se aprende haciéndolo. Gran obviedad, pero una realidad que no se aplica todo lo que hace falta. Hay que mancharse las manos, como decía Walter Benjamin. Hay que pasar por los procesos, conocer las funciones, saber compartir y comprender. Hay que saber mandar y para mandar te tiens que hacer respetar y para hacerte respetar tienes que saber de qué estás hablando. Bien.
Otra cosa. El trabajo se ha de pagar. Tienes que hacer el producto que puedas con el dinero que tengas. No pretendas hacer una película de ciencia ficción con presupuesto de cine de tres personajes. Haz una película de tres personajes estupenda y sobre todo, paga a todo el mundo. No se puede explotar a la gente abusando de su entusiasmo. Bien
Hay tres cosas fundamentales para Martín Cuenca a la hora de hacer cine: Oficio, Carácter, Talento. Las tres son necesarias por igual. Cuando una de las tres falla, el producto falla.
Por último una nota de optimismo en una conferencia que fue entusiasmadora: No es un fracaso llamar a 99 puertas que se cierran en tus narices; es un éxito llamar a una y que te la abran, Búscala y aprovéchala. No la desperdicies..
No está mal. Creo que los estudiantes que asistieron a esa clase la recordarán mucho tiempo.

BASE DIA 2

2011-04-13T00:14:00.001-07:00

(Mateo Gil firmando en el cartel del BASE)
Día de sol, de calor. Día de directores con trayectoria y distintas experiencias. Día de lecciones de producción. Coincidieron en la misma tarde Mateo Gil, Daniel Sánchez Arévalo y José Antonio Felez. Mateo Gil es el ejemplo del director que se lanza al mundo sin estar arropado, directamente a los leones. Guionista conocido y famoso por sus colaboraciones con Amenábar, Mateo a veces se arrepiente de haber dirigido Nadie conoce a nadie. Once años separan esa experiencia de su segundo largo, Blackthorn, a punto de estrenarse. Once años, muchos guiones, muchas decepciones, muchos cortos. Y mucha experiencia acumulada. Mateo sabe que a pesar de sus 38 años, es un director formado en otro tiempo y que debe hacer un esfuerzo por entender, aprender y sacar provecho de las nuevas formas de hacer cine, de la libertad que ofrecen, aunque sea consciente que a lo mejor llega tarde. Lo mejor de su charla, aparte de disfrutar de anécdotas de sus principios y sobre todo del rodaje en Bolivia de su último trabajo, fue sacar la conclusión de que si sabes aprovechar el tiempo que vives las posibilidades de hacer cine en múltiples formatos es infinita.
Un rato mas tarde el diálogo entre José Antonio Felez, productor y Daniel Sánchez Arévalo director, permitió comprobar como un director que empieza y consigue establecer una complicidad absoluta con su productor, puede construir una carrera sólida y continuada como la suya. Aunque ahí estaba Felez para contar que las cosas han cambiado y que una película como Azuloscurocasinegro, ahora no sería fácil de hacer. La producción de cine en España está cambiando y ya no se puede contar con financiación para según que películas. Felez dio una leccion de producción y a pesar del pesimismo ofreció soluciones para superar el momento presente.
Como colofón una entretenida cena con todos ellos en la que acabamos hablando del futuro de la humanidad y el fin del mundo. Cosas del cine.
Mañana mas

BASE DIA 1

2011-04-12T00:05:00.000-07:00

(Fernanda del Nido y Jorge Coira firman el cartel del BASE)
Ha empezado en Base 2011. Como siempre será la ESCAC la sede donde se celebren las conferencias y los diálogos, mientras que las proyecciones se harán en el Cine Catalunya de Terrassa. Ayer fue el dia gallego. Fernanda del Nido y Jorge Coira presentaron 18 comidas y luego protagonizaron un diálogo sobre las relaciones productor/director. En medio, Carles Bosch se encargó de contar que el documental es un género apasionante con el que puedes crear ficciones mas allá de la ficción. Es decir, el documental te permite mostrar cosas reales que en una ficcion casi no te atreverías a poner temiendo la reacción: esto no se lo cree nadie. Pues si,se cree. Apasionado y apasionante Carles Bosch dio una lección de como saltar del corto al largo, en su caso, del 30 minuts de reportaje televisivo a Balseros, o película documental de cine. Un placer.

STRAUB/HUILLET

2011-04-08T04:59:00.001-07:00

(portada del número 2 de ARC VOLTAIC donde se publicó el artículo de Ramón Herreros, Notas dispersas a partir de un plano: El plano 73 de Moses un Aron, y la segunda parte de la Conversación con Straub/Huillet)
A lo largo de esta semana se han realizado en el CCCB de Barcelona, organizadas por Xcèntric en colaboración con el Instituto Francés, unas jornadas de encuentros sobre cine, literatura, composición visual o política, a partir de los filmes de Jean-Claude Rousseau, Jean-Marie Straub/Danièle Huillet, Paulino Viota y Peter Nestler. Esto me ha hecho recordar el cine de Straub y mejor aun la persona de Straub y su mujer Danièle Huillet a los que conocimos Ramón y yo en el año 1975, cuando él y Valentín Gómez les hicieron en su casa de Roma una larguísima entrevista que se publicó en los dos primeros números del Arc Voltaic, en el verano del 77 la primera parte, en el otoño del 77 la segunda. Yo los volví a encontrar en Locarno en el año 1984 donde les hice una nueva entrevista mas corta. Se acordaban de nosotros, sobre todo de Ramón y su artículo sobre el plano 73 de Moses und Aron. Los vi varias veces después en distintos festivales y supe de ellos por amigos comunes hasta la muerte de Danièle en octubre del año 2006. Ese fue un mal año. En junio murió Joaquín Jordà y pocos meses después Danièle. En el festival de Turín, donde había una gran retrospectiva Jordà, los amigos de la pareja montaron un homenaje a su memoria. Fue muy emocionante.
Todo esto me hace pensar en un hecho que no deja de sorprenderme. Aunque han pasado mas de treinta años, los autores que descubrimos cuando trabajamos en la Filmoteca Nacional de España en la calle Mercaders, siguen siendo los nombres de referencia de las nuevas generaciones de críticos y cineastas mas comprometidos. Han surgido nuevas figuras, desde luego (lo contrario sería terrible), pero Straub, Garrel, Akerman, Eustache, Rivette, Godard… están en la mente de la gente mas inquieta y sus películas siguen ocupando espacio en revistas y en jornadas como las de esta semana, o en proyectos como la web “Internacional Straub”, promovida por la revista Lumière. Seguir disfrutando de sus imágenes, sabiendo que los descubrimos cuando apenas empezaban, es una de las satisfacciones que da el hacerse mayor. Es un privilegio haberlos conocido personalmente y tenerlos en la memoria en un momento en que eran jóvenes, rompían las reglas del cine mas convencional y nadie les hacia caso.
(cuando hablo en plural me refiero a Ramon Herreros, mi marido, que fue uno de los primeros, si no el primero, en escribir de los Straub en España)
(para los que tengan curiosidad, cuelgo en la otra web la entrevista que les hice en 1984. Los que quieran leer las del ARC VOLTAIC tendrán que buscarlas en una hemeroteca. Algún día, a lo mejor, me dedico a copiar sus artículos mas interesantes o me lanzo a escanearlos para colgarlos en la red)

AFRICA EN EL CORAZÓN

2011-04-02T01:07:00.001-07:00

(Africa en el corazón o África como corazón en un cuadro de Ramón)
Se acaba de estrenar En un mundo mejor, la oscarizada película de Susanne Bier. Pero no es de esta película de lo que quiero hablar. Lo que quiero es utilizar este film para trazar una breves líneas sobre un tema que me interesa: el cine que los europeos hacen en África. Es decir, la mirada europea sobre el continente negro (o amarillo si nos fijamos en el desierto, o verde si nos sumergimos en sus junglas). Y digo europeos y no americanos porque lo que los americanos hacen cuando van a África a filmar es muy diferente de lo que hacen los europeos. El cine americano busca la aventura con los matices que haga falta entre la obra maestra que es Hatari, de Howard Hawks, y la demagogia aventurera de Diamante de sangre de Zwick. Los europeos, en cambio, buscan la redención de su mala conciencia colonial. Da igual cual sea el argumento: un médico danés que cree en la no violencia (caso de la película de Bier), un médico alemán fascinado por los misterios de la selva (caso del La enfermedad del sueño de Ulrich Köhler, uno de los títulos mas interesantes vistos en Berlín); ya sea la mujer perdida en el laberinto que interpreta Isabelle Huppert en la magnífica película de Claire Denis White Material, (que espero se pueda ver algún dia en nuestras pantallas) o su antecedente directo en la fundacional Chocolat de la misma Claire Denis. Todas estos títulos tienen un rasgo común: la mala conciencia. Lo que tienen de diferente es como gestionan esa mala conciencia. En todo caso queden estas líneas como el apunte de un posible libro donde se podrían incluir películas de un nivel tan potente como La caza del león al arco, de Jean Rouch, o tan estéticas como El cielo protector, de Bertolucci; tan histéricas como Cobra verde, de Herzog o tan bienintencionadas como El jardinero fiel. Hay muchas y nos pueden ayudar a pensar sobre nuestra propia historia, literatura (ese sería otro bonito tema desde Tarzán o Conrad, pasando por Bruce Chatwin hasta John Le Carré), arte, música...

POTICHE

2011-03-28T03:01:00.001-07:00

(Ramón también sabe hacer potiches (floreros) preciosos)
Si ponemos en una coctelera unas gotas del musical de Jacques Demy, mas un buen trago de la mala leche de Chabrol, lo agitamos y al final sumamos una pizca del romanticismo de Truffaut y una pequeña polvareda de la lucha de clases de Godard, podremos obtener… el cine de François Ozon. Todo esto junto produce un resultado que siendo deudor de sus antecesores resulta completamente personal. Solo Ozon, con permiso de Demy, se puede atrever a poner a bailar y cantar a Catherine Deneuve y Gérard Depardieu; solo un director sin complejos, puede retratar la burguesía de provincias con la misma causticidad de Chabrol y con el toque privado del hijo con veleidades artísticas; solo alguien sin miedo puede atreverse a filmar las escenas románticas de Truffaut con el añadido del sexo; y por último hace falta tener las cosas muy claras para plantear la lucha de clases godardiana desde la perspectiva de una mujer de la mediana burguesía provinciana que casi sin quererlo se convierte en una abanderada del feminismo, (no nos olvidemos que estamos en 1977).
En fin todo esto para decir que Potiche es una delicia. Catherine Deneuve es una digna candidata de un PP francés civilizado, con sus peinados cardados, sus pieles y joyas y su absoluta falta de prejuicios, eso si guardando las apariencias. La película es ella. Ella y Depardieu con su inmensa humanidad derretida de amor por esa rubia nada gélida que corre por el campo en chándal, habla con los animalitos y escribe poemas. Ella y Luchini, en plan marido intolerante completamente superado por las circunstancias. Ella y sus dos hijos, el chico entregado a los paraguas de colores y los jóvenes rubios; la chica entregada a las convenciones y los embarazos. No hay nada políticamente correcto en este divertido film, pero en el fondo, todo es absolutamente entrañable.

