LUCES DE SAN SEBASTIAN

 

Ha pasado una semana desde que se acabó el Festival de San Sebastián. Ahora puedo hablar de algunas películas que me han impresionado/gustado entre las que he visto. Las pongo en orden alfabético (y sin distinción de secciones) para que sea fácil buscarlas cuando lleguen a las pantallas. Estos son solo pequeños apuntes.

 

A VECES ME ENTRA TRISTEZA, OTRAS VECES REBELIÓN, María Aparicio

Las películas en las que se pasea por una ciudad me suelen gustar mucho, son tranquilas y dejan tiempo a que pasen las cosas. Eva llega a Madrid sin nada en concreto que hacer, solo deambular durante unos días. En el Museo Reina Sofía se encuentra con Dante, un hombre que se dedica a estudiar la obra de un curioso personaje, Juan Bialet Masse, un catalán que escribió sobre las luchas obreras argentinas. Porque Eva y Dante son argentinos, de Córdoba. Son adultos y no buscan nada más que una cierta complicidad en un tiempo suspendido. Hay muchos ecos en este film: Borges y Cortázar; Javier Rebollo y Laura Citarella. Pero sobre todo hay mucha serenidad y un discurso político muy interesante: el academicismo no sirve para entender la realidad.

 CENIZA EN LA BOCA, Diego Luna

El jovencito guapito de Y tu mamá también, se nos ha hecho mayor. Diego Luna se ha convertido en un director interesante. Con Ceniza en la boca se consagra como un buen observador de personajes. Basada en una novela de Brenda Navarro, Ceniza en la boca habla de muchas cosas, de inmigración, de desarraigo, de incomprensión, de cuidados y un poco de solidaridad. Lucila y su hermano Diego llegan a Madrid para vivir con su madre que los dejó hace ocho años para emigrar a España desde su México natal. La vida en común no es fácil, cada uno tiene objetivos distintos. Lucila cuida un bebe y se junta con otras chicas latinas, hasta que le surge la oportunidad de irse a trabajar a Barcelona. En Barcelona, Lucila cuida de una anciana, pasa de cuidar una vida que empieza a cuidar una vida que acaba. Esa es una de las facetas de esta historia de muchas capas. Otra es la relación de Lucila con su madre y, la más importante, la vinculación entre Lucila y su hermano Diego que está en el centro del drama. Diego Luna ha hecho una película muy mexicana en la que se siente todo lo que ha aprendido en Estados Unidos y en Europa. Hay Diego para mucho rato.

 

CHICAS TRISTES, Fernanda Tovar

Esta película si que es mexicana del todo. Bueno mexicana y universal. Fernanda Tovar se une a una larga cadena de directoras mexicanas que saben retratar el mundo que las rodea, pero no necesariamente sus propias historias. Las chicas tristes de este film son Paula y la Maestra. Son adolescentes, son amigas, son nadadoras del equipo nacional. El agua, la natación, los reflejos y el sumergirse son importantes en la historia que desunirá esta sólida amistad. En el centro de todo una pregunta clave. ¿Tiene derecho alguien a revelar algo de otra persona que esta  no quiere contar? La Maestra traspasa esta línea y Paula no se lo perdona. 

THE DEBUT/EL DEBUT, Jesse Eisenberg

Esta era la película favorita de la crítica, de una cierta crítica, la que sabe disfrutar con una buena historia, unos grandes actores y una puesta en escena musical. El debut es un recital de dos personajes, Mona y Jerry Julianne Moore y Paul Giamatti. Ella es ama de casa, tiene dos hijos mayores y un marido ausente, ninguno de los tres la ve. Literalmente. Mona podría ser la triste April de Revolutionary Road si no hubiera decidido matarse. Mona sigue malviviendo hasta que decide dar un paso y retomar su carrera de actriz en una obra de teatro amateur dirigida por Jerry. A partir de ese momento Mona se desdobla y poco a poco se convierte en su personaje con todo lo que eso lleva de peligro para ella. Pero ahí está Jerry para salvarla y acompañarla. Jesse Eisenberg es actor antes que director y sabe captar los miedos, los matices, las dudas y las alegrías de una profesión que adora. El debut es su tercera película, un musical de antes, un film de ahora. Merecía llevarse algún premio gordo.

 

EL DESHIELO, Manuela Martelli

La primera película de Manuela Martelli, 1976, me gustó por la manera como abordaba el pasado (muy presente) de la dictadura chilena a través de la mirada de una mujer de la clase media, acomodada y sin posicionamiento político. Con El deshielo, su segunda película, sigue hablando de la huella del pinochetismo, pero de una manera tangencial. Su historia se ambienta en 1992 en un hotel de alta montaña en pleno invierno donde vive la pequeña Inés de 9 años. Sus abuelos son los dueños del hotel, sus padres están en España en la Expo de Sevilla. Inés está sola hasta que se hace amiga de Hanna, una chica de 15 años que forma parte del equipo de esquí alemán que se está entrenando en esas montañas. La desaparición de Hanna hará que Inés viva una serie de enormes contradicciones. ¿Debe contar lo que ha visto? ¿Debe mentir y callarse? Su abuela, un personaje odioso, le dice que calle y mienta y su miedo la lleva a callar y a mentir. Hasta que llegue el deshielo, para la montaña, pero no para Inés. 

FATHERLAND, Paweł Pawlikowski

Fatherland está entre las mejores películas que he visto. Fatherland, la patria, esa patria que todos utilizan como coartada para esconder sus miserias y para ensalzar sus virtudes. Solo dos protagonistas, Thomas Mann y su hija Erika (hay un tercero que flota como un fantasma entre los dos, Klaus, el hijo y el hermano); un viaje en coche, dos ciudades. En 1949, con una Alemania dividida y en ruinas, Thomas Mann fue invitado a Alemania, a las dos Alemanias. En un coche negro conducido por su hija, ambos llegan a Fráncfort donde dará una primera conferencia; en Weimar dará otra. Estamos en plena Gerra Fría, en una ciudad mandaban los americanos, en la otra la Unión Soviética. Unos y otros quisieron utilizar al escritor alemán para sus intereses ideológicos, a los dos defraudó Thomas Mann con dos conferencias que pasarán a la historia. Rodada en blanco y negro, una duración de 82 minutos y dos actores espléndidos, Sandra Hüller y Hanns Zischler, Fatherland demuestra que el polaco Paweł Pawlikowski, el director de Ida y Cold War, está entre los mejores del cine europeo.

