MONOS

Imaginen una combinación entre El señor de las moscas de William Golding y El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. Piensen en el rodaje extremo de Deliverance de John Boorman o Apocalypse Now de Coppola. Y coloquen el resultado en un paisaje impresionante y peligroso, misterioso y arcaico en dos variantes: la del altiplano andino y el de la selva amazónica. Esto es más o menos Monos, uno de los mejores films latinoamericanos dirigido por el colombiano Alejandro Landes. Monos es la historia de un grupo de soldados paramilitares que se entrenan en un paraje salvaje de la alta montaña. No sabemos dónde estamos, no sabemos quiénes son, no sabemos porque luchan. No hace falta. Son universales, son casi niños. Se trata de ocho adolescentes obligados a una disciplina férrea ejercida por un instructor al servicio de La Organización. Este grupo de monos tiene dos funciones: cuidar de una vaca lechera, fundamental para la causa y vigilar a una doctora secuestrada no se sabe para qué. La primera parte de la película sucede en medio de este paisaje donde falta el oxigeno y la vida todavía puede parecer un juego. Pero cuando las cosas se complican por su propia estupidez, los monos se ven obligados a huir y se refugian en la selva donde su precario vínculo emocional y vital se resquebraja y todo comienza a desmoronarse entre ellos. Monos en realidad no viene de los animales, los simios, los monkies, aunque a veces los niños soldados lo parecen. Monos viene de mono, uno, único, diferente. Porque este grupo de seis chicos y dos chicas que viven en una burbuja de miedo y falta de moral, son individuos cada uno con su personalidad propia y todos juntos integran un mono único: el escuadrón entregado a la destrucción de algo que ni siquiera saben nombrar. El imponente páramo de Chingaza a 4000 metros de altura, donde se entrena el grupo, y el cañón del río Samaná en plena selva amazónica, en el que estalla la violencia y la desintegración del escuadrón, son los marcos físicos donde se rodó el film con enorme dificultad (eso es lo que la conecta con Coppola más que otra cosa). El resultado es una película de una gran belleza que también se puede entender como una denuncia de todas las guerras absurdas o ideas descabelladas, que arrastran a los más jóvenes en enfrentamientos de los que en realidad no saben nada, ni mucho menos, porqué lo hacen. Cine latinoamericano del bueno.

EL RINCÓN DE LAS SERIES

Una confesión.

Los seis capítulos de Una confesión, que se pueden ver en Movistar, narran una historia mil veces contada: un policía empeñado en resolver un crimen. Pero si solo fuera esto, quizás habría visto la serie (me encantan las historias de policías y ladrones) pero no hablaría de ella. Una confesión es algo más. Primero porque está basada en hechos reales y está construida casi como una crónica periodística. Segundo, porque lo que cuenta no es la investigación para encontrar al malo, (de hecho, éste se descubre muy ponto) sino como una legislación proteccionista consigue que la burocracia de las leyes acabe por convertir en víctima al que ha resuelto el crimen, más que al que lo ha cometido. El tema de esta serie inglesa, eficaz, sencilla, sin pretensiones, es el de cuestionar, no denunciar, la estricta regulación de los derechos de los detenidos. Cuando el detective Fulcher decide no seguir el procedimiento reglamentario porque piensa que aún puede llegar a tiempo de salvar a una persona, ¿está haciendo lo correcto o se está saltando la ley? Conseguir una confesión, la que da título a la serie, sin los avales obligatorios, ¿es válido o por el contrario, sirve para que el criminal se libre del castigo por una cuestión de forma? El derecho que asiste a cualquiera que sea detenido de tener un abogado antes de ser interrogado es incuestionable, pero como casi todo, la aplicación de la ley, las leyes, las que sean, tienen que tener una flexibilidad en función de las circunstancias. Ese el tema de Una confesión: qué hacemos con una reglamentación necesaria, pero demasiado rígida, promulgada como contrapeso a comportamientos policiales poco recomendables, pero que ahora y aquí, debería ser utilizada con cierta libertad. Da qué pensar.