36 VISTAS DEL PICO ST.LOUP

2011-03-23T02:04:00.000-07:00

(una montaña de Ramon que podría ser el Pic St Loup)
El viernes se estrena el nuevo film de Rivette que en España se ha traducido como El último verano. No me gusta este título. No tiene nada que ver con el sugerente título original, 36 vues du Pic St. Loup, ni tampoco tiene nada que ver con lo que sucede en la historia. Mas bien debería llamarse el primer verano, puesto que para Kate, el personaje protagonista, ese es el primer verano de una nueva vida. Rivette es de todos los directores surgidos de la Nouvelle Vague, el mas ligero y al mismo tiempo el mas intelectual. Frente a la rigidez lingüística de Godard, Rivette muestra la ligereza sutil de unas historias que flotan; frente a la aparente sencillez de los cuentos de Rohmer, Rivette influye a sus narraciones un trasfondo intelectual. Es la perfecta combinación de ambos mundos. Fiel a sus actores, Rivette recurre a Jane Birkin con la que rodó hace veinte años La belle noiseuse en los mismos escenarios donde ahora ha vuelto. Birkin y su estilizada silueta de eterna adolescente es clave en esta película. Su rostro surcado de hermosas arrugas es el mejor paisaje sobre el paso del tiempo. También vuelve a Sergio Castellitto, y vuelve a otorgarle el papel de príncipe que despierta a la princesa en unos escenarios dominados por los luminosos espacios del Languedoc con el Pic St Loup al fondo. Y ahí entra el misterioso y sugerente título del film. Se habla mucho del papel del circo en esta película, de la relación con el teatro, preocupación constante de Rivette en todo su cine. Pero aunque el circo, con la huella de una tragedia en su pista circular y sus gradas vacías, parece ser el centro vital de la narración, en realidad el auténtico paisaje sobre el que se mueve la historia es el que determina esta increíble montaña que vemos desde distintos puntos de vista como si se trazara un circulo de 360º que encierra una pista imaginaria en la que Vittorio es el maestro de ceremonias y Kate la trapecista siempre en la cuerda floja. Esta película es un pequeño regalo en la cartelera, una delicatessen exquisita que debe degustarse con el placer de las cosas delicadas. A los 80 años, Rivette sigue siendo capaz de emocionar con sus imágenes.

(Hace tiempo que no pongo ningún texto en el otro blog. Ahora me apetece colgar el artículo que escribí en 1992 sobre La belle noiseuse. Creo que sigue teniendo vigencia).

VOLVER A TORRENTE

2011-03-18T08:20:00.000-07:00

(una imagen que podria ser de cualquier Torrente)
No he visto Torrente 4, ni vi el 3 ni el 2. Tuve bastante con el primero y con la cantidad de problemas que me trajo el escribir una crítica negativa de la película en Fotogramas. Esa fue una de las pocas veces (ha habido alguna mas) que un director llama a la revista para pedir explicaciones de por qué se le hace una critica mala. Son formas de ser sin duda, educaciones distintas. La verdad es que no quería hablar de Torrente, pero ante el éxito de la película, he sentido un ligero estremecimiento, un escalofrío por lo que significa. Por eso reproduzco aqui la critica que hice al primer Torrente en el año 1998. No se si estará vigente para el Torrente 4, pero me imagino que si.

TORRENTE EL BRAZO TONTO DE LA LEY
He de confesar que tenía mucha curiosidad por ver que había hecho Santiago Segura enfrentado a su primer largometraje ya que sus cortos me habían parecido bastante interesantes. Quizás por eso la decepción que me produjo Torrente el brazo tonto de la ley fue mucho mayor de la que esperaba, sobre todo porque, contrariamente a lo que se desprendía de sus declaraciones, me pareció una película muy reaccionaria.
Y aquí debo aclarar que Torrente no es una película reaccionaria y conservadora porque su protagonista sea un policía facha, racista, gordo y sucio. Hay muchos personajes de este tipo en el cine -¿ recuerdan el Quinlan-Welles de Sed de mal?- y no por ello las películas son reaccionarias. No son los argumentos los que hacen que el cine sea de derechas o izquierdas. Lo que hace que una película se coloque en uno u otro lado de esa línea imaginaria que es la ideología es la manera como cuenta las cosas.
La violencia, por ejemplo, en si misma no es mala, depende como se use: Tarantino la exagera y la lleva al terreno del cómic, Stone, la sublima y la convierte en investigación formal, Haneke la disecciona como un científico, McNaughton la coloca en un espacio de frialdad inaguantable, Azcona, ya sea con Berlanga, Ferreri o García Sánchez, la convierte en esperpento. Todos estos autores cuentan historias que no están lejos de este Torrente, pero la diferencia está en que Santiago Segura no establece ninguna distancia entre sus imágenes y el espectador: no hay ironía, humor, cinismo o critica. Hay una inmediata impresión de realidad que provoca la identificación. Y eso es lo que la hace reaccionaria.
Otra cosa. Cuando se trata con personajes que rayan el esperpento, la cutrez o la caspa nacional, hay que saber usarlos: Buñuel en Viridiana, o más cerca, Almodóvar en ¡Qué he hecho yo para merecer esto?, o mucho más cerca aún, Alex de la Iglesia en El dia de la bestia. Se puede sacar un ciego y cojo -Los olvidados- sin perder el respeto al espectador, no se puede, en cambio, utilizar un personaje como el de la hija subnormal de Chus Lampreave.
Y aún tengo un tercer argumento: Lo popular no tiene nada que ver con la basura. Se está produciendo en nuestro país un curioso fenómeno del que este Torrente es la punta del iceberg, en el que se identifica lo popular con la basura. La cultura popular es una riqueza, que nada tiene que ver con elevar la basura a categoría cultural. No solo no tengo nada en contra de leer El Víbora o los fanzines más desmesurados, -muchos de ellos auténticos reductos de trasgresión- pero si estoy en contra de pensar que eso es lo único moderno, lo único válido y lo único joven. La inteligencia se demuestra en el equilibrio. Como muy bien afirma Tarantino, hay que ver películas de serie Z, pero si no conoces a John Ford o a Godard, lo tienes mal. Saber solo de cultura basura, produce más cultura basura. Y eso, señores, es muy peligroso.
Nuria Vidal

MISTERIOS DE LISBOA

2011-03-17T04:24:00.000-07:00

¡Se estrena una película de Raúl Ruiz! Esto solo ya es una gran noticia. Si además la película dura 4 horas y 26 minutos, la noticia se eleva a la categoría de cine/ficción, ¿Alguien se atreve a proponerle al público una experiencia tan arriesgada? Pues si alguien se ha atrevido y debemos felicitarnos por ello.
Pero que nadie se asuste. Este es un film de Raúl Ruiz de los que podemos considerar amables y su longitud no solo no le hace daño, sino que juega a favor del dejarse llevar y envolver por las historias que en forma de espiral se van abriendo una dentro de otra hasta cerrarse en un final inesperado.
Ruiz siempre ha adorado el cine de representación teatral (no el teatro, eso es otra cosa) y le ha gustado jugar con el factor tiempo, dilatándolo cinematográficamente o narrándolo argumentalmente. Los tres elementos se conjugan perfectamente en este folletín del siglo XIX escrito por Camilo Castelo Branco que nos devuelve el aire de los seriales y las novelas por entregas.
La vida del huérfano Joao y su búsqueda de la identidad de sus padres, se abre en un sinfín de historias en las historias, no como las muñecas rusas, mas bien como una serpentina que se enreda cuanto mas quieres extenderla. Distanciada sin llegar a ser brechtiana, con un cuidado exquisito en la forma (ropa, ambientación, espacios), este melodrama sin drama puede llegar a ser fascinante si se entra en su juego. Vale la pena hacerlo. Vale la pena abandonarse en manos del Padre Dinis para que vaya desenredando la increíble madeja de la vida de Joao, también conocido como Pedro Da Silva, que en su indagar atraviesa la Lisboa mas misteriosa, el París mas noble; la Venecia mas hermosa y un Brasil no visto pero ensoñado.
Esta es una rara perla en la cartelera. No la dejen escapar.

KING KONG AMENAZADO

2011-03-11T03:16:00.000-08:00

Me he quedado sin teléfono. Se me ha muerto y como está en garantía lo he llevado a reparar. Me han prestado uno, pero no hace fotos. Así que durante unos días no habrá fotos mías en este blog. Si habrá cuadros de Ramón cuando crea que ayudan a comprender la entrada. No es el caso de la que estoy escribiendo. Aquí solo cabría una foto de King Kong peleándose con los aviones de la intolerancia. La denuncia contra Ángel Sala, director del Festival de Sitges, por haber programado en el festival del año pasado una película, me parece intolerable. Hace unos días, en La Vanguardia, María Dolores García comentaba una portada del diario Ya del 7 de abril de 1974 que parecía de una rabiosa actualidad ahora mismo: Gadafi como amenaza; límites de velocidad por la crisis petrolífera; la economía española en el alero de la gran depresión. Solo faltaba en ese artículo comentar la denuncia de la Fiscalía a Ángel Sala para acabar de situarnos en la época de la caverna, no de las cavernas, ojo. Los prehistóricos intentaban avanzar en la evolución de la civilización, mientras que la caverna se empeña en volver a etapas oscurantistas que borren de un plumazo todas las libertades adquiridas en estos casi cuarenta años. Eso es lo mas peligroso de esta situación. Comprobar como las libertades individuales se van mermando poco a poco en nombre de unas supuestas libertades colectivas. Desde hace diez años, el mundo ha ido perdiendo espacios de independencia en todos los ámbitos y los que viven de controlarlo todo, cada vez extienden mas sus garras hacia terrenos hasta ahora conquistados por la libertad. No hay que confundir la defensa de los niños con la inquisición intolerante de toda conducta que pueda parecerle a alguien ofensiva. ¡He oido a padres quejarse de que no se atreven a jugar con sus hijos en la playa por si los denuncian! Esto es lo terrible: que se instaure la cultura del miedo. Como terrible es que se tome una película por la realidad, que se extrapole una imagen filmada a una imagen real, que se aplique una mirada turbia a un producto cultural. Por esta regla de tres no habría arte universal, ni cine, ni nada. La caverna de nuevo. Da miedo.