 

LA ILUSION DE UN VERANO SIN FIN, Alessandra Sanguinetti

Al mismo tiempo o casi, que Richard Linklater ponía en marcha el experimento de Boyhood, siguiendo la vida de un chico y su familia a lo largo de doce años, en la otra punta del mundo la fotógrafa argentina Alessandra Sanguinetti emprendía un proyecto parecido que no sabía donde la iba a llevar. Empieza en 1999 en un pueblo de la pampa donde Alessandra está preparando un reportaje sobre la vida en el campo. Allí conoce a Guillermina y Belinda dos niñas de 9 años que le roban el corazón y decide filmarlas. Pero no una vez, muchas. Y así comienza un viaje entre las tres que durará veinticinco años en los que las dos niñas, crecen, pasan de jugar a trabajar, de bailes y canciones a tener responsabilidades, de hijas a madres. sin perder nunca su complicidad, con momentos oscuros, con altibajos, pero manteniendo siempre su profunda amistad. En 2024, a raíz de una exposición en París de las fotos que había tomado de las chicas en todo ese tiempo, Alessandra pensó que valía la pena hacer una película. No fue fácil concentrar 80 horas de filmación durante veintitrés años. Pero lo consiguió y el resultado es una película que es vida en estado puro. Un merecido premio de la Juventud. 

JALEOS, Isaki Lacuesta

Junto a sus grandes films de ficción, en la filmografía de Isaki Lacuesta hay una corriente de documental de creación, de montaje muy potente. Jaleos forma parte de esos documentales. Utilizando materiales de archivo  desconocidos y grabaciones antiguas, Jaleos es una exploración del origen del flamenco en España. Pero es mucho más, porque Isaki busca el lado más popular y político de este arte tan incomprendido y lo vincula con nuestro tiempo al mismo tiempo que lo reivindica. Jaleos responde a mucha preguntas que se hace Isaki: “Yo llego a esta película porque siento que estoy descubriendo cosas que no había conocido antes, y me doy cuenta de que mis compañeros de generación o mis padres tampoco conocen. ¿Cómo puede ser que la primera mujer que filma Edison sea flamenca y yo, que me dedico al cine, no lo sepa? ¿Y sabemos que cada vez que una colonia española desaparecía, lo que aparece es un palo nuevo en el flamenco? ¿Y cómo puede ser que, en plena Segunda Guerra Mundial, Leni Riefenstahl adaptara a Ángel Guimerá y rodara un film con escenas de flamenco utilizando como extras a presos gitanos a los que luego asesinan?” Estas y algunas otras cosas se cuentan en este precioso documento de orfebrería.

 

THE LONELIEST MAN IN TOWN/EL HOMBRE MÁS SOLITARIO DE LA CIUDAD, Tizza Covi, Rainer Frimmel

¿Hay algo más solitario que un hombre que se ha quedado solo en una edificio destinado a su demolición en el centro de Viena? No lo creo, aunque en realidad Al Cook no está solo, está rodeado de sus recuerdos, sus discos, su música, su pasión. Al Cook tiene 80 años y un pasado como uno de los rockeros austriacos, devoto admirador de Elvis Presley y erudito de la música jazz. Cuando anuncian a Cook que será desahuciado, la pareja de cineastas Tizza Covi, y Rainer Frimmel deciden acompañarlo en todo el proceso de desmantelamiento de su vida. Este es un documental porque todo lo que pasa, pasa de verdad, pero es una historia humana y musical conmovedora, el retrato de un hombre que es capaz de rehacerse emprendiendo, sin casi nada, una nueva aventura: su particular viaje al Delta del Mississippi. Preciosa.

 MUYOU NO HITO/EN LA HABITACIÓN DE MI PADRE, Maha Harada

En este festival he visto dos películas reconfortantes tranquilizadoras. Las dos son japonesas, las dos están entre lo mejor del año (y de varios años). Una de ellas es esta primera película de Maha Harada, escritora, artista, especialista en cultura. La protagonista es Satomi, joven vigilante en un museo de arte contemporáneo. El día de su cumpleaños, Satomi recibe un sobre de su padre al que hace mucho que no ve y que ha muerto hace poco. En ese sobre hay una llave. Una llave que no solo abre la habitación del padre, es una llave que la lleva a descubrir un hombre capaz de sentir la belleza y sutileza de la ceremonia del té, un poeta de gran sensibilidad en el uso de las palabras aunque su trabajo cotidiano haya sido muy mediocre. En cierto modo, el padre de Satomi es como el Hirayama de los Perfects Days de Wim Wenders, alguien capaz de crear la belleza con casi nada.

 

LES ROCHES ROUGES/ROCAS ROJAS, Bruno Dumont

Bruno Dumont es especialista en retratar infancias irregulares. Y en buscar personajes, niños en particular, completamente inusuales. Queda raro decir que un niño es inusual, pero es verdad. Géo es inusual. Tiene 5 años, es albino y no deja de mover los ojos. Parece un extraterrestre. Junto a sus dos amigos Eva y Rouben, integra una pequeña banda en una ciudad de la Costa Azul. Su principal diversión es tirarse por un acantilado arriesgando su vida y compitiendo con una banda rival en la que hay una niña que despierta en Géo sentimientos que no conocía. Las rocas rojas es un film sobre la infancia y sobre la vida, una película feliz que se puede ver como una divertida precuela de El pequeño Quinquin (aunque en realidad Géo lo que podría ser es el extravagante comandante Van der Weyden cuando era pequeño). 

RUEGA POR NOSOTRAS, Daniel Monzón

Hace un par de años, el cortometraje Els buits/Los vacíos de Sofía Esteve, Marina Freixa , Isa Luengo nos descubrió la terrible realidad de las chicas recluidas en el Patronato de Protección a la Mujer, institución dedicada a regenerar a mujeres caídas durante el franquismo y los primeros años de la democracia. Ahora Daniel Monzón, con la colaboración de Jorge Guerricaechevarría, convierte esta siniestra institución en el lugar donde situar la historia de Ana, una chica rebelde que en 1974 es encerrada por orden de sus padres en uno de estos centros correccionales. Monzón se está especializando en recrear la memoria de los años setenta a través de películas que no solo rememoran esos años, también y eso es más difícil, recuperan el cine que se hacía entonces., Las leyes de la frontera el cine quinqui, Ruega por nosotras el cine más social y desgarrado de esa época. Zoe Bonafonte asume el papel de Ana y Manuela Calle el de Sole. Su amistad las sostendrá en esos años de duras pruebas para las dos y se mantendrá intacta. Igual que la historia (real) de Mariona, la protagonista de Els buits, acabó bien, también la historia de Ana y Sole (ficticia) acaba bien. Algo que le agradezco mucho a Daniel Monzón es que no caiga nunca en la sordidez y que les dé una salida positiva a sus protagonistas. Estupenda.