REGALOS

Esta semana voy a dedicar la entrada a tres propuestas que me han llegado gracias a escuchar las sugerencias de amigos. Son tres regalos. De las dos películas interesantes que se han estrenado, Sinónimos de Navad Lapid y El huevo del dinosaurio de Wang Quan'an, hablaré al final del texto.

Primer regalo, una película en Netflix: Atlantique

Descubrí este film gracias a Marta Armengou que me encargó una pieza para el programa La Cartellera de BTV. Creo que si no hubiera sido por ella, nunca me habría enterado que se había estrenado, perdido en el inmenso marasmo de títulos que aparecen cada semana en las plataformas. Atlantique es una película africana, de Senegal. Está dirigida por una mujer, Mati Diop, la primera mujer de color (y una de las pocas mujeres, sean del color que sean) que participa en la Sección Oficial del Festival de Cannes donde ganó el Gran Premio Especial del Jurado el año pasado. La historia de Atlantique sucede en Dakar, capital de Senegal, en un suburbio de la ciudad donde se está construyendo un rascacielos. Cuando empieza la película nos encontramos con los trabajadores de ese rascacielos que hace meses que no cobran. Uno de ellos, Souleiman, está enamorado de Ada, una chica de 17 años prometida por su familia a un rico empresario. La crisis económica lleva a Souleiman y sus compañeros a adentrarse en el océano en una patera con destino a España. Este es el arranque. Pero a partir de aquí, la película se centra en Ada y sus amigas, las novias de los que han partido, y el film da un vuelco al convertirse en una historia de fantasmas, de extrañas posesiones, de venganza y de amor eterno. La herencia mestiza de Diop, padre senegalés, madre francesa, le permite acercarse a la tierra de sus ancestros africanos con una mirada no colonialista, sino integradora, en la que la magia de la tradición africana se entremezcla con la modernidad de los teléfonos móviles y los ordenadores, en una aventura que descoloca al espectador acostumbrado a ver un cine africano que, o bien retrata la miseria y la crisis social, o es esotérico y fantástico, pero casi nunca las dos cosas juntas. Historia de amor con fantasmas de hombres muertos que vuelven para reclamar lo que les pertenece, mezclada con una investigación policial sobre el origen de unos extraños incendios, el film discurre entre el caos de una ciudad ruidosa y la serenidad de un mar donde cada año mueren tantos jóvenes africanos. En su estreno en Cannes, Atlantique desconcertó a la crítica internacional que no supo apreciar el delicado equilibrio entre un cine muy físico y un relato muy poético. Quizás eso explique que, a pesar del premio, Atlantique no se haya estrenado en cines. Por suerte Netflix la ha recuperado y gracias a eso se puede ver. Si tienen ganas de descubrir un tipo de cine distinto, búsquenla.

 Segundo regalo, un libro: Canto jo i la muntanya balla

Este libro me lo recomendó mi hermana Mireia. El título es muy bonito: Canto yo y la montaña baila. Es de Irene Solà, ganó el Premi Llibres Anagrama de Novel.la, y está escrito en catalán, aunque hay una versión en castellano. Cuando lo leí, entendí porque mi hermana me lo recomendaba. Tiene mucho que ver con el tipo de narraciones que yo misma cuento, que yo imagino, que me gustan. En esta historia de historias, todas escritas en primera persona sean seres reales o no los que la cuentan, hay una Historia que las une a todas de principio a fin: la del hombre que muere atravesado por un rayo, su mujer, sus hijos. Pero eso no lo sabemos al principio cuando conocemos a las cuatro damas de agua, las brujas buenas, y vamos desgranando el relato pasando de uno a otros de las setas al cabritillo, de la poesía a la memoria, de la nieve a la luna, del oso al fantasma. Retazos de vida en los Pirineos que van dibujando un paisaje donde todos y todo tiene algo que decir, algo que hace avanzar la historia del hombre, su mujer, sus hijos. Es un libro precioso, con un catalán tan bien escrito como rico en matices. Su estructura en capítulos cortos es perfecta y fácil de seguir y el mundo que sugiere, el de ahora mismo, porque pasa ahora y aquí, es tan evocador que acabas el libro pensando que quieres irte a esas montañas, conocer a las damas de agua, ver la casa de Mia, correr con la perra Luna o encontrarte con el hombre oso. El libro acaba con esta frase: “Y entonces se hará de día. Primero de color gris, después de color azul y después de color amarillo”. Y nosotros lectores, estaremos sumergidos en el mundo donde se canta y la montaña baila.