A VIDA O MUERTE

2011-03-05T03:34:00.000-08:00

(la rosa es un elemento fundamental en la película de Powell; la cuerda es un buen símbolo del lio que vive Matt Damon)
Destino oculto está basada en un relato de Philip K. Dick publicado en 1954, en plena guerra fría, en una época de conspiraciones, con la caza de brujas en pleno apogeo. Adaptarla a la realidad de nuestros días exigía una buena dosis de reconversión. No se podía mantener a esa “compañía de ajuste” tal como funciona en el cuento. Había que angelizarla. Y la historia, no podía apoyarse en una cuestión de “desajuste personal”, había que inventar algo más. Y es ahí donde Nolfi, el guionista y director, encuentra el filón del romanticismo. Sergi Sánchez se queja de que Nolfi no se hubiera inspirado mas en películas de amor fou y surreal como Sueño de amor eterno de Hathaway. Yo en cambio, pienso que en realidad en lo que se ha inspirado el guionista es en otra película de destinos cruzados profundamente romántica, A vida o muerte, de Michael Powell. En el film de Powell, rodado en 1947 en un precioso color y blanco y negro, David Niven es Peter, un piloto inglés en un avión incendiado en 1945. Peter no tiene paracaídas y su última conversación es con una joven americana, June, que desde una torre de control intenta ayudarle a salvarse. Niven se tira al vacío y…. aparece en una playa. No ha muerto. Pronto sabremos porqué. El ángel encargado de recogerle y llevarle al cielo, le perdió en la niebla. Niven tiene unas horas de regalo con las que no contaba y en esas horas prestadas se enamora locamente de June a la que reconoce en cuanto la ve. Ese amor no estaba destinado a suceder. Ese amor lo trastoca todo. Ese amor, que esta por encima de la vida y la muerte, hace que el gran juez del cielo (un cielo deliciosamente historicista donde Powell aprovecha para hacer un ajuste de cuentas entre Inglaterra y Estados Unidos), decida darle una nueva oportunidad a Peter. ¿Les suena el argumento? ¿Se parece o no al de Destino oculto? Salvando todas las distancias, claro, entre un film inclasificable en su artificiosidad y una película que juega al realismo metafísico, con sombrero incluido.

SUMERGIRSE

2011-03-01T01:37:00.001-08:00

(el río siempre invita a limpiarse de todo lo que no nos gusta en la vida)
Dos planos de un río abren y cierran el (falso) documental I’m Still Here que han rodado juntos Casey Affleck y Joaquin Phoenix, uno en el papel de un (falso) realizador, el otro en el papel de un (falso) actor que lo deja todo para dedicarse a la música. No me voy a extender sobre el juego de espejos realidad/ficción de este género que ha dado excelentes productos a lo largo de la historia. Tampoco quiero hablar aquí del saltos sin red que da Phoenix al aceptar este juego que le obligó a convertirse en un ser indeseable durante todo un año. Lo que me apetece destacar es el hecho de que la película empiece en un río y termine en ese mismo río muchos años después.
En el primer plano que vemos,rodado en súper 8, un niño intenta saltar a un remanso del río desde una roca. El paisaje es paradisíaco: una cascada, el agua transparente, el calor. Un hombre mayor que él le anima y le vigila. Pero el niño tiene miedo y duda. Al final salta y se sumerge en el agua.
Al final del film, después de seguir a Phoenix en su salto mortal hacia las aguas pantanosas de la fama mal digerida y todo lo que esta arrastra, vemos al actor tal como es en ese momento, tras un año de vivir otra vida, caminar sobre ese mismo río, sumergiéndose poco a poco en sus aguas. Es una imagen que recupera la inocencia del niño que saltó en el súper 8 del primer plano, ahora con una urgente necesidad de limpiarse de la (falsa) vida que ha representado durante todo el tiempo del metraje del film. Tanto en uno como en otro plano, el agua representa la vía para conseguir el objetivo: el valor de saltar; la capacidad de limpiar.
Al margen de todas sus otras cualidades, solo por esos dos planos ya me interesa esta película.

TEXTO RECUPERADO

2011-02-24T01:01:00.001-08:00

Recupero aqui el texto que escribi antes de irme a Berlín sobre Los chicos están bien de Lisa Chodolenko.

Me sorprende que en ninguna de las críticas o informaciones que he leído sobre esta película nadie hable del personaje de Mark Ruffalo, Paul, el donante de esperma, padre sin saberlo de los dos chicos que no están nada bien, Joni y Laser. Nadie se fija en lo que las dos protagonistas, la pareja lesbiana formada por Annette Bening y Julianne Moore, y sus dos retoños le hacen a ese personaje. Paul vive feliz con su novia negra, su restaurante y su huerto. De pronto, le caen del cielo dos hijos inesperados, producto de una donación de esperma anónima hecha hace veinte años. A Paul se le remueven las cosas, su vida se altera por completo. No solo acepta a los dos chicos como propios, también acepta a las dos lesbianas como progenitoras. Una de ellas, la que asume el rol femenino, Jules (Moore), en plena crisis matrimonial, sintiéndose abandonada como cualquier esposa, decide probar suerte acostándose con Paul. A ella le gusta sin mas, él se enamora. Y la otra, Nik (Bening), cuando se entera, se comporta como un marido cornudo. Su actitud es exactamente igual a la de cualquier pareja heterosexual en una situación semejante. Pero que pasa con Paul. Deja a su novia, asume el papel de padre, quiere a Jules y de pronto… le dan con la puerta en las narices. Literalmente. Sus nuevos hijos le dan la espalda y no quieren volver a verlo; su amante le dice claramente que la deje en paz y el esposo/a le suelta: “si quieres una familia búscala en otra parte”. Genial. Hacía tiempo que no veía en una película (en la vida real se ve muchas veces) un comportamiento tan egoísta y tan cabrón como el de estas dos mujeres y sus dos retoños. ¡Y nadie lo comenta!

BERLIN 8

2011-02-18T09:21:00.001-08:00

Esto se acaba. En realidad el festival termina hoy. Manana solo quedan repeticiones y los premios. Es un dia muy raro. Ademas en esta ocasion el festival ha decidido no tener una pelicula de clausura sino proyectar el Oso de Oro. Con lo cual la sesion es una sorpresa para todos. Es un riesgo que han decidido correr, una experiencia nueva. Eso significa que la autentica clausura de Berlin 2011 ha sido la pelicula Unknown, dirigda por alguien muy cercano, Jaume Collet Serra, un director catalan que ha hecho toda su carrera en Hollywood. Protagonizada por Liam Neeson, rodada en el Berlin nevado del invierno pasado, ambientada en las calles y hoteles que nos rodean, este thriller deudor a partes iguales de Frenetico y de Bourne es un buen final. Un postre de accion para desengrasar de tanta pelicula seria y de tanto film inutil. Esta va a ser tambien mi ultima entrada desde Berlin. Volvere a escribir cuando este en casa.

BERLIN 7

2011-02-17T13:00:00.000-08:00

Una de las cosas buenas que tiene un festival es que mezclas muchas cosas. Como hoy, por ejemplo. Una pelicula india en el Forum; una pelicula israeli en la competicion; una pelicula inglesa en Especiales; un documental, de arte? en Forum Expanded. Un menu variado para distintos paladares, aunque hay que reconocer que ninguno de los cuatro platos era completamente satisfactorio
El que mas, el film indio Patang/La cometa, primera pelicula de un joven director, Prashant Bhargava. Con la excusa de un padre y una hija adolescente que vuelven a la ciudad de Ahmedabad, despues de vivir mucho tiempo en Delhi, para pasar los dos dias de la Fiesta de la Cometa, se construye una especie de puzzle de personajes con historias pendientes. Pero esto, que es un tema mas que visto y conocido, es en el film eso, una excusa, para mostrar casi como un documental el como y el porque de esa peculiar fiesta que llena el cielo de cometas de todos los colores.
La pelicula israeli en la competicion, Odem, El pintalabios, de Jonathan Sagall, es un melodrama sin melo y sin drama. Me explico, la historia es casi un culebron venezolano: Londres hoy mismo, el dia de su cumpleanos, Lara recibe la visita de su amiga Inam. Este encuentro despierta en ellas el recuerdo de dos momentos cruciales de su vida:su llegada a Londres, donde compartieron su propio amor y el amor de un profesor de ingles y el recuerdo mas lejano de Ramalha, cuando las dos jovenes palestinas vivieron una experiencia traumatica en Jerusalen que cada una de ellas recuerda de diferente manera. El problema, porque hay un problema, es que todo es frio, gris, congelado, sin ambiguedades, sin matices. Es un film perfecto para que los americanos hagan un melodrama de llorar mucho con Julia Roberts de protagonista. Por cierto que la actriz que hace de Inam se parece muho a Julia, asi que uno puede imaginarsela perfectamente.
El tercer plato de este menu es un telefilme de lujo con Isabella Rossellini presidente del jurado y William Hurt. Es tan tontuelo y esta a punto de caer tantas veces en el ridiculo, sin llegar a provocarlo, que acaba siendo hasta gracioso. Se llama algo asi como Ultimas oportunidades.
Del postre, No, Global Tour, de Salvador Sierra, poca cosa puedo decir. Un documental del traslado y montaje de las dos letras NO de una ciudad a otra sin mayor interes. Al menos para mi.

BERLIN 6

2011-02-16T15:03:00.000-08:00

Hoy es un dia para hablar de cosas alrededor del cine mas que de peliculas. Porque el cine es lo que se ve en una pantalla (sea del tamano que sea) pero tambien lo que pasa antes, despues y mientras se hace ese cine.
En Berlin existe desde hace siete anos un organismno que se llama WORLD CINEMA FOUND dedicado a impulsar proyectos de peliculas en paises de lo que antes se llamaba El Tercer Mundo y que, desde que Europa ha pasado a ocupar ese lugar en la escala de mundos globales, deberiamos llamar entre cuarto y noveno mundo. Es decir proyectos en Asia (sin China), en America Latina (que cada vez es mas potente en todos los sentidos) y en Africa. Precisamente Africa ha sido la protagonista del encuentro anual del World Cinema Found que ha reunido en torno a una mesa a cineastas de Etiopia, Congo, Sudafrica y Burkina Fasso. Las conclusiones se pueden resumir en dos: no hay un cine africano sino muchos cines africanos; lo que el cine africano necesita es formacion, sobre todo tecnica, mas que caridad economica. Toda una leccion de por donde deben ir las ayudas a estos paises.
Otra de las cosas que pasan alrededor del cine es la comida. En un festival se come mucho y mal. Mucho porque estas todo el dia picando porquerias, mal precisamente por eso. Pero la Berlinale se preocupa especialmente de la comida desde todos sus ambitos en una seccion cada vez mas interesante y prestigiada: Culinary Cinema. En esta edicion han escogido Tambien la lluvia de Iciar Bollain para presentarla dentro del ciclo de comidas. La primera reaccion es que tiene que ver esta pelicula con la comida. Nada. Pero si tiene mucho que ver con el agua, el problema del agua y la calidad de agua como nuevo oro o petroleo contemporaneo. Es desde esta perspectiva que el film interesa a Culinary Cinema ya que entienden que no se trata solo de hablar de lo que comemos sino de todo lo que afecta a esa cosa esencial que es el alimentarse para sobrevivir.
Y las pelis. Las de hoy mejor olvidarlas.