 

SOUDAIN/DE REPENTE, Ryusuke Hamaguchi

Si tuviera que quedarme con una película, solo una, de este festival, seria Soudain/De repente. De repente un film de tres horas te pasa en un suspiro; de repente una historia de ancianos con Alzheimer se convierte en un cuento luminoso; de repente una amistad surgida al azar da sentido a dos vidas. De repente me encuentro ante una película que es una sanación, una cura para el cuerpo y para el alma. La historia es muy sencilla de contar: Marie-Lou dirige una residencia de ancianos y quiere cambiar la forma de tratarlos con un método que choca con la institución. El encuentro fortuito con un chico disminuido le permite conocer a Mari, una autora teatral japonesa que dirige una obra en un pequeño teatro. Entre ambas surge una fuerte conexión y pasan una noche entera hablando. Al final de esa noche, Mari se incorporara a la residencia de Marie-Lou y con su manera de entender la vida, dará un cambio radical al lugar y a sus habitantes (cuidadores y residentes). El hilo argumental es sencillo, pero la complejidad de la narración, de los diálogos, de lo que viven y cuentan; las experiencias físicas y las reflexiones políticas, no se pueden contar fácilmente. Hay que verla y hay que vivirla y aprender con ambas, Mari-Lou y su empatía, Mari y su sabiduría, que la vida merece ser vivida hasta el final. Ryusuke Hamaguchi ya me había gustado mucho con Drive My Car y El mal no existe, con De repente se coloca a la cabeza de mis directores favoritos de todos los tiempos. 

WILD HORSE NINE, Martin McDonagh

Fue la última película que vi y me reí mucho. Nunca John Malkowich había estado tan divertido, tan cinco, tan ferozmente lúcido como en este film ¿de espías? donde hace pareja con Sam Rockwell como dos agentes de la CIA especie de Mortadelo y Filemon a la american. Lo que estos dos agentes secretos traman es mucho más grave y siniestro que su aparente frivolidad. Estamos en septiembre de 1973 en Santiago de Chile, Chris y Lee viajan en una misión a la Isla de Pascua después de dejar atado y bien atado el golpe de estado del general Pinochet. Pero lo que les lleva a la isla es algo más personal. Chris tiene un acuerdo con Lee y quiere que este lo cumpla.Mientras tanto se pasean por entre los cabezones de la isla, conocen a dos chicas chilenas y dejan que un oscuro misterio vaya aflorando poco a poco. Porque Chris no es solo un viejo agente desahuciado por la enfermedad, Chis es una bomba de relojería con un secreto que Lee debe acallar.  Wild Horse Nine recuerda un poco el anterior film de McDonagh Almas en pena de Inisherin, también ambientada en el pasado en una isla remota y con dos amigos de toda la vida como Chris y Lee.

De momento no hay mas, ya es bastante larga esta entrada tan variada. Quédense con lo que les guste.

El regalo de esta semana es la última foto misteriosa que hice en san Sebastián.

 

 

 

DOS ESTRENOS QUE VIENEN DE SANSE Y...

 

He vuelto de san Sebastián y escribo esto el sábado por la noche. Estoy muy contenta del festival, ha sido muy bueno. He visto muchas películas que me han gustado, me han interesado y, sobre todo me han hecho pensar. Y he visto amigos y he conocidos nuevas directoras. En esta entrada solo voy a hablar de dos títulos, no porque sean los mejores, simplemente porque se estrenan y no los quiero dejar pasar. De las demás, resumen la semana que viene.

La bola negra, Javier Calvo, Javier Ambrossi

Es difícil decir algo de esta película tras el bombardeo informativo, aunque se ha hablado mucho de La bola negra, pero se ha contado poco de lo que tiene dentro. Reducirla a una película sobre García Lorca, o sobre la guerra civil, o sobre tres hombres homosexuales en tres momentos distintos, no es decir mucho. De entrada, yo creo que García Lorca es el macguffin, pero no el tema; la guerra civil está ahí, pero como escenario para vivir una historia muy privada y desde una perspectiva muy poco bélica; y de los tres hombres, creo que en realidad solo habla de un hombre, Sebastián, que recorre las tres historias como el dibujo de un puzle cuyas piezas se van acoplando hasta llegar ser una única bola negra y blanca. Sebastián el soldado sin ideología, obligado a servir donde le mandan y a amar a quien no puede salvar; Sebastián, el conservador de unas páginas escondidas de una obra maldita y perdida que vemos en paralelo; Sebastián el abuelo, que lega este pasado a un nieto que en 2017 intenta reconstruir el mapa de su vida. En esta historia de hombres hay algunas mujeres, pocas, une historiadora escéptica, una madre terrible y una mujer magnifica. El personaje que hace Penélope Cruz es uno de los mejores de la película y de su carrera. Con tan solo tres secuencias, Penélope consigue ser tres personas distintas; la picara cupletista Nené Romero, la mujer herida y rota por el dolor y la rebelde y valiente cantante de Batallón de Modistillas. Está estupenda, una bola blanca para ella.

Mis muertos tristes, Pablo Larraín, serie en Netflix

En el festival esta serie se vio como una película larga, ahora se estrena en Netflix en su formato original, una serie de cuatro episodios. Mis muertos tristes, una de las series más interesantes y perturbadoras del año, es la prueba de que las plataformas son importantísimas para poder hacer un cine ambicioso, experimental y arriesgado. Todo depende de quien lo haga y de lo bien que salga. Y estos muertos tristes de Pablo Larraín basaddos en un libro de cuentos de Mariana Enríquez, es muy bueno. Mucho. Emma, estupenda Mercedes  Morán, es una doctora obligada a jubilarse a los 60 años. Emma tiene un don que es una maldición, ve a los muertos y habla con ellos desde que era una niña. Nadie la cree y mucho menos su hermana o su hija, pero a ella no le importa. Emma consigue calmar a los muertos que sufren, en especial a su madre. Precisamente la muerte de su madre hace que su hermana y su familia vuelvan a Buenos Aires. Y llega Julie, su sobrina. Julie es rara, gorda, grande, tiene una sexualidad desatada. Julie es como Emma, ella no solo ve a los muertos, ella disfruta sexualmente de los muertos. Y, naturalmente, nadie la creen. El asesinato de tres adolescentes en ese barrio violento y peligroso, será el desencadenante de una serie de situaciones en las que Julie, Emma  y un tanque de agua, tienen mucho que decir. Con evocaciones del Hospital Kingdom  de Lars von Trier,  un color que recuerda las flores de plástico de los cementerios y un olor a cera en una iglesia cerrada, estos muertos tristes de Larraín/Enríquez/Moran consiguen mantenerte casi cuatro horas sin apartar los ojos. Porque además es una película política, Argentina está llena de muertos y de fantasmas, y es una serie con mucho humor soterrado, irónico, cruel.