Tercer regalo, una serie: Undone, en Amazon

Me habló de esta serie de Amazon, el director Ida Cuéllar y en cuanto llegué a casa la busqué. Y me apasionó. Undone es una creación de Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdy, responsables de BoJack Horseman, otra serie completamente loca de dibujos animados.Está realizada con el sistema de Rotoscopia, un particular sistema de animación que consiste en pintar o mejor dicho, iluminar, los fotogramas filmados previamente con actores. Pero si los creadores son una garantía y la técnica es fascinante, lo que hace de Undone algo único es su historia. Una sinopsis rápida diría: Alma tiene 28 años, vive con su novio Sam. Tiene una hermana pequeña, Becca, que está a punto de casarse. Su padre murió cuando tenía once años dejándola abandonada en una esquina, vestida de Dorothy en El mago de Oz. Alma es mestiza de padre judío y madre mexicana. Es sorda desde pequeña, pero lleva un implante que le permite oír perfectamente. Alma se aburre y la atormenta pensar que su vida será una rutina diaria siempre igual. Hasta que una noche, tiene un accidente de coche. Permanece en coma un tiempo y cuando se despierta, su percepción del mundo ha cambiado: ve a su padre muerto y es capaz de moverse en distintos planos temporales. A partir de aquí, Alma se embarca en una misión, averiguar quién mató a su padre. Esta es la historia, pero lo que pasa en esta serie, divertida, inteligente y muy sugerente, es mucho mas complejo. Alma está literalmente dividida entre dos realidades: la vida y la muerte, pero también, la herencia judía y la herencia mexicana; oír o no oír; la vida cotidiana y la vida imaginada; la memoria y los recuerdos; la realidad de la vida o la que aparece ante ella cuando cambia de plano. ¿Es Alma una enferma mental, es una poderosa chamana? Undone habla de temas de física cuántica muy complicados relacionados con los distintos planos de la realidad, los viajes en el tiempo, la posible alteración de la historia, pero lo hace con una sencillez desarmante, sin perder el sentido del humor,  y sin ninguna trascendencia. Eso es lo mejor, su falta de pretensiones al plantear cuestiones aparentemente difíciles. De momento hay ocho  episodios de 25 minutos, pero espero que no tarde en tener una continuación. No puedo dejar de pensar que pasará con Alma.

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Dos apuntes de cine

Sinónimos

Heredera del cine del Godard de la primera época, la historia de Yoav, el joven israelita que lo pierde todo al llegar a París y se niega a hablar en hebreo, renunciando a su país y todo lo que significa, es una película política, con un humor extraño y sutil que se desprende de las situaciones inesperadas y absurdas que vive el personaje con su inexpresividad permanente. Sinónimos ganó el Oso de Oro en Berlín el año pasado con esta propuesta arriesgada formalmente, apoyada en el personaje salvaje de Yoav interpretado por un actor de teatro de una fuerte presencia. La imagen de Tom Mercier enfundado en su abrigo amarillo y mirando el suelo, pasará a ser icónica de una cierta rebelión muy contemporánea.