BERLIN 5

2011-02-15T16:01:00.000-08:00

Parejas petrificadas
Es curioso como las peliculas que se ven en un mismo dia acaban teniendo una cierta relacion. Hoy he visto cuatro peliculas y lo que las define a todas es la palabra petrificados. Luego hay matices.
Nader y Simin, una separacion, el film irani de Farhadi, habla de una despetrificacion. Es decir de una separacion y las consecuencias inesperadas que esto trae a un grupo de personas. Empieza como un melodrama familiar y poco a poco va creciendo en intensidad, en giros, en historias que se ramifican sin perder de vista el tronco principal. Pelicula de mujeres fuertes y sobre todo inteligentes, de hombres debiles y mucho menos sutiles, Farhadí, del que se ha estrenado en Espana Todo sobre Eli, es uno de esos raros directores que desde la mas pura cotidianidad llegan a tratar temas de una profundidad inesperada: los hijos y la responsabilidad hacia ellos; los padres y la urgencia de asumir su decrepitud; la religion y sus tremendos rigores; la justicia y la necesidad de que la verdad sea el norte a seguir. Drama de enredo lo ha definido Elisabeth Cabeza y me parece la mejor forma de explicar su complejidad.
El futuro, de Miranda July habla de otro tipo de petrificados. Tambien es la historia de una pareja en un momento de crisis. Una crisis provocada por la enfermedad de su gato. Dejar al gato en el veterinario les concede un mes para replantaerse su vida. Tipica pelicula indi americana, la presencia obsesiva de la directora actriz y productora acaba cansando un poco, pero de todos modos deja un poso en el espectador. Y lo deja por el uso que hace de los universos paralelos, de lo que pudo ser y no quieres que sea, de lo que sera y no estas seguro. Bajo una banalidad absoluta, Miranda July retrata a esa generacion de treintaneros que no saben que hacer con su vida. Y lo hace de una forma original, aunque agobiante.
Petrificados del todo estan el padre y la hija de El caballo de Turin, el nuevo film de Bela Tarr. Un largo poema en blanco y negro, con seis estrofas y treinta secuencias. Acciones repetidas una y otra vez, siempre diferentes; vestirse, comer una patata, cuidar de un caballo. Nietsche esta ahi detras (la excusa de la historia es saber que paso con el caballo que provoco o desencadeno su locura) Los dos personajes sufren en la pelicula un proceso de petrificacion, se convierten poco a poco en estatuas o aun mejor en figuras de un paso de procesion esculpidas en la pantalla. Belleza y dolor; miseria y pensamiento. Bela Tarr no hace cine de palomitas, no hace cine para todos; pero su cine merece ser visto y disfrutado.
La ultima petrificacion es la de una pareja que no se conoce pero se busca. Pasa en un Buenos Aires urbano y anomino, donde las relaciones personales son cada vez mas dificiles. La ciudad es tan protagonista como Mariana y Martin. El titulo es Medianeras, primera pelicula de Gustavo Taretto. Pelicula feliz en la que la petrificacion que conlleva el estar colgado del ordenador todo el dia, acaba diluyendose como un azucarillo.
Las cuatro merecerian ser estrenadas. las cuatro justifican venir a Berlin.

BERLIN 3 y 4

2011-02-14T14:59:00.000-08:00

Flores para combatir los malos olores
(Malos) Olores
Ayer no pude escribir. Buscando una tele para ver los Goyas, se me fue la noche. Y al final no los vi. En fin. Los malos olores del titulo no son los de los premios en Espana con su polemica incorporada, ni tampoco los de esta ciudad que empieza a estar helada. Los malos olores son los que me han producido algunas peliculas que he visto en estos dos dias.
El mal olor de las hormonas animales. Bullhead, la pelicula belga de M. Roskam, habla de una peligrosa mafia muy poco conocida, o mejor dicho, muy poco publicitada. Supongo que por la cantidad de intereses que mueve y por la potencialidad de crear panico en la poblacion. Al menos yo he decidido no comer carne en una temporada. Pero el mal olor no es solo el de la mierda vacuna, es tambien el de la maldad de los ninos y las terribles consecuencias que sus actos tienen en el futuro.
El mal olor de los secretos familiares, de las cosas no dichas, de los incestos encubiertos en una especia de Tres dias con la familia austriaco dirigido por Marie Kreutzer. El padre se muere en su vieja casa. Los tres hijos llegan sin tiempo de despedirse de el. Tambien aparece una cuarta hija que hace veinte anos que no tiene trato con sus hermanos. El peso de una comuna hippie donde todo era de todos, incluidos los hijos, aplasta como la losa de una tumba a estos hermanos frente al cadaver de su padre. Flores podridas en un entorno maravilloso. La peli se llama Der Vaterlosen, algo asi como La perdida del padre.
El mal olor de la contaminacion radioactiva de Chernobil en el film ruso V Subbotu, es decir Un sabado cualquiera. El dia que exploto el reactor atomico era un sabado en el que nadie sospechaba que estaba pasando. Nadie menos Johnny, que intenta infructuosamente huir del pueblo durante toda la jornada. Esta es una pelicula que no necesita tener odorama para oler a metal, a radioactividad, a sudor, a miedo, a muerte. Histerica y mareante, es con todo un testimonio unico sobre un lugar y un momento del que aun estamos padeciendo las consecuencias.
El mal olor del cine International, uno de los mas bonitos del Berlin Este, ahora Berlin de moda, que conserva impregado en sus paredes y escaleras, butacas y salones, aquel mal olor tan caracteristico que tenia la sociedad comunista, el olor de la suciedad por fuera y por dentro, el olor del miedo incrustrado en el alma. En el International se ha proyectado esta manana la pelicula de Isabel Coixet sobre el Juez Garzon. Esta pelicula no huele mal, al contrario, tiene el olor de la libertad y de la perplejidad ante la impunidad de la injusticia. Lo que si huele mal es todo lo que esta sucediendo entorno al Juez Garzon que la larga entrevista desgrana paso a paso, mostrando un personaje mucho mas humano y cercano de lo se puede imaginar. Pero sobre todo mostrando un personaje que no entiende que esta pasando. Aunque, no es cierto, si lo entiende y es eso lo que le aterroriza. A el y a todos.
Bueno de momento nada mas.

BERLIN 2

2011-02-12T09:47:00.000-08:00

Hoy he visto tres peliculas. Una pasa en Africa, la otra pasa en el mundo, la tercera pasa en la cima de una montana. La africana, en realidad alemana hablada en frances, se llama La enfermedad del sueno, de Ulrich Kohler. Es un film muy convencional, pero con algo oscuro dentro. En cierto modo me ha recordado Tropical Malady de Apichatpong Weerasethakul. Tambien esta tiene la palabra Malady en el titulo, tambien esta se corta a media pelicula con un fundido a negro desconcertante y empieza una segunda parte completamente distinta, tambien esta habla de transformaciones de hombres en animales en una selva donde la civilizacion se diluye. Pero esta no tiene la dimension ni poetica ni misteriosa de la otra. Y lo mas curioso es que el lado salvaje lo encarna un blanco y el lado urbano y civilizado un negro. Una curiosidad en todo caso.
La segunda propuesta era muy diferente. Se trata del proyecto que han impulsado los hermanos Scott, Life in a Day. Pidieron a todos los usuarios de internet que les mandaran videos realizados el 24 de julio del 2010. Con los mas de 4.500 videos recibidos, Kevin Macdonald ha montado una pelicula que es un mosaico de la vida en el planeta Tierra durante 24 horas. Siempre interesante, a veces divertido, otras impactante como el Mondo Cane, film sensacionalista rodado hace mucho tiemo, esta experiencia hace un repaso de la vida y costumbres, comida y modos, colores, gestos, ambientes de la humanidad entera. Como es una pelicula de espontaneos hay muchos videos familiares, bodas, bebes, ninos, fiestas, tambien muchas extravagancias y algunos seres excepcionales, pero sorprende que haya dos temas que no existen, la enfermedad, apenas rozada en un video, y la muerte. Un film que se puede observar mas que ver. Un documento testimonial de un dia en la Tierra, un dia que, no se si por casualidad, fue el del accidente en el tunel de la Love Parade en Duisburg donde murieron un monton de jovenes. La muerte esta presente solo aqui, muerte colectiva e irresponsable.
La tercera pelicula viene de Noruega. Se llama La montana. Es la historia de dos mujeres, una pareja de lesbianas, que han perdido un hijo y deciden hacer un viaje a la cima de una alta montana, donde el nino murio, como expiacion a su dolor. El film son ellas dos solas, sus silencios, sus reproches, sus deseos en medio de un paisaje impresionante.
De momento no hay mas.

BERLIN 1

2011-02-11T14:29:00.000-08:00

Ninas y Panahi
Tres ninas han protagonizado el primer dia del festival. Una nina vengadora, Mattie en la pelicula de los Coen; una nina que quiere ser un nino, Laure/Mikael en la pelicula que inauguro Panorama, la francesa Tomboy y una nina irresponsable y desconcertada en la primera pelicula argentina de esta edicion, El premio. Tres ninas que marcan el tono del festival. Junto a ellas hoy el gran protagonista ha sido Jafar Panahi en ausencia. Retenido en su pais, a punto de ser encarcelado de nuevo, su sillon en el jurado permanece vacio mientras aqui, en Berlin, se le recuerda y se le reivindica. Ayer en la inauguracion Isabella Rossellini leyo una carta de Panahi y a una amiga suya, presente en la sala, se le ocurrio llamarle al telefono supersecreto que tiene y hacer que desde el lejano y frio Teheran oyera el calido y sentido apoyo de este Berlin primaveral.
Manana mas cosas

ESTRENOS

2011-02-08T08:27:00.000-08:00

Dentro de un par de dias me voy a Berlin. Intentaré escribir desde allí, aunque sea sin ñ. Pero antes de irme quería dejar una lineas de algunas películas ya estrenadas o a punto de estrenarse, de las que me apetece decir algo.