 

Un día muy especial

Todo empezó con un paseo con Idoia, una  vieja amiga de san Sebastián. Idoia lleva 30 años trabajando en el festival donde empezó cuando era poco más que una adolescente. Cada año nos vemos y damos un paseo, esa mañana el día era precioso y no hacía demasiado calor. Mirando la Concha y el mar, Idoia recordó los últimos versos de Antonio Machado: “Estos días azules y este sol de la infancia”.  El cielo azul, el sol y dos amigas caminando. 

Al mediodía, viví otro momento emocionante. José Luis Rebordinos se despedía de su cargo de director del festival tomando una copa con unos pocos amigos. Rebor y Lucía, porque Lucía también se despedía. Rebor se jubila y tras 16 años como director y 30 en el festival, se retira, dudo que a descansar. Lucia, la columna sobre la que se apoyaba Rebordinos y que a su vez le protegía, no se jubila, pero no quiere seguir. Con ellos se cierra una etapa magnífica, una época de crecimiento, de consolidación, de risas y de amistad. Escuchando a Rebor, no a Lucía que nunca habla, viéndoles juntos con todos nosotros, sentí que algo en mi también se cerraba. Llevo 41 años yendo al Festival de San Sebastián, he pasado por todo, periodista, responsable en su comité de dirección, para volver a ser periodista. He vivido todas las transformaciones de un festival que era pequeño y provinciano y ahora es grande y universal. En aquella pequeña sala, recordé todos los momentos que he pasado con Rebor en los diez años que compartimos comité de dirección y viajes y discusiones y alegrías y alguna lágrima. Fueron extraordinarios, fueron importantes y sobre todo fueron nuestros: los atentados del 2001, el cambio al Kursal, las esperas a la salida de las proyecciones para saber que pensaban los críticos. Los viajes con Alfredo a Alemania, Suiza, Austria, con sus maratonianas sesiones de cine y sus chupitos de shnaps, las charlas tranquilas, la complicidad. Porque siempre tuve complicidad con Rebor y la sigo teniendo. Allí,tomando una copa, conocí a su mujer, a su hijo Y me di cuenta de que mi Rebor era solo uno de los Rebor que hay en Rebor. Con ese me quedo.

Por si no era suficiente tormenta emocional y de recuerdos, al atardecer, viendo ese sol de la infancia y los cielos azules y naranjas desde Tabakalera, viví otro momento especial. La Academia de Cine le otorgaba el Premio Elías Querejeta al productor Gerardo Herrero. Se reunió en esa celebración gran número de amigos y compañeros. Fue muy bonito ver un recorrido de su trayectoria y escuchar lo que todos decían de él. Pero lo mejor fue  una emocionada Mariela, la mujer con la que ha compartido más de 30 años de vida, de cine. Gerardo está unidos a Mariela por casi 200 películas juntos, por dos hijos estupendos, por una vida de complicidad y amistad tanto como amor y discusión. Y cuando Gerardo subió a recoger el premio con los ojos enrojecidos pero sabiendo muy bien lo que quería decir, me di cuenta, como con Rebor, que yo también tenía mi Gerardo. Le conocí con su primera película como director, Al acecho, poco después estuve en el jurado que le dio el premio a Mientras haya luz, su primera producción importante. Y desde entonces, de esto hace cuarenta años, hemos sido amigos: vi nacer la saga de Tin Tin, Tornasol, Milou, Castafiore, que ya estaban en su mesa como figuritas totémicas. Le presente a Marta Esteban que se convirtió en su coproductora y amiga. Hice un libro sobre él y con él. Viví los momentos de dolor y de alegría que han trufado su vida. Estaba con Gerardo y Mariela en el primer Berlín que pasaron juntos y he visto crecer a Emilio, su hijo mayor, a Martín y a María, sus hijos más pequeños. Tengo mi Gerardo, pero esa tarde dorada me di cuenta de que , como con Rebor, había muchos otros Gerardos.  El mío era ese, el de Locarno, el de  Cannes, el de Taormina, el de Almería, el de los libros compartidos, el del trabajo en común. El amigo.

El regalo de esta semana es para Rebor y para Gerardo

DECISIONES

 

En las dos películas que me parecen las mas interesantes de esta semana, hay un momento en que sus protagonistas tienen que tomar una decisión. Algo que les cambiará la vida.

Sus hijos, Pablo Trapero

Pablo Trapero en la dirección y Sarah Polley en el guión han adaptado la novela El extravagante señor Dyer de David Gilbert, una delirante historia que da mucho que pensar. Andrew Dyer, solo un actor como Bill Nighy podía encarnarlo con esa mezcla de seriedad y humor, es un viejo escritor que lleva años sin escribir nada. Nunca consiguió superar el éxito de su primera novela y ahora vive alcoholizado en una enorme casa con su hijo pequeño, Andy. El funeral de un amigo le hace darse cuenta de que la vida puede acabarse de repente, y eso le empuja a tomar una primera decisión: convocar a sus dos hijos mayores, a los que no ve desde que nació Andy hace 17 años, para contarles algo. Richard y Jamie no son precisamente modelos de vivir bien. Ambos arrastran muchos problemas. Pero acuden a Londres a casa de su padre donde esperan que les pida perdón por haber arruinado la familia al tener un hijo, Andy, de una aventura, hecho que destrozó a su madre. Pero no cuentan con que su padre ha tomado otra decisión: contarles la verdad de lo que pasó. Y lo que pasó es algo que nos deja a todos con un cierto estremecimiento. Y muchas dudas. Y muchas preguntas. Trapero y Polley han teñido de cierta solemnidad una historia que podría ser una comedia negra. No importa, o al menos a mi no me importa.

 

Femenino, singular, Xavi Puebla

Vi esta película en el D’A de este año. Estuve en su primera proyección, acompañando al director y a mi hermana Mireia, coguionista de la película. Entonces escribí en el blog: “Femenino singular no es una película experimental narrativamente es una historia sencilla y cercana, cotidiana. Lo que la hace especial es la construcción de su guion. La protagonista absoluta es Nayeli, una chica mexicana que trabaja como sirvienta para todo en una casa burguesa de Barcelona. Nayeli, increíble composición de la actriz mexicana Vico Escorcia, se encarga de la casa y de cuidar al hijo pequeño de la familia que la adora. Pero Nayeli oculta algo, mejor dicho se oculta ella misma. La conocemos escondida detrás de una pared espiando una obra en construcción. ¿Qué espía Nayeli, a quién busca? Poco a poco lo descubriremos en una primera parte en la que Nayeli sufre un proceso de pérdida, para en una segunda parte, casi simétrica, hacer un camino a la inversa en un proceso de confirmación.  Femenino singular podría llamarse también Las tres decisiones de Nayeli.” Me hace gracia que ya entonces hablara de decisiones, porque son esas decisiones las que puntúan su relato. Sobre todo la última, la que toma de una manera consciente y decisiva para ella. Femenino singular podría hacer un programa con Calladita. En ambas películas, estas chicas migrantes (emigrantes de su país, inmigrantes en el nuestro) demuestran tener una fortaleza, una inteligencia y una humanidad muy superiores a muchos locales. Y en este caso concreto, una enorme paciencia.