El huevo del dinosaurio

El huevo del dinosaurio es una película diferente como diferente es el mundo que retrata, esa estepa mongola en la que se confunde el cielo con la tierra, donde aparece el cadáver desnudo de una mujer. A partir de este inicio de cine negro, el filme deriva hacia la historia de una pastora indómita, libre, capaz de enfrentarse a los lobos y a los hombres. Hermoso, lento, divertido, El huevo del dinosaurio nos demuestra que hay muchas formas de vivir en el mundo. Es un soplo del aire limpio de la estepa mongola.

RESISTENCIAS

( esta flor me ha venido a la cabeza mientras escribía, por eso la pongo)

Vida oculta

Un Terrence Malick siempre es un Terrence Malick. Hay de sublimes, hay de menos interesantes, hay algunos que se pierden un poco, pero siempre, siempre, hay algo que distingue y hace interesante su cine. Malick es un caso único. Cuatro películas en treinta años, las cuatro poderosas, importantes, de las que se quedan en la memoria, habían hecho de él un personaje de leyenda, un independiente no solo del cine, sino de la vida. Y luego, en 2011 nos regala uno de los mejores films de siempre El árbol de la vida y a partir de ahí, le entra una especie de frenesí que le lleva a dirigir tres largometrajes (irregulares), un documental monumental Voyage of Time y varios cortos  en apenas siete años para desembocar en esta Vida oculta en la que recupera parte de su buen pulso narrativo, sin perder ninguna de las constantes de su estilo, en el que el paisaje y la espiritualidad se conjugan en un relato narrado desde dentro. La historia de Franz, el campesino austriaco que se convirtió en el primer objetor de conciencia cuando se negó a jurar fidelidad a Hitler en 1943, se empareja aunque parezca una barbaridad con la de Kit, el adolescente de Malas tierras que se niega a jurar fidelidad a la sociedad convencional. Y el amor de Bill y Abby en Días del cielo se reconoce en la fidelidad y lealtad que tienen Franz y su esposa Fani, capaz de hacerles enfrentarse a un mundo en el que no tienen cabida. En cuanto a la apelación a una fe que es tabla de salvación para Franz, también estaba en La delgada linea roja, aunque se tratara de otra fe. Filmada con un gran angular al que hay que acostumbrarse, la belleza de sus imágenes es tan grande como la de El árbol de la vida. Con todo esto quiero decir que Malick sigue siendo fiel a si mismo, a la voz en off, a las palabras susurradas, a la belleza de las montañas y los prados y los cielos. Quizás no eran necesarias tres horas para contar esta historia, no lo sé, creo que a lo mejor hacían falta porque el tiempo dilatado que sufre Franz en su calvario, es muy físico y el espectador acaba sintiéndolo en la segunda hora, la de la cárcel. Quizás no hacía falta que los personajes hablaran en inglés cuando son austriacos, no lo sé, pero creo que si no hablaran en inglés, en Estados Unidos nadie habría ido a ver la película y Malick quería que fueran. Y pensaran. Y creyeran en la fuerza de la dignidad en un mundo cada vez mas indigno. La crítica, internacional y nacional, cargó duramente contra el film cuando se pasó en Cannes. Es comprensible. La crítica más progresista no suele llevar bien una carga espiritual o metafísica, y menos si es de matriz cristiana o católica; la crítica más reaccionaria no responde bien ante las denuncias de la injusticia del poder arbitrario. Resultado: a nadie le gusta. A mí me parece que es una de aquellas películas que recomendaría con cuidado. Vayan a verla si están dispuestos a aceptar estas premisas: belleza, voz en off, mensaje de redención. Si no, mejor no vayan. Yo la disfruté, pero mi experiencia no tiene porque ser compartida.