Más allá de la vida
Clint Eastwood
Hay un momento en la vida de un director de cine en que se siente con fuerzas para hablar de la muerte. No siempre coincide con su última película. Ni tampoco son siempre films testamento. Son películas sabias que les acercan a un tema universal y temido al que se enfrentan con una lucidez asombrosa. Clint Eastwood lo hace con Mas alla de la vida. A su edad y desde su posición, Eastwood no tiene miedo de hablar del mas allá. De adentrarse en el terreno del fantástico y mostrar su punto de vista. No importa que el guión sea de otro. Lo que cuenta es la mirada del director que ha sido capaz de utilizar un argumento fantástico con un naturalismo asombroso. Eastwood se siente muy cercano de sus tres protagonistas: ese hombre agobiado por un don que no quiere y que le impide ser feliz; esa mujer que sabe que ha visto el otro lado y necesita que alguien la crea; ese niño al que le han robado la mitad de su alma y no parará hasta saber dónde está. Las tres historias evolucionan en paralelo con una clara vocación de converger en un instante de iluminación: cuando los tres personajes se entrecrucen y comprendan que tienen uno en otro la posibilidad de entender lo que les pasa. Sublime, preciosa. Nada testamentaria. Hay Eastwood para rato.

Valor de ley
Joel y Ethan Coen
No comparto con la mayoría el entusiasmo por este film. Los Coen me gustan mucho, me gusta su humor irónico, su violencia contenida, su histrionismo y su manera de revisitar los géneros. Por eso entiendo que hayan hecho esta nueva versión de Valor de ley partiendo del libro y no de la película de Henry Hathaway de 1969. Lo entiendo, pero no me acaba de gustar. Donde Hathaway tenía un imperativo moral para hacer lo que había que hacer, los Coen imponen una vengaza banal. El personaje de Rooster Cogburn es un viejo cansado y decepcionado que encuentra en Mattie, la joven que quiere ver juzgado al asesino de su padre, una razón para volver a creer en la humanidad. Wayne le daba a este personaje una calidad humana de perdedor, Bridges, en cambio, es un hombre irascible, prepotente al que su ayuda a Mattie no le aporta nada. No cambia en toda la película. En cuanto a LaBoeuf, el ranger de Texas, en la película de los Coen cae en la caricatura que nunca aparecía en la película de Hathaway.
Pero el personaje que menos me gusta en esta nueva versión es el de Mattie. La Mattie de Hathaway era una chica avanzada a su tiempo (el de la ficción y el de la época) Una joven responsable con un alto valor de la justicia. Es su absoluta fe en que un crimen no puede quedar impune lo que arrastra a todos en esa aventura. La Mattie de los Coen, mas caprichosa y obstinada, también mas joven y con aspecto mas infantil, no consigue transmitir esta sensación de justicia. A esta Mattie se le pueden dar unos azotes porque podemos pensar que se los merece,a la de Hathaway no se le pueden dar impunemente. Quizás es cuestión de los tiempos. Hathaway hace una película sobre la Moral de lo que Está Bien; los Coen hacen una película sobre el ojo por ojo.

Winter’s Bone
Debra Granik
Es curioso que tenga mucho mas que ver con Hathaway y su mundo esta película de Debra Granik que la de los Coen. La protagonista, una adolescente que debe sacar adelante a su familia en un mundo donde nada es fácil, comparte con la Matie de Hathaway el sentido de la moralidad. Necesita saber que ha pasado con su padre, no por venganza (y no solo por salvar la casa). Necesita saberlo para poder seguir adelante. El gran acierto de la película es el tono con el que está contada esta historia. Sin caer nunca en la estridencia, en la exageración, en el dramatismo. Sin dejarse arrastrar por unos personajes que podrían haber llevado el film hacia la tragedia. El naturalismo casi documental del paisaje, las gentes y su entorno, juegan a favor de Ree y su batalla por sobrevivir en ese mundo de oscuras relaciones subterráneas en el que los hombres parecen mandar, pero son las mujeres las que toman las decisiones que cuentan.

Los chicos están bien
Lisa Chodolenko
Me sorprende que en ninguna de las críticas o informaciones que he leído sobre esta película nadie hable del personaje de Mark Ruffalo, Paul, el donante de esperma, padre sin saberlo de los dos chicos que no están nada bien, Joni y Laser. Nadie se fija en lo que las dos protagonistas, la pareja lesbiana formada por Annette Bening y Julianne Moore, y sus dos retoños le hacen a ese personaje. Paul vive feliz con su novia negra, su restaurante y su huerto. De pronto, le caen del cielo dos hijos inesperados, producto de una donación de esperma anónima hecha hace veinte años. A Paul se le remueven las cosas, su vida se altera por completo. No solo acepta a los dos chicos como propios, también acepta a las dos lesbianas como progenitoras. Una de ellas, la que asume el rol femenino, Jules (Moore), en plena crisis matrimonial, sintiéndose abandonada como cualquier esposa, decide probar suerte acostándose con Paul. A ella le gusta sin mas, él se enamora. Y la otra, Nik (Bening), cuando se entera, se comporta como un marido cornudo. Su actitud es exactamente igual a la de cualquier pareja heterosexual en una situación semejante. Pero que pasa con Paul. Deja a su novia, asume el papel de padre, quiere a Jules y de pronto… le dan con la puerta en las narices. Literalmente. Sus nuevos hijos le dan la espalda y no quieren volver a verlo; su amante le dice claramente que la deje en paz y el esposo/a le suelta: “si quieres una familia búscala en otra parte”. Genial. Hacía tiempo que no veía en una película (en la vida real se ve muchas veces) un comportamiento tan egoísta y tan cabrón como el de estas dos mujeres y sus dos retoños. ¡Y nadie lo comenta!

Y LUEGO SE QUEJAN

2011-02-05T08:21:00.001-08:00

Y luego se quejan de que cada vez hay menos espectadores en la salas de cine. ¡Lo que me extraña es que haya alguno! Ayer fui al Cine Alexandra de Barcelona para ver Huevo y Leche, las dos películas de la Trilogía de Yusuf que complementan la recién estrenada Miel. Me pareció una idea estupenda que se les hubiera ocurrido estrenarlas ahora y asi permitir disfrutar de una obra en su totalidad. Como no hubo pases de prensa, fui al cine normal. Pagué mis casi 7 euros por cada una y entré. Leche empezaba a las 16.30. A las 16. 25 aun no habían abierto la sala. Nos dejaron entrar cuando faltaba un minuto para su hora. Éramos cuatro personas. Tardaron en empezar. Lógico. Empieza la película. Muda. Ni un sonido. Nadie se mueve, nadie lo arregla. Salgo a avisar. El encargado está un poco lejos.
-Oiga, por favor, en la sala 4 no hay sonido.
-Ahora aviso al responsable.
Vuelvo a la sala, pasan cinco, seis, siete minutos. Nada,seguimos en el cine mudo.
Una chica que tengo delante decide ir ella a protestar. Vuelve.
-Me ha dicho que ya lo están mirando.
Ocho, nueve, diez minutos. Mudo.
Vuelvo a salir.
-Por favor, paren la proyección, llevamos diez minutos de película y sigue mudo.
Mirada de aquellas que dicen: “Y a mi que me importa gusano de mierda si no hay sonido”
-Ya lo están arreglando- me dice enfadado.
Vuelvo. Once, doce, trece, catorce minutos… Por fin, ruidos¡¡ sonidos¡¡
Ha pasado casi un cuarto de hora de película. Me resigno a no ver nunca mas esos quince minutos. Me concentro en la peli.
Una película que, por gusto del director, tiene un montón de secuencias nocturnas en las que estoy segura que debían pasar muchas cosas importantes. Me las puedo imaginar, porque verlas, lo que se dice verlas, no las vi. La proyección digital es tan mala que cuando es de noche parece que se haya ido la luz. Asi que entre el cine mudo y la oscuridad, los espectadores de Leche fuimos objeto de un robo en toda regla. Yo desde luego, no volveré nunca a ese cine y me imagino que los otros tres tampoco. Esperaré a que la película salga en DVD para comprarla o me la bajaré de cualquier sitio y la miraré en mi casa en unas condiciones seguramente mucho mejores: con sonido y con luz.

PANTALLA HERIDA

2011-02-02T05:30:00.000-08:00

Alex de la Iglesia anuncia su dimisión de presidente de la Academia para el día 14 de febrero; la Ley Sinde se aprueba en el senado. Algo va mal. Algo va mal en el cine español, en la política española, en la sociedad española. La ley que han aprobado es una ley que sigue pensando que el cine funciona igual que hace cuarenta años. Es evidente que hay que defender a los creadores frente al abuso de los piratas de todo tipo (porque hay muchas clases de piratas); es evidente que hay que proteger a los que tienen las ideas y las llevan a cabo. Pero no tengo muy claro que esa Ley sea la mejor solución.
En toda esta cuestión hay un problema muy profundo y del cual creo que se ha hablado poco en este debate. Tengo la sensación que lo que se esta protegiendo con esta ley no es a los autores: músicos, cineastas, escritores, artistas de todo tipo, sino a los intermediarios que viven del trabajo de estos creadores. La posibilidad que Internet ha abierto como si fuera la Caja de Pandora, es la de establecer un contacto directo entre quién hace la obra y quién la consume. Y es ahí donde es urgente buscar formas de que haya una compensación económica para los autores. Estoy segura que la inmensa mayoría de los internautas estarían dispuestos a aceptar que se estableciera esa compensación. Y la mayoría de los creadores también. Los intermediarios en cambio, no. Este tema va mucho mas allá de los derechos de autor. Pone el dedo en la llaga en un modelo de consumo cultural que ya no sirve. Las reglas del juego aquí y ahora, son otras. Siento que Alex deje la Academia donde ha hecho un gran trabajo, siento que deje la intervención político/cultural directa porque era una voz discrepante. Pero entiendo que tire la toalla.