El regalo de esta semana es un retrato femenino y singular.

 

 

SUPERVIVIENTES

 

         Sobrevivir: 

Vivir después de la muerte de otra persona o después de un suceso.

Vivir con escasos medios o en condiciones adversas.

Permanecer en el tiempo, perdurar. 

Dos estrenos de esta semana y un estreno en Filmin responden  a la definición de Sobrevivir.

 

Sobrevivir a la muerte de una persona: Forastera, Lucía Aleñar Iglesias

Leo en la crítica de Eulalia Iglesias en Filmtopia que en las Islas Baleares se llama forasteros o forasteras a las personas que llegan de la península. No lo sabía. Pero lo entiendo, porque cualquiera que no sea de una isla (la que sea) es por fuerza forastero. En el caso de esta película sobre la calma y el duelo, es más que justificado el título. Cata y su hermana Eva viven en Madrid y pasan las vacaciones en Mallorca en casa de sus abuelos, los padres de su madre. No hablan mallorquín y se sienten veraneantes, forasteras, no son locales. La vida transcurre con toda placidez, la abuela Catalina es cariñosa y hace ricas comidas, el abuelo Tomás es divertido y cercano. Ambos se adoran y adoran a sus nietas. Hasta que la muerte accidental de la abuela Catalina trastorna este mundo encalmado, curiosamente sin romper la calma, solo transformándola en un ambiente de fantasmagorías y ensueños donde transitar el duelo. Especialmente el de Tomás y el de Cata. Si hay algún referente en este primer film es Vértigo de Alfred Hitchcock. ¿Perdón? Puedo sentir que piensan los que no la han visto. ¿Qué tiene que ver esta película con uno de los títulos más legendarios de Hitchcock? Pues mucho. Porque también aquí hay una mujer muerta, la abuela Catalina, y una mujer transformada, la nieta Cata. También hay un hombre transido de la pena de la pérdida, el abuelo, que ve en su nieta la encarnación (posesión) de su amada esposa. Con una variante perversa y muy interesante, es la propia Cata la que quiere ser Catalina. Eva, la hermana lo ve pero no interviene, Pepa, la madre lo ve y sí interviene. Forastera no es una historia fantástica, ni de fantasmas, es la historia de dos personas, Cata y su abuelo, buscando la manera de transitar el duelo en un film que huye del naturalismo y lo  real para ajustarse a lo verosímil de ese dolor y esa pérdida que al final liberará el auténtico fantasma en una de las secuencias más misteriosas de la película.

 

Sobrevivir en condiciones adversa: Siemprevivas, Mar López Zapata

“Laura quiere volver a trabajar después de veinte años retirada. Se siente mayor, mira al pasado con nostalgia y aunque tiene miedo, sus amigas le dan esperanzas. Zully y Ana la acompañan como madres sabias y la conectan con la espiritualidad en la que Laura también se ha apoyado siempre; María Florinda, le demuestra que el deseo y la sexualidad no se pierden con la edad; Vicenta le recuerda que ser una mujer trans no le hará perder clientes; y Marga la pone al día sobre cómo ha cambiado el trabajo.” Seis prostitutas mayores del Raval cuentan su vida y sus deseos sin esconder nada. Con alegría, libertad y mucha amistad. Sin caer nunca en la sordidez. Esta es una película feliz, reivindicativa, valiente y muy libre. Seis putas, (ellas se autodenomina  así y están orgullosas de su trabajo) de la calle Robadors de Barcelona, dos de ellas trans, mayores (más de sesenta años) que reivindican su derecho a ser putas y que se les reconozca el valor del trabajo que hacen. El personaje de Laura es extraordinario. Un documental que da para hablar de muchas cosas: la prostitución y la vejez, pero también, la amistad y como, no, la supervivencia.

 

Sobrevivir para engañar: La Superviviente, Kike Maíllo, Filmin

Este 11 de septiembre del 2026 se cumplen 25 años del atentado a las Torres Gemelas de Nueva York que fue el pistoletazo (más bien el bombazo) de salida de un siglo XXI que, sinceramente, está resultando profundamente lamentable se mire como se mire. En cierto modo, todos, y en ese todos estamos todos, los del primer mundo y los del último mundo, somos supervivientes del naufragio como sociedad y como civilización que se está produciendo de forma generalizada. No hay refugio, no hay donde ir. Pero no es de eso de lo que quería hablar, sino de este documental de Kike Maíllo que se estrena estos días en Filmin coincidiendo con el 25 aniversario del atentado. La historia es la de Tania Head, una mujer que durante años fue la voz más visible de los pocos supervivientes de los atentados. Tania era una mujer común, de una normalidad absoluta y eso la hacía aun más creíble. Hasta que se descubrió, por casualidad, que Tania no era Tania, sino Alicia Esteve, una mujer catalana que por una serie de circunstancias acabó convertida en una superviviente que nunca existió. Kike Maillo hace un  documental sin ella, la verdadera Alicia  está en paradero desconocido, utilizando una actriz que hace y dice lo que Tania hizo y dijo en los muchos documentos que hay sobre ella. ¿Por qué no usó esos documentos en lugar de reinterpretarlos? Debe haber alguna razón, en todo caso el mecanismo funciona y alternando con las entrevistas a auténticos supervivientes el documental revela el terror y el horror de ese día  y el terror y el horror en el que aun viven muchos de ellos. Y también el dolor de haberse sentido engañados y estafados por la falsa Tania a la que, sin embargo, han conseguido perdonar.

El regalo de esta semana son florecitas capaces de sobrevivir en el asfalto de esta ciudad.