Solo nos queda bailar

Este film sueco que pasa en Georgia, también habla de resistencia. De otro tipo, pero al fin y al cabo, una resistencia a los que detectan el poder y establecen sus reglas inamovibles contra las que nada se puede o se debe hacer. Estamos en Tiflis ahora mismo. Merav es un bailarín de la Compañía Nacional de Danza Tradicional Georgiana. La danza es el gran tema de esta película. Una danza masculina, viril, una mezcla de regaton y kung fu, se me ocurría mientras la veía, pero de una gran belleza en sus gestos, en sus figuras, en sus enfrentamientos. Una danza de hombres para hombres en la que las mujeres juegan, como en la vida real de ese país, un papel secundario. Pero Merav es diferente, Merav tiene una pulsión homosexual que le lleva a obsesionarse con un nuevo bailarín fascinante y atractivo. Y eso, en la Georgia heredera del mundo soviético, es algo no solo prohibido, sino inconcebible. En la danza tradicional no hay homosexuales, faltaría más. Viviendo en la Europa Occidental a veces nos olvidamos que hay todavía muchos lugares no tan lejanos ni exóticos, donde conquistas sociales y morales plenamente asumidas en nuestra sociedad, se cuestionan, se prohíben y se persiguen. Georgia, como Ucrania o la propia Rusia, son sociedades muy reaccionarias, muy tradicionales, muy religiosas y conservadoras, en las que la libertad individual de ser quién quieres ser, es un desafío constante. Merav no se arriesga a la muerte como Franz en Vida oculta, pero si se arriesga a perderlo todo al plantar cara y bailar la danza georgiana con un aire nuevo, delicado y hermoso. No es una historia de amor homosexual, es una historia de búsqueda de la libertad. Solo nos queda bailar es, además, un gran espectáculo.

Kirk Douglas

El gran carnaval, Dos semanas en otra ciudad,  Cautivos del mal, Retorno al pasado, El  loco del pelo rojo, Los vikingos, Ulises, Espartaco, Senderos de gloria,  El dia de los tramposos, Veinte mil leguas de viaje submarino, Duelo de titanes, El compromiso, Siete días de mayo, La pradera sin ley… son las películas que me han venido a la memoria al saber que Kirk Douglas había muerto. Forman parte de mi paisaje cinematográfico y vital, de algunas me acuerdo cuando las vi por primera vez la mayoría las he visto tantas veces que me las sé de memoria. Douglas tenía algo especial, no era guapo pero si muy atractivo. La cámara le adoraba y conseguía dar a todos sus personajes algo de si mismo. Era el último grande, de eso no hay duda. Para la gente mas joven, es un actor de Filmoteca y de sábado por la tarde en televisión. Pero los que tuvimos la suerte de ver sus películas en estreno, Espartaco sobre todo, es un rostro, una mirada, un hoyuelo, unido a nuestra memoria personal. Y eso, no nos lo quita la muerte.

José Luís Cuerda

Y hablando de muerte tengo que recordar a José Luis Cuerda, un director que era una contradicción en si mismo. Su aspecto de venerable abuelo, se contradecía con su fina ironía, su capacidad crítica y una saludable falta de respeto a lo establecido. Su cine no siempre reflejó este lado ácrata, aunque Amanece que no es poco, es una película fundamental en este sentido. Como lo son La marrana, Así en el cielo como en la tierra, y en cierto modo Tiempo después. Cuerda tenía otro lado más convencional, más políticamente correcto que gustaba mucho a la crítica: La lengua de las mariposas o Los girasoles ciegos. Este también era Cuerda en ejercicio de esa esquizofrenia que le hacía ser un compañero de mesa estupendo porque nunca sabías por donde iba a salir. Me alegro mucho de haberlo conocido, me alegro mucho de haber tenido ocasión de discutir con él y reconciliarme con él. Me sabe mal que se haya ido, creo que aun podía haber hecho más películas políticamente incorrectas o correctas, me da igual.