THÉRÈSE

2011-01-28T08:53:00.001-08:00

(rosa y cuerda, dos imágenes de Thérèse)
Thérèse es una película mas hermosa, austera y radical hoy que hace 25 años. En este tiempo, el cine ha ganado en muchos terrenos, pero también ha perdido en otros. Por ejemplo en la densidad pictórica de las imágenes que tiene esta versión de la vida de Santa Teresa de Lisieux, densidad que le permite a Cavalier construir el film como un auténtico retablo. Concebida como pequeños cuadros separados por un fotograma negro, la acción se desarrolla en un escenario completamente despojado y de fondos neutros, un espacio vacío en el que los pocos muebles configuran un decorado donde los personaje se mueven libremente. La cámara, casi siempre en un plano frontal, contribuye a crear la sensación de tableaux vivant. Todo esto le da a la película una belleza sublime y una fisicidad que hace que los arrebatos místicos de las religiosas sean casi tangibles: la física de la metafísica. Catherine Mouchet como Thérèse encabeza el conjunto de actrices que dan vida a este grupo de carmelitas enamoradas de Dios, encerradas en su silencio para poder estar mas cerca de su amado. Cavalier, un director casi desconocido en España y con una carrera absolutamente heterodoxa en Francia, logra que la historia de esta joven que murió con 24 años y fue declarada santa en 1925, nos emocione y nos conmueva en lo mas hondo.
(crítica publicada en la web de Fotogramas)

BLOG EN EL BLOG

2011-01-21T03:23:00.000-08:00

No podía ser de otra manera. Si se estrena una película que se llama Blog hay que escribir de ella en … un blog. Aunque la verdad esta inesperada película de Elena Trape debería llamarse mas bien Chat. Porque lo que estas niñas hacen es chatear y grabar un videoblog mas que escribir como hago yo o cualquiera de los que tiene un blog. Pero eso es lo de menos. Al cine español se le ha echado en cara muchas veces que no es representativo de su tiempo, de su propia realidad. Es cierto o mejor dicho, lo ha sido en algunos momentos de su historia. No ahora. Y esta película es uno de los mejores ejemplos de cómo el mundo nuevo en el que todos estamos sumergidos se ha apoderado de la comunicación mas privada de todas: la del querido diario, eterno e inmortal ejercicio de reflexión interna sobre la propia vida que en la adolescencia se suele presentar conflictiva y llena de incógnitas. Esto es lo que hacen este grupo de chicas unidas por un pacto de sangre casi medieval. Un pacto para conseguir un objetivo: el de la propia afirmación de su condición de mujeres con capacidad de decidir. A lo largo de unos meses la cámara sigue todo el proceso de formación de este grupo con sus diversidades y sus contradicciones, un grupo de chicas heterogéneo donde ni los adultos ni los elementos masculinos de su edad tiene ninguna cabida. Como todas las sectas (usando este término positivamente) discriminan y expulsan a los otros. Esos otros que son necesarios como objetos para conseguir su objetivo; esos otros que no son capaces de entender la profunda revuelta que encierra su pacto. Divertida a veces, ingeniosa siempre, tierna en algunas de sus confesiones, la película parece que se ha hecho sola, pero hay detrás un enorme trabajo de construcción: de los personajes, de la fotografía, del montaje, del sonido, y porque no, de la moral. Querido diario…

ANIMAL KINGDOM

2011-01-18T01:53:00.001-08:00

La sorpresa de esta semana en la cartelera es Animal Kingdom, primera película de ficción de un joven director australiano llamado David Michod conocido por sus documentales y cortos. La publicidad la vende como “la respuesta australiana a Uno de los nuestros”. No estoy de acuerdo. Scorsese hace de la violencia espectáculo, mientras que Michod hace de la violencia sentimiento. Como familia entregada al lado oscuro mas cotidiano, el film con quien se relaciona directamente es con dos viejos antecedentes Mama sangrienta de Roger Corman y La banda de los Grissom de Robert Aldrich, y con un cercano precedente James Gray, especialmente el de La noche es nuestra. Familias entregadas al crimen como forma de vida. Reino animal donde triunfa no el mas fuerte sino el mas astuto, el mas inteligente para saber ver los recovecos de una selva urbana llena de peligros. Una abuela/leona con melena de oro y ojos transparentes es el eje entorno al cual se organiza toda esta tribu de hienas, tigres y leopardos. Hasta que llega a la manada un pequeño cachorro que consigue imponerse a las leyes establecidas. Denso y espeso en sus imágenes de personajes de ojos vacíos, el submundo de Melburne, una ciudad luminosa y cálida, una selva húmeda y peligrosa, es el escenario ideal para que Michod desarrolle una historia de escondidos tintes shakesperianos. Michod, apúntense este nombre.

DIOSES Y HOMBRES, PAJAROS Y RAMAS

2011-01-11T10:58:00.000-08:00

“-Somos como pájaros en una rama, podemos echar a volar en cualquier momento –dice uno de los monjes.
-No, te equivocas, –le contesta la mujer– nosotros somos los pájaros y vosotros sois la rama. Si os vais, no nos queda nada.”

Este diálogo de la película De dioses y hombres que se estrena el viernes, es el punto central de la historia. Pájaros y ramas. Los monjes del pequeño monasterio cisterciense de Tibhirine, perdido en las montañas del Atlas en medio de la Argelia musulmana, son la rama donde se apoya la vida del pueblo. Cristianos y musulmanes viven en plena armonía, se ayudan, se complementan. Pero este mundo equilibrado está condenado a desaparecer violentamente con la irrupción del fanatismo, el fundamentalismo, el integrismo que arrastra en su torrente de violencia a unos y a otros; a pájaros y ramas. En 1996, la comunidad fue secuestrada, aun no se sabe bien por quién, y poco después los monjes aparecieron decapitados. La película habla de eso, del espanto que significa la pérdida de confianza, el desprecio al otro, la impunidad de quién se cree con derechos. Derechos sobre los monjes y sobre la gente del pueblo. No sabemos quién tiene mas miedo: los resignados cistercienses que saben a que se arriesgan o los habitantes del pueblo que saben que no podrán escapar de la dictadura de la intolerancia. Hay un momento en que el gobernador le dice a Christian, el prior: “la culpa de todo esto la tienen los franceses, no por la colonización, sino por la forma en que hicieron la descolonización”. No son estas palabras exactas, pero es el sentido. No se puede dominar un país y de la noche a la mañana abandonarlo a su suerte. Albert Camus lo dijo muy claro y pagó las consecuencias (aun hoy las paga). Lo que está pasando ahora es el resultado.
Pero este tema, que podría haber dado pie a una film político, es en manos de Xavier Beauvois un precioso documento sobre la vida monástica, con sus pequeños trabajos, sus rituales, sus ritmos específicos. ¿Recuerdan una película del 2005 que se llamaba El gran silencio? Bueno pues es algo asi, pero con música, con palabras, con imágenes, con objetos, con tolerancia y convivencia y con añoranza de un tiempo, no tan lejano, donde los pájaros podían posarse en las ramas y vivir en paz.

TAMBIEN LA LLUVIA

2011-01-05T09:51:00.000-08:00

(un cristal de agua feliz)
El primer gran estreno del año es una película española. También la lluvia de Iciar Bollaín. Hay dos secuencias en este film que me parecen importantes. Una, poco después de empezar, nos presenta al equipo de la película durante la lectura del guión sobre Cristóbal Colón que están apunto de rodar en Bolivia. Sin transición, Karra Elejalde, que interpreta al actor Anton, se convierte en el personaje Colón y nos arrastra a una escena donde se muestra toda la inocencia y la codicia de la primera llegada a las Indias ante la mirada impasible de dos indígenas que están allí como camareros. Cine en el cine, realidad dentro de otra realidad donde la vieja y la nueva colonización se confunden. La otra secuencia es casi al final, cuando Costa el productor se despide de Daniel el actor. Daniel, el indígena le regala una pequeña caja donde se esconde un auténtico tesoro. El oro contemporáneo, mas necesario y valioso que cualquier otra cosa: el agua. Estos dos momentos me parecen fundamentales para entender este film que se mueve entre el espectáculo y la denuncia política sin miedo a entretener y sin maniqueísmos de ningún tipo. El guión de Paul Laverty le ofrece a Iciar una historia que pone el dedo en la llaga de la(s) colonización(es), pero sin hacer demagogia: en ese sentido es clarificador que el personaje de Anton/Colón, a pesar de ser el explotador por excelencia, sea mucho mas solidario que el personaje de Alberto/Bartolomé de las Casas, populista en su discurso y cobarde en su comportamiento. Pero para mi, el tema principal de esta historia es el agua. Yaku/El Agua y su importancia para la vida, el agua que no es de nadie y es de todos, el agua de la que estamos hechos los seres vivos. El agua que sufre y se alegra, que padece y disfruta. Para los que no crean que el agua tiene vida propia y refleja las actitudes, los sentimientos, las situaciones, las violencias y la belleza de los espacios por donde circula, les recomiendo el libro Mensajes del agua, de Masaru Emoto. Seguro que si Emoto hubiera hecho una foto de un cristal del agua de También la lluvia le habría salido la imagen preciosa de un agua satisfecha por lo que la película hace por ella.

MALAS NOTICIAS

2010-12-29T08:22:00.001-08:00

“He empezado diciendo que creo que nuestra historia será lo que nosotros hagamos. Si seguimos así la historia se vengará y el castigo llegará pronto. De vez en cuando, hay que recalcar la importancia de la información y de las ideas. Soñemos por ejemplo que, un domingo por la noche, la franja ocupada por Ed Sullivan, se dedica al análisis de la educación americana; y dos semanas después, la franja de Steve Allen se ocupa en un estudio minuciosos de la política americana en Oriente Medio.
¿Se vería dañada la imagen de sus patrocinadores? ¿Se alzarían los accionistas enojados y quejándose? ¿Pasaría alguna cosa aparte de que millones de personas habrían recibido un poco de información sobre temas que podrían determinar el futuro de este país y por lo tanto también el futuro de las corporaciones y empresas?
A los que afirman que la gente no lo vería, que son demasiado indulgentes, indiferentes o insensibles y que solo quieren evadirse, solo puedo responder que en la opinión de este periodista existen pruebas mas que suficientes que rebaten este argumento. Pero aunque tuvieran razón, ¿Qué tienen que perder? Porque si tienen razón y este instrumento no sirve mas que para entretener, divertir y aislar, el tubo catódico empieza ya a parpadear y pronto veremos como la lucha está perdida. La televisión puede enseñar, puede arrojar luz y si, hasta puede inspirar. Pero solo lo hará en la medida en que los seres humanos estemos dispuestos a utilizarla con estos fines. De lo contrario solo será un amasijo de luces y cables en una caja.
Buenas noches y buena suerte.”
Edgard R. Murrow, 25 de octubre de 1958
Murrow tenía razón. La historia ya se está vengando de nosotros. La desaparición del canal CNN+ y su sustitución por Gran Hermano 24 horas, es una de las noticias mas deprimentes, tristes y vergonzosas de los últimos días de un año que no ha sido precisamente alegre. Y esto no es una defensa de ese canal en concreto. Es simplemente el lamento y la constatación de que cada vez hay menos espacios donde la inteligencia, la sensibilidad, la belleza, la educación, el respeto y la opinión subjetiva, puedan manifestarse. La televisión puede y debe ser entretenimiento. Pero eso no significa que ese entretenimiento sea única y exclusivamente el que convierte al espectador en un ser de niveles intelectuales bajo cero. Un camino directo al encefalograma plano.
El discurso de Murrow está mas vigente que nunca. Y la batalla, por desgracia, mas perdida que nunca.