 

 

NEORURALES

 

El neoruralismo es una corriente social relativamente nueva que implica una emigración al revés: de la ciudad al campo. Un remigración en muchos casos. Hay una idea un poco utópica de que en el campo se vive mejor que en la ciudad, que la calidad de vida, sobre todo si se tienen niños, es mucho más alta que en un barrio urbano. En parte es verdad, pero el neoruralismo entendido solo en este sentido es un fenómeno muy burgués (sin que esto implique nada peyorativo) cuando lo que el campo necesita no es solo repoblarse, es también y mucho, revalorizarse. Vivir en un pueblo o en el campo puede ser muy bonito, pero vivir del campo, es decir de la explotación agraria o ganadera, es mucho más complicado. Una nube de burocracias y normas restrictivas no ayuda a desarrollar el trabajo agrícola, tampoco los precios que no compensan entre el agricultor (o ganadero, o pescador) y el consumidor: demasiados intermediarios encarecen de forma abusiva los productos. Tampoco ayuda los horarios y la dureza del trabajo regido por ciclos de siembra, cosecha; o en caso del ganado, de ordeña y pastoreo. Hay mucho que hacer en este terreno si queremos que la España vaciada no esté más vaciada todavía y si queremos seguir comiendo tomates que sepan a tomate y no a plástico. Uno de los temas principales es el de revalorizar socialmente estas profesiones. La directora de El olor a la leche quemada, se quejaba en una entrevista de que los jóvenes actores alemanes no querían hacer de campesinos, de agricultores, consideraban que eran personajes con poco estilo. Es un síntoma de una buena parte de la juventud española y europea. Esta mañana hablando con mi pescadero, que se jubila, me comentaba que no había encontrado a ningún joven a quién traspasarle un negocio indispensable para el barrio. Y me decía que en Mercabarna, no hay prácticamente trabajadores españoles o catalanes, son todos latinoamericanos. Algo estamos haciendo mal al no dar el valor que tienen estos trabajos indispensables.

Perdón por esta perorata provocada por dos estrenos: El olor a leche quemada, una película neorural, no de neorurales, donde sus protagonistas son agricultores desde hace generaciones, que habla de eso precisamente: de la necesidad de continuar, valorar, y ayudar a los que aun quieren dedicarse al campo. Y una película, Cinco segundos, de auténticos neorurales aunque no sean los verdaderos protagonistas

 

El olor a leche quemada, de Justine Bauer

“Viendo cine me he dado cuenta que hay una corriente transversal, global, universal, en la sociedad. He encontrado ejemplos en distintas películas de un tema que aparece en paisajes muy alejados entre sí, en contextos muy diversos. Son películas que comparten una misma preocupación: la desaparición de una forma de vida rural en aras de un progreso colectivo.”. Escribía esto en el blog el 15 de octubre del 2022 con motivo de los estrenos de Alcarrás, de Carla Simón y As bestas de Rodrigo Sorogoyen. Lo recupero ahora, aunque en este caso, la película de la que trato habla de otro problema, mejor dicho de otra cara del problema.

Justine Bauer es alemana, es hija y nieta de granjeros, pero ella no ha sido granjera nunca. Es cineasta. Sin embargo, Justine sabe que hay algo en el trabajo de su familia que hay que preservar y de ahí nace esta película, realizada con poquísimos medios, rodada con actores no profesionales y en un entorno rural donde la crisis está muy presente. El olor a leche quemada, me encanta el título y no sé muy bien porqué, es un film de mujeres de campo y en el campo. La protagonista es una chica de 18 años que vive en una granja con vacas y terrenos cultivables junto a su abuela, su madre, dos hermanas y un hermano. Ella quiere continuar el trabajo de su familia, le gusta ser granjera, y sin embargo,  tropieza con dos graves obstáculos: su madre que quiere para ella “una vida mejor”, que no siga en la granja, que estudie en la ciudad; y el derecho tradicional de herencia que hace que sea su hermano, le guste o no, el que se quede al frente de la granja. Con un tono tranquilo, suave, sin ruidos, compartimos con esta familia un verano en el que se tendrán que tomar decisiones importantes. Un verano en el que la tragedia también ronda como un ave de mal agüero y en el que la vida se abre camino a pesar de todo. El olor a leche quemada es una película muy bonita, pero nada complaciente, y al mismo tiempo muy lúcida en su retrato de un mundo que desaparece. La crisis climática, la crisis económica, las crisis sociales, demasiadas crisis para salir adelante. El cine puede ayudar un poco y lo está haciendo con películas como esta y como algunas otras. Nosotros solo podemos cruzar los dedos para que podamos seguir comprando tomates que sepan a tomate.

 

Cinco segundos, Paolo Virzi

Esta sí es una película de neorurales en el sentido estricto del término: gente de la ciudad que se instala en el campo. En este caso, un grupo de profesionales “no somos hippies” afirman con toda seriedad, que intenta recuperar las viñas abandonadas de una gran casa solariega, también abandonada, de la Toscana (creo que es la Toscana). Pero estos neorurales con sus guitarras y sus trabajos, serios y hechos a conciencia, no son los protagonistas de la historia, son el paisaje dentro del paisaje de Adriano, un hombre solitario, roto, encerrado en sí mismo al que conocemos nada más empezar la película en una casa llena de platos sucios. No sabemos quién es, lo iremos descubriendo poco a poco, tampoco que le pasa, eso lo sabremos aun más poco a poco, pero nos inquieta su presencia, su fuerza escondida, su dolor latente. A esa casa llega una mañana una mujer rubia que intenta sacarle de su mutismo, de su aislamiento. Esta mujer, aparentemente secundaria y periférica, acabará siendo uno de los personajes más interesantes de la película. Una película en la que la recuperación de Adriano corre en paralelo con la recuperación de las viñas; una historia donde la vida se abre camino sobre la pérdida. Una reflexión de lo que puede pasar en cinco segundos decisivos en la vida de una persona. Solo cinco segundos que se hacen muy largos. Rurales, neorurales, el campo reclama atención con todo tipo de historias. 

El regalo de esta semana es un cuadro que evoca el campo en otoño.

SECUENCIAS

 

Hay películas que tienen algo especial, algo que hace que no las olvides. Quizás es mejor decir que hay secuencias en esas películas que se quedan prendidas en la memoria, sin saber bien por qué. Por su fuerza, por su energía, por su intensidad, por su belleza… Puede ser por muchas cosas. En todo caso hacen que esas películas no desaparezcan en la niebla de la memoria. Esta semana se estrenan dos de esos films.