MI GRAN PEQUEÑA GRANJA

Esta semana de estrenos ni malos ni buenos, solo voy a hablar de una película. Un documental norteamericano que se llama Mi gran pequeña granja. Me gusta mucho por lo que cuenta y por cómo lo cuenta. Es la historia de John y Molly Chester, que en el año 2010 decidieron dejar su cómoda vida en Los Ángeles (él es un documentalista con varios premios, ella es chef de cocina), para hacer realidad un sueño: crear de la nada una granja de cultivo tradicional en equilibrio con la naturaleza. La formación de documentalista de John le llevó a filmar el proceso desde el primer día, pero no fue hasta el quinto año, cuando se dio cuenta que tenía material para hacer una película que recogiera toda la experiencia. Comenzó a montar al mismo tiempo que seguía  filmando, con la colaboración de la gente que trabaja en la granja a la que dejaba libertad para filmar lo que les pareciera interesante. Narrado por él, el resultado es un documento estupendo de cómo se puede transformar un desierto en un vergel con inteligencia, trabajo, imaginación y dinero bien invertido. No es una utopía, es una realidad. No es un paraíso es un mundo nuevo surgido de la nada. Un film alegre, esperanzador (lo he leído en una crítica y estoy de acuerdo) que demuestra que la colaboración entre las especies  es el camino para el equilibrio con la naturaleza. Apricot Lane Farms es la prueba de que se puede aspirar a mejorar la vida de todos. Viéndolo, me preguntaba porque no hay mas Johns y Mollys en los países africanos, tan ricos en suelo, en naturaleza, tan pobres en ideas y sobre todo, tan explotados y abandonados en todos los sentidos. Volví a verlo hace un par de días y pensé que podía hacer una pequeña guía de la granja utilizando frases de la narración de John:

Abejas

Cuando llegaron estaban todas muertas. Unos años más tarde había enjambres en toda la granja. “Sin duda es una buena señal. Los árboles frutales están bastante felices también”.

Alan York (el amigo)

Experto internacional en granjas de cultivo tradicional. Sus ideas están en la base y en los logros de Apricot Lane Farms: “La idea es emular el funcionamiento natural de los ecosistemas. Se auto regulan gracias a la diversidad para no sufrir epidemias, plagas o enfermedades”.

Animales

Tenían todos los animales que se pueden soñar en un cuento infantil. Todos con una función. “Su mierda era nuestro oro…Tratar de salvar a los animales que un día serán comida, desarrolla un vínculo natural y eso es algo que no tengo procesado del todo”.

Apricot Lane Farms (la granja)

Si quieres saber más de Apricot Lane Farms, esta es su web: https://www.apricotlanefarms.com/

Armonía

“Viviríamos en perfecta armonía con la naturaleza… Para que todo funcione en armonía hay que equilibrar… El truco está en equilibrar las necesidades de la granja con las de la naturaleza. .. El ecosistema de todo nuestro planeta funciona del mismo modo”.

Belleza

“La compleja belleza de nuestra tierra está viva y alberga millones de posibilidades”.

Caracoles

“A los caracoles les encantan los cultivos de cobertura y les chiflan las hojas de nuestros árboles cítricos, lo que comporta que los árboles dejen de dar fruta”.

Coyotes

Atacan las gallinas y los patos. Son una amenaza, pero hay que pensar la forma de utilizarlos, no matarlos simplemente. “Junto con el coyote murió una parte de mi creencia en el poder de un idealismo inflexible”.

Cultivos de cobertura

Los cultivos de cobertura, son cultivos que se siembran con el objetivo de mejorar la fertilidad del suelo y la calidad del agua, controlar malezas y plagas, e incrementar la biodiversidad en sistemas de producción agro ecológicos. (de Internet)

Diversificar

“Es la clave de todo. La complejidad y la diversidad se ayudan y potencian la una a la otra. Veréis una red de vida”. (A York)

Emma (la cerdita)

El día que llegó la granja se completó. Tiene 17 crías en su primer parto. Está muy enferma, a punto de morir. Pero se recupera. Vive con el gallo Greasy. Es el emblema de la granja.

Fruta

Cultivan 75 variedades de frutas con hueso. “La cesta de frutas, es un importante campo de árboles frutales por sus variedades únicas y especiales. Eso es lo que nos da una ventaja en el mercado. Cuando entramos en nuestra tercera primavera, se ha convertido en un paraíso”.

Fuego

“Es el fuego mas grande jamás