PAYASOS DE BALADA TRISTE

2010-12-27T10:33:00.000-08:00

(Se habla mucho de Tarantino en relación con esta película. Pero para mi, tiene mas que ver con un cierto Lynch. Como el de Twin Peaks, donde el rostro de un payaso preside una de las secuencias mas terribles de la serie)
Acabo de ver Balada triste de trompeta. Se me había escapado varias veces, tantas, que llegué a pensar que la película no quería que la viera. Hoy, por fin, he ido. La verdad es que por una vez ni las críticas, ni los avances en los programas de cine, ni siquiera las entrevistas me habían preparado para el espectáculo dantesco y desmesurado que es esta pesadilla en imágenes. Los payasos siempre me han dado mucho miedo. Desde que era pequeña. No podía verlos sin ponerme a llorar. Creo que esta película explica por que me dan tanto miedo. Porque su máscara esconde seres terribles, capaces de lo peor. El film de Alex habla de eso, de la monstruosidad que nace del mal, de la fascinación por el dolor y la humillación. Claro que lo hace con una capacidad de crear situaciones, personajes, emociones y caos (sin perder un punto de extraño humor, humor congelado como la sonrisa de los payasos) en una historia desaforadamente romántica. De toda la película me quedo con una imagen: el niño Jaime abandonado en el circo junto con un león. Ahí veo la esencia de toda la historia. Creo que es en ese plano donde nace el payaso triste y su incapacidad de entender el mundo absurdo, violento y lleno de contradicciones en el que le ha tocado vivir.

LUZAZUL

2010-12-26T03:03:00.000-08:00

Acaba de salir a la venta un libro precioso. Se llama Luzazul y está escrito por Carmen Fernández Villalba. Carmen es una mujer que hace mil cosas: guiones, teatro, cuentos y esta novela juvenil que ha conseguido el prestigioso Premio La Galera Jóvenes Lectores 2010. Un premio que tiene la gracia de ser concedido por niños de toda España que escogen el que más les gusta entre los libros presentados.
Luzazul es una novela de ciencia ficción. Pero también es una historia fantástica y muchas otras cosas; es una aventura de iniciación, la formación de una amistad entre seres extraños y distintos; la crónica de la salvación de una estrella… Es una mezcla de muchas cosas que se pueden reconocer: La historia interminable, Las crónicas de Narnia, El señor de los anillos, Blanca Nieves, La guerra de las Galaxias… pero la gracia que tiene es que están ensambladas de una forma nueva y original. En definitiva el Cuento de los Cuentos se escribe con la materia de otros Cuentos

Es un libro muy bonito, de los que estimulan la imaginación y consiguen nuevos lectores. Un libro que yo recomendaría a todos aquellos que tienen hijos, sobrinos o nietos de alrededor de 12 años. Aunque en realidad, es un libro para disfrutarlo a cualquier edad.

FILM SOCIALISME

2010-12-13T06:01:00.000-08:00

(no se si esta gasolinera con sus flechas en dos direcciones le gustaría a Godard)
En el año 68, pocos meses después del famoso mayo parisino, Godard y Anne Wiazemsky estuvieron en Canadá. Su amigo Claude Nedjar les invitó a acompañarle al lejano norte polar para hacer, durante un mes, una serie de emisiones radiofónicas leyendo fragmentos del Libro Rojo de Mao. Se trataba de invitar a la población local a llamar al programa y discutir con ellos las sabias enseñanzas del Gran Timonel. Al cabo de tres días ningún habitante de la zona había respondido a las proclamas prochinas. Eso, unido al frío glacial que hacia en ese norteño lugar hicieron que los dos profetas de la buena nueva abandonaran el proyecto buscando tierras mas acogedoras.
Los tres años siguientes fueron los de la militancia maoísta a través del Grupo Dizga Vertov y su cine de propaganda política. Ese periodo acabó en 1971 cuando Godard sufrió un horrible accidente de moto que le tuvo seis días en coma con fractura de pelvis y de cráneo. Durante dos años, Godard sería un asiduo visitante de los hospitales.
El accidente rompió algo mas que su cráneo: rompió su relación con Anne Wiazemsky y su colaboración con Jean-Pierre Gorin. También rompió la línea de trabajo emprendida. Durante años Godard buscó un nuevo camino para su cine explorando el lenguaje del video y las nuevas tecnologías hasta que en 1980 decidió volver a un cierto cine narrativo con Sauve qui peut (la vie). Diez años después, en 1990, dirige la que se puede considerar su última película “normal”, Nouvelle Vague. Desde entonces ha ido construyendo una filmografía cada vez mas críptica y encerrada en si misma. Hasta llegar a Film Socialisme que se estrena este viernes con la que tengo la impresión que Godard ha vuelto a encerrarse en un estudio frío y aislado donde no le llegan las llamadas del público, ni el público llega a oír su mensaje. Un mensaje y un lenguaje que se ha quedado petrificado en el tiempo, como si una helada lo hubiera dejado congelado hace treinta años. Porque lo que a nivel cinematográfico era investigación y revolución en los años setenta, ahora no es mas que manierismo, una fórmula repetida y aplicada sin sentido que produce la sensación de que no sabe hacer otra cosa. Y en cuanto al discurso político, el cúmulo de lugares comunes, ideas preconcebidas y tópicos de una izquierda que ya era vieja en los años setenta, no soporta un mínimo análisis contemporáneo. Por si no están convencidos y van a ver la película, comparen la acumulación de tópicos sobre Barcelona, (incluido un plano de Iniesta al lado de Hemingway, los toros y las Brigadas Internacionales) para darse cuenta de que todo lo que dice no responde mas que a la idea de un hombre que mira sin ver un mundo del que se pretende erigir en portavoz. Una lástima. Y lo dice una godardiana convencida durante muchos años. El peor elogio que se puede hacer de Godard es decir: Godard sigue siendo Godard.
(En el blog de textos cuelgo una larga entrevista que le hice a Godard en 1985 en Berlin cuando estrenó Je vous salue, Marie)

NON BIUTIFUL

2010-11-30T04:01:00.001-08:00

(Barcelona puede ser muy fea)
Este viernes se estrena Biutiful de Alejandro González Iñaritu.
La primera impresión tras su visionado fue de decepción y de aburrimiento. Luego me paré a pensar porqué me había decepcionado. Estas son algunas reflexiones sobre esa decepción.
La primera regla de una película es saber que quieres contar. Eso es lo primero que aprenden los guionistas que reivindican su papel en el proceso de creación de un film como algo fundamental. Hay que tener un guión que sepa que quiere contar. Si esta primera regla falla, todo el castillo se cae. Irremediablemente. Este es el caso de Biutiful de Alejandro González Iñarritu. Se cae a trozos. Quiere contar tantas cosas que acaba por no contar ninguna. Si lo que quiere es seguir la trayectoria de un hombre que sabe que va a morir y pretende dejar su vida en orden, la verdad,la lía mucho.
1. Si hablamos de explotación inhumana de los chinos en el submundo de la ciudad, ¿por qué además los malos malísimos han de ser homosexuales? Sobra.
2. Si hablamos de explotación económica de los negros ilegales, ¿por qué además tiene que haber una mujer toda bondad y cariño? Sobra.
3. Si hablamos de una esposa y madre con problemas, ¿por qué tiene que ser yonqui y bipolar? Sobra.
4. Si hablamos de un personaje que se mueve en este inframundo tan real y social, ¿por qué además puede hablar con los muertos? Sobra.
5 Si rodamos en Barcelona, una Barcelona fea, sucia y llena de inmigrantes, ¿por qué tiene que parecer México? Para eso se podía haber quedado en México y si no haber buscado la auténtica fealdad de la ciudad, que existe, sin necesidad de recurrir a planos de la Sagrada Familia para recordarnos dónde estamos.
6. Si tenemos un actor al que obligamos a poner cara de palo, monocorde, de una única expresión y sin matices, no pretendas que recorra una serie de sentimientos que nunca logra transmitir.

Podía seguir pero ya me he cansado.
Iñarritu tenía un buen árbol de Navidad, pero lo ha llenado tanto de adornos superfluos, brillantes e inútiles que ha acabado por ocultar la simple naturaleza del árbol.
Antes de ponerse a hacer esta película habría sido bueno que leyera a Joseph Roth (no Philip, ojo,) y su magnifica LA LEYENDA DEL SANTO BEBEDOR.

FELICIDADES PARA ANA MARIA MATUTE

2010-11-26T12:02:00.001-08:00

Esta semana he tenido una gran alegría. El Premio Cervantes para Ana María Matute me ha reconciliado con la humanidad. Adoro a esta mujer, como escritora y como persona. Hace años, en 1996, Jorge de Cominges me hizo un precioso regalo: encargarme una entrevista con Ana Maria Matute para la revista Que Leer. Pasé una tarde deliciosa con ella, aprendí mucho, me divertí y escribí una de las mejores entrevistas que recuerdo haber hecho. Me acuerdo mi cara de felicidad cuando Jorge me contó que Ana María Matute había llamado a la revista para decir lo mucho que le habia gustado la entrevista. Ahora, 14 años mas tarde, la cuelgo entera en el otro blog por si alguien quiere leerla. Para mi sigue siendo estupenda. Ella, no la entrevista.
2
Se ha estrenado esta semana la pelicula de Apitchapong Weerasethakul, Uncle Boonmee que recuerda sus vidas pasadas. Para quién quiera recuperar lo que escribi cuando la vi en Sitges, encontrará la entrada en el mes de octubre: PERDIDOS Y APITCHAPONG

RECUERDO DE TOLSTOI

2010-11-21T06:44:00.000-08:00

(¿Anna Karenina y el oso ruso?. Por que no.)
Hace varios años escribí para ¿Qué leer? un artículo sobre Tolstoi. Ayer se cumplieron cien años de su muerte y eso me ha hecho recordarlo. Este párrafo forma parte de ese artículo que se puede encontrar entero en el blog de textos.
¿Fue Tolstoi el primer hippie de la historia?
No a la guerra. No a la violencia. Paz y amor entre todos los seres humanos. No a los estados ni a los gobiernos. Si a la vida en pequeñas comunidades unidas a la tierra donde nadie ejerza el poder y donde todo el mundo sea autosuficiente. Que cada uno se construya su casa, confeccione sus ropas y cultive su tierra. Renunciar a las riquezas. Mantener el amor a los demás por encima de todo. Estos son los principales rasgos de la ideología y la religión propugnada por Tolstoi en la que se mezclan el evangelio, las teorías de los utópicos y las corrientes místicas de distintas sectas del siglo XIX, como la de los molochany y los duchobory a los que ayudó a emigrar a Canadá con los derechos de autor de su novela Resurrección. No es difícil reconocer en estos postulados algunas de los elementos que definieron el movimiento hippie de los años 60 que sin saberlo se podrían calificar de Tolstoianos en cierto modo. Claro que donde ambos pensamientos difieren es en algunos conceptos morales. Tolstoi era un puritano, un moralista riguroso, un misógino convencido y por encima de todo era, tras su conversión, un hombre profundamente religioso. Cosa que los hippies no eran.