 

Anoche conquiste Tebas, Gabriel Azorín, Galicia

En el pasado D’A Film Festival, un rumor corrió como la pólvora: no te pierdas Anoche conquisté Tebas. Era una película pequeña, gallega, enmarcada en la sección Un impulso colectivo. ¿Qué tenía esta Tebas para fascinar a todo tipo de gente? Porque no eran solo los más exquisitos los que la recomendaban, eran todos los que la habían visto. Yo la vi entonces, y sucumbí a su hipnotismo. En el resumen del festival que hice en el blog escribí: “Una de las propuestas más insólitas de la sección Un impulso colectivo. Una película gallega hablada en gallego y latín que cuenta una historia antigua. El resumen que ofrece el D’A lo intenta explicar. “Una película histórica. Una película de fantasmas. Una película acuática. Una experiencia estética que poco a poco se convierte en un sutil comentario político: la historia de unos soldados que se detienen en unas termas tras el combate y empiezan a comprobar que no todo es lo que parece…”. Quizás por el tema, quizás por la puesta en escena o incluso por el idioma, pero Anoche conquisté Tebas me hizo pensar mucho en el cine de Manoel de Oliveira del que tan pocos ejemplos hay en nuestro país. Esta es una película para ver en un cine, buena parte de la acción sucede de noche en esas termas donde se refugian  un grupo de soldados después de la batalla. Noche de fantasmas y de estrellas, de conversaciones y susurros. Ojala se pueda ver en una pantalla grande, cuanto más grande mejor.” Pues parece que al final se podrá ver. No sé si en una pantalla muy grande ni en muchas salas. Habrá que buscar como un tesoro estas termas romanas y actuales, en las que la amistad masculina adquiere categoría de mito. Entonces hablaba de Manoel de Oliveira, ahora que la he vuelto a ver me he dado cuenta de muchas más cosas. Por ejemplo, del paralelismo entre las guerras del presente, guerras de videojuego, guerras imaginarias, guerras que no existen, con las guerras de los legionarios romanos. También me he dado cuenta de otro paralelismo que en la primera visión no me quedó tan claro. La noche, el agua, las estrellas, el silencio, invitan a las confesiones en esas aguas calientes de las Termas de Bande en Orense. Porque estos soldados, los del presente y los del pasado, desnudan su alma amparados en la placidez del agua termal que los mece. Historia de amor y de amistad, historia de separaciones y dependencias. La Historia se repite con la historia. Los fantasmas se encarnan en el presente. Anoche conquisté Tebas es un film fascinante. ¿Y la secuencia? Son dos y las dos pasan en el mismo espacio, los baños individuales de esas termas en ruinas donde se producen las dos largas conversaciones/confesiones entre Antonio y Jota en el presente, entre Aurelio y Pompeyo hace 2000 años, espejo una de la otra. Me gusta mucho esta película que no debería pasar desapercibida en su belleza serena, en su tempo natural, un largo atardecer, una noche de estrellas, dos confesiones, dos separaciones. Una experiencia.

(Un pequeño misterio. Leí la excelente crítica de Marta Medina en El Confidencial y la quise guardar copiada en un documento de Word. Y al copiarla, apareció al final una frase de Marco Aurelio: “Cuando te levantes por la mañana, piensa en el privilegio de vivir: respirar, pensar, disfrutar, amar”. Era perfecta, pero lo más raro es que esa frase No está en el texto de Marta Medina publicado en El Confidencial. Es un misterio más que se une a los misterios de esta fascinante película).

El ser querido, Rodrigo Sorogoyen

El cine de Sorogoyen y de Isabel Peña, al que está indisolublemente asociado, es un cine que se mueve entre la denuncia y el intimismo, entre la acción y la introspección, entre Antidisturbios y Los años nuevos (la única vez que no han colaborado juntos Isabel y Rodrigo). El tándem Sorogoyen/Peña lleva trabajando desde hace casi veinte años y han producido entre ambos títulos fundamentales del cine y las series. Stockholm en 2013 fue su primer éxito. Luego vinieron Que Dios nos perdone, El Reino, y la serie Antidisturbios con la que se consolidaron definitivamente como figuras de primera línea en el cine español. En Antidisturbios sobresalía por su magnetismo y su frialdad un personaje femenino implacable interpretado por Vicki (ahora Victoria) Luengo. No era su primera película, pero si su primer protagonista, la única mujer en una serie de hombres, era el año 2020. Desde entonces, todos han consolidado sus carreras, ella como actriz, ellos como creadores. Y han vuelto a coincidir en El ser querido, un film que se enmarca en el intimismo, en la introspección y también en la autoreferencia. Porque estamos hablando de cine en el cine, de cómo se hace una película, de los que lo hacen y como lo viven. Esteban (Javier Bardem) no es Sorogoyen (quizás sí, no puedo saberlo), en todo caso, puede que Esteban Martínez tenga algo de su director en el set, pero no tiene nada de él en su relación con su hija. Cuando se empezó a hablar de esta película fue inevitable pensar que era un tema igual o muy parecido al de Valor sentimental, la excelente película de Joachim Trier: un director de cine le propone a su hija actriz, con la que no tiene ningún contacto desde años,  que trabaje con él en  una película. Las dos van de esto,  las dos no se parecen en nada. El ser querido es una película importante. Pero aquí y ahora lo que me queda son dos secuencias impresionantes. El primer encuentro de Esteban y Emilia (Victoria Luengo) en un restaurante donde mantienen una conversación de 20 minutos que solo dos grandes actores, un gran guión y un director muy sólido, pueden convertir en inolvidable. La otra es también una comida, aunque muy distinta. Estamos en el desierto, se ensaya una escena aparentemente intrascendente, una comida al aire libre entre la mayoría de los actores que interpretan Siroco, el film que se está rodando, “una historia de traición, de abandono, de amor, de gente que no puede mirarse a los ojos”. En esa secuencia aflora el carácter dominante, autoritario, impositivo, cruel, de un director de cine que sabe que tiene todo el poder en sus manos para manipular, destrozar, a sus creaciones. Bardem esta espléndido, pero los demás no se dejan amedrentar. Son esas dos comidas las que me quedan de una película que es sin duda una de las más interesantes del año.

El regalo de esta semana no son unas termas, pero podrían serlo.

 

APOCALIPSIS

 

Hay semanas que aunque se estrene alguna película interesante, no tengo ganas de comentarlas. Esta, por ejemplo, hay dos films que no están mal, El coro de Praga, un film checo de  Ondrej Provazaznik basado en un caso real de abusos a niñas por parte del director de un coro; y Prometido el cielo, de Erige Sehiri, historia de tres mujeres subsaharianas en Túnez en la que se ve claramente que la discriminación y el racismo xenófobo no es exclusivo de los europeos. 

Como este blog me permite hablar de otras cosas, me he fijado en las noticias. ¿Se acuerdan de aquellos veranos en los que no pasaba nada, los telediarios estaban llenos de fiestas mayores, bañistas, serpientes “de verano” y los termómetros a 40º eran noticia por su rareza? Hace ya mucho tiempo que no tenemos esos veranos, pero este, creo que se lleva la palma. Lo último, los terremotos de Granada. Me ha llamado la atención que hubiera tantos y he visto que los llaman un “enjambre de terremotos”. Curioso nombre para definir un conjunto de seísmos de diferentes magnitudes que no son réplicas sino encadenados, pueden ser muchos y pueden ser imperceptibles o más serios como los que está sufriendo Granada. ¿Por qué se producen? No lo explican muy bien, pero parece que en Granada confluyen la placa tectónica africana y la placa tectónica europea. Cuando una de las dos se mueve o empuja, puede darse este fenómeno. No sé si esto es verdad (mis estudios de geología me quedan francamente lejos), ni sé cuál ha sido la falla que se ha movido. Pero como metáfora de lo que está pasando en la frontera sur de Europa me sirve: la falla tectónica africana aprieta a la europea y produce terremotos. De distinto tipo.

Apocalipsis y democracia, Jordi Ibáñez, Tusquets

Aprovechando la calma de estos días de agobio climático he leído un libro que tenía pendiente desde hace meses: Apocalipsis y democracia, de Jordi Ibáñez. No es exactamente un libro “para el verano”, pero sí requiere tiempo y tranquilidad para leerlo. Es un libro de filosofía, de política, de religión, de ciencia (ficción). Es también una confesión y un diario. El libro empieza con un largo primer capítulo: Lo que oculta Saturno (febrero, marzo, abril 2025). Es el más denso, el más filosófico y el más riguroso, pero también el que despierta más preguntas. En la presentación del libro en el mes de marzo de este año, escuché a Jordi hablar de Peter Thiel, el magnate de la IA, el creador de Palantir, un hombre perturbador y perturbado, que tiene en sus manos un enorme, enorme, enorme poder. El libro habla de él, pero no de su influencia y su fortuna, habla sobre todo de su ideología. Y da miedo, mucho miedo. Y da mucho que pensar porque lo que pretende este personaje es acabar con las democracias tal como las hemos entendido hasta ahora, algo que estamos viendo en muchos lugares. Ibáñez habla sobre todo de los Estados Unidos de Donald Trump y J.D. Vance “El resultado no es el régimen autoritario y errático de un sádico con un brutal sentido del humor siempre a costa de los demás, sino un régimen totalitario aterradoramente tecnológico, sistemático y eficiente en las tareas de segregación, exclusión y eliminación.” Lo más duro de asumir es que el mundo al que aspira este Sauron con su Palantir (1) se parece a muchos otros aparentemente alejados de sus postulados. Jordi solo habla de Estados Unidos, pero se reconocen cosas más cercanas: “…Esta posición permite desentenderse de decisiones judiciales, degradar la vida parlamentaria bajo el dictado  autoritario de la presidencia y de sus partidarios, desacreditar la prensa manipulando burdamente la opinión pública, defender casi en términos libertarios el derecho a decir cualquier barbaridad mientras a la vez se empieza a ejercer la censura o a coartar la libertad de expresión y de cátedra…”  El segundo capítulo, Casi una confesión teológico-política, abarca mayo y junio del 2025; el tercero, Gaza y  la república tecnológica, está escrito en julio del 2025; el último Y 50, un epílogo, pasa en noviembre de ese año.  El propio autor reconoce e su libro puede quedar superado por los acontecimientos. En parte así ha sido, lo que no quita para que Apocalipsis y democracia sea un texto que quedará como memoria de un año decisivo: el del desenmascaramiento del poder destructor de la IA. El futuro es imprevisible, pueden pasar mil cosas, pero de momento algunas de las posibles consecuencias de este presente las tenemos en el cine. Tres películas sirven como ilustración, apoyo, iluminación a texto de Jordi Ibáñez. De ellas he escrito en el blog.

Elysium, Neil Blomkamp 2012 Movistar. (16 agosto 2013)

En el año 2159, los seres humanos se dividen en dos grupos: los ricos, que viven en la estación espacial Elysium, y todos los demás, que sobreviven como pueden en una Tierra devastada y superpoblada. Rhodes, una dura gobernante, promueve una rígida ley antimigración, cuyo objetivo es preservar el lujoso estilo de vida de los ciudadanos de la estación espacial….

No mires arriba de Adam McKay 2021 Netflix. (11 diciembre 2021)

Kate Dibiasky estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy hacen un descubrimiento tan asombros como terrorífico: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. El problema es... que a nadie le importa. Kate y Randall emprenden una gira mediática para advertir a la humanidad lo que les espera. Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente difícil y cómico…

Buena suerte, pásalo bien, no mueras, Gore Verbinski, 2026 Filmin. (11 abril 2026)

Una noche oscura. Un restaurante abarrotado. Un hombre con un detonador irrumpe proclamando que viene del futuro. Es la 117ª vez que regresa con la misma misión. Antes de que se acabe el tiempo, debe reclutar a un grupo de clientes del restaurante claramente no cualificados para detener el inminente apocalipsis de la inteligencia artificial y salvar a la humanidad de los peligros de las redes sociales…De lo que nos tiene que salvar esta mezcla de Robinson y Robin Hood es de un niño que está a punto de crear la Inteligencia Artificial que acabará con todo sumergiéndonos en un paisaje de zombies tecnológicos manipulados y controlados por no se sabe muy bien quién. Aunque el tono es de comedia absurda, con golpes de humor y situaciones extravagantes, lo que cuenta Buena suerte, pásalo bien, no mueras, es muy, muy serio. El hombre irrumpe en una cafetería típica americana. Entre los alienados clientes debe encontrar un pequeño grupo (la Compañía del Anillo versión 2.0) que le acompañe en su intento de llegar al niño antes de que se desencadene el Imperio de la IA. Hasta ahora no los ha encontrado, pero esta vez ¿lo conseguirá? Con ellos, y alguno más, nuestro viajero del futuro atraviesa una noche llena de peligros y llega hasta el niño (¿será Peter Thiel el pequeño malvado que crea la IA más destructiva imaginable?)…

(1)  En El señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien, un palantír (piedra vidente) es una esfera de cristal oscuro indestructible creada por los elfos. Sauron poseía la piedra de Minas Ithil  con la que podía ejercer su absoluta voluntad para controlar el mundo.

Como las cosas nunca suceden porque si, este mismo domingo acabo de leer un magnífico artículo de John Carlin en La Vanguardia: Se titula: Lo que más nos debe alarmar, y como no, habla de los enormes peligros de la IA. Si pueden léanlo.

El regalo de esta semana es un oasis de paz en medio del apocalipsis cotidiano, mientras haya ranas el mundo no todo está perdido.