18 COMIDAS

2010-11-19T02:41:00.000-08:00

Comer no es alimentarse. Comer es relacionarse. Comer es necesario para vivir. Comemos tres veces al día. Por la mañana, al mediodía, por la noche. Por la mañana lo hacemos con el ánimo despierto. Tenemos todo el día por delante para hacer lo que queramos (o lo que podamos). Al mediodía, normalmente empezamos a estar cansados y necesitamos parar y mirar dónde estamos. La noche, sirve para darse cuenta de lo que ha dado de si ese día. ¿Hemos conseguido lo que queríamos? Tres comidas al día multiplicadas por seis grupos de personas que dos a dos, tres a tres o cuatro a cuatro, se entrecruzan en un día cualquiera que, sin embargo, será diferente. La mañana nos los presenta en su contexto y los conduce a dos comidas catárticas. En una, un hombre y una mujer se reencuentran tras años de no verse. Ella, se siente vacía en su vida familiar, él, intenta encontrar en la música un aliciente para seguir. No es un melodrama, no es una comedia: es una conversación entorno a una mesa. La otra reúne a cuatro personajes: una pareja homosexual y el hermano de uno de ellos al que acompaña una chica que ha conocido esa misma mañana. Es una comida hecha de cosas no dichas, de silencios que se callan con palabras. Las dos son retos para los actores que improvisan a partir de una línea maestra. Como todas los que mantienen los protagonistas de estas comidas: improvisaciones rodadas de forma seguida, sin cortes, dejandolos hablar y moverse. Nueve días de rodaje son suficientes con este planteamiento. El trabajo importante viene luego, en el montaje para darle sentido y coherencia a esas 18 comidas a las que Jorge Coira nos invita de la mano de Luis Tosar y su música callejera.

ARTURO RIPSTEIN Y PAZ ALICIA GARCIADIEGO

2010-11-17T09:10:00.001-08:00

Arturo Ripstein y Paz Alicia Garciadiego están en Barcelona. Los ha traído el Festival L’Alternativa para presentar un ciclo de cine mexicano y hacer una mesa redonda sobre el cine actual de ese país. Para mi es un placer volver a verlos. Los dos son viejos amigos. Los conocía desde hace mucho tiempo, pero nos hicimos amigos de verdad cuando en 1996 el Festival de Turín nos encargó a Andrea Martini y a mi preparar una retrospectiva de cine mexicano clásico y un ciclo completo de Arturo Ripstein. Andrea y yo estuvimos varios días en México y mantuvimos con Rip y Paz largas y muy divertidas entrevistas. El resultado fue un libro sobre su obra publicado en italiano y una amistad que dura hasta ahora mismo aunque nos veamos muy de tarde en tarde.
Al final de la entrevista con ellos añadí una especie de coda que los situaba en el espacio de su casa y los retrataba en pocas palabras. Casi trece años después, ese retrato sigue siendo vigente:
“Conversar con Ripstein y Paz es siempre apasionante. Incluso pelearse con ellos, los dos son muy peleones y el wrong de Arturo contradice continuamente a su interlocutor. Conversar con ellos es siempre un ejercicio de agilidad mental. Son muy distintos. Arturo es más reflexivo, Paz, en cambio, es un torrente narrativo. Son complementarios y al escucharlos a los dos juntos se obtienen informaciones mas completas de las que se tendrían hablando con cada uno por separado. Paz es la palabra que te entusiasma, Arturo, en cambio, es la mirada indagadora. Excelente combinación: Paz habla- y escribe guiones-, Arturo observa -por tanto hace películas.”
Arturo Ripstein hablará en una mesa redonda el jueves 18 de noviembre a las 19.30 en el CCCB de Barcelona.
2.
Aprovechando el ciclo de cine mexicano que organiza L’Alternativa, he puesto en el blog de textos un artículo largo que escribí para el Festival de Las Palmas en 2008 donde se hace un repaso de ese cine.

INFORMACION PARA COMENTARIOS

2010-11-15T02:04:00.000-08:00

La verdad es que añadir un comentario en este blog es un poco complicado, se que hay gente que lo ha intentado y no puede.
Los pasos a seguir son:

Se escribe el comentario.
Se escoge la opcion Cuentas de Google
Se dice publicar
normalmente no quiere y hay que repetir
Sale entonces una palabra rara que hay que copiar en un recuadro y entonces
Voila¡¡ ya se queda el comentario-.

MEMORIMAGE, REUS 3

2010-11-13T02:17:00.000-08:00

(Reus da mucho de si)
Tercer día de memorias visuales.Jornada de personajes aventureros y con vidas "de pelicula". Hugo Pratt, el padre de Corto Maltés y su amor por África, concretamente por Etiopia donde vivió cinco años cuando era niño y a donde volvió muchas veces. Algunas frases suyas: "Hay que soñar el paisaje antes de verlo" (o dibujarlo, como era su caso); "No se nunca dónde voy, simplemente voy"; "La vida es un laberinto, no importa como se entra, lo importante es dónde se llega"; "La vida se puede contar de 13 maneras distintas". El precioso documental de Stefano Knuchel, Hugo in Africa, escoge la séptima manera de acercarse a Pratt utilizando como base una película que se rodó con él de protagonista en el año 1981. El film acaba con un diálogo revelador: "-Hugo, por fin te encuentro. -Si. pero es tarde, me marcho. -¿A dónde Hugo? -No sé, lejos."
Si Knuchel escoge la séptima vida de Pratt, el documental Ava, la noche que no acaba, de Isaki Lacuesta, parte de la séptima película de Ava Gardner, Pandora, primera que rodó en España en el año 1951, para trazar un retrato de su rostro a lo largo de los 36 años que la separan de Harem, la última que hizo en España. Historia de un rostro que envejece, un cuerpo que se deteriora, que pasa de la belleza deslumbrante a la belleza de la decadencia. Memoria, recuerdo.
2
Enseñanza del dia: las imágenes no mueren. El pasado, el presente y el futuro, viven juntos, en el mismo plano, cuando se convierten en una película. Pratt, Ava, pasado de su propia vida, presente de nosotros mirándolos, futuro de todo lo que aún se puede hacer con ellas.

MEMORIMAGE REUS 2

2010-11-12T08:04:00.000-08:00

Abans que el temps ho esborri. Antes que el tiempo lo borre. Este es el título del nuevo trabajo de Mireia Ros que se ha presentado en el Memorimage de Reus. Si algún film justificaba su presencia en este peculiar festival es el de Mireia Ros: una película de hoy hecha con imágenes de ayer. Basado en una novela, lo cual es una auténtica extravangancia tratándose de un documental, la película de Mireia traza un retrato de la Barcelona del siglo XIX y XX que sentó las bases de la Barcelona de ahora mismo. La historia no es algo estático: no estudiamos el pasado como tal, sino porque el pasado nos ayuda a entender el presente. La historia de una familia de la alta burguesía barcelonesa que creó un imperio, para luego consumirlo y no dejar nada mas que una clara conciencia de "haber sido", sirve para reconstruir la historia de la propia ciudad. La gracia del film es que utiliza imágenes reales de múltiples fuentes: filmaciones privadas de distintas familias, archivos particulares, imágenes de todo tipo contribuyen a imaginar esta crónica de una ciudad anunciada:la de los prodigios, la de las olimpiadas,la del Forum,la de ahora mismo.

2.
Una lección de este festival de films construidos con imágenes ya existentes: todo lo que filmamos inocentemente, puede acabar siendo material de archivo de futuros trabajos: la memoria se construye desde el presente.

MEMORIMAGE, REUS 1

2010-11-11T00:58:00.001-08:00

Memorimage ha empezado en Reus. Este festival que se caracteriza por proyectar películas de hoy con imágenes de ayer, me ha dado para hacer una primera reflexión. Si hace diez o quince años todas las películas documentales que se hacían sobre el pasado indagaban sobre la guerra civil y sus consecuencias, ahora, el tema dominante es la Transición. Tiene su lógica. La generación que está haciendo cine ahora mismo en España, es la que era muy pequeña o no había nacido cuando murió Franco. Para ellos, la guerra civil queda muy lejos, mucho. En cambio, la Transición se ha convertido en su "guerra civil". Es decir, se cuestionan que paso y por qué. ¿Por qué se pasó página? ¿No se podía hacer otra cosa? ¿Tenemos derecho a cuestionarlo e intentar iluminar sus zonas oscuras? Naturalmente que tienen derecho y hay que hacerlo. Es lo que plantean dos películas que se pasaron ayer en Reus: Asalto al Banco Central, de Neus Sala y El Papus, de David Fernández de Castro. Las dos se fijan en momentos muy complicados de la Transición. El asalto al Banco Central de Barcelona tuvo lugar el 23 de mayo de 1981, tres meses justos después del intento de golpe de estado del 23 F; el atentado a la revista El Papus, tuvo lugar, el 20 de septiembre de 1977, tres meses después de las primeras elecciones democráticas. Momentos muy complicados en los que la extrema derecha intentaba desestabilizar la incipiente democracia desde todos los frentes. Sin quererlo, la jornada de ayer en Reus se convirtió en una lección de historia en la que los espectadores más jóvenes descubrieron un pasado muy reciente del que poco o nada sabían y aprendieron que hay que empezar a investigar sobre este tiempo. Pero sin perder de vista el que y el porqué se hizo lo que se hizo. Jordi Pujol en Asalto al Banco Central lo explica muy bien: fue un asunto extraño, oscuro, con connotaciones muy complicadas, pero lo mejor que podiamos hacer era decir : "pasemos página". Quizas ha llegado el momento de revisar la página que se pasó entonces. Pero con perspectiva histórica, como estos dos documentales.
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La inauguración de Memorimage estuvo protagonizada por uno de los documentales mas importantes del año: A Film Unfinished de Yael Hersonski. Un film de propaganda nazi rodado en el gueto de Varsovia es la base para que la directora israeli demuestre la enorme capacidad de manipulación y targiversación de los hechos que puede hacer la maquinaria de propaganda. Impresionante.

TEXTO RECOMENDADO

2010-11-08T23:34:00.000-08:00

En el blog de Ramón Herreros hay un texto sobre la película AITA, de José María de Orbe que se estrena el próximo viernes. Es un texto muy bonito escrito por un pintor sobre una película que tiene mucho que ver con la pintura. Os lo recomiendo
La dirección es
http://ramonherreros.blogspot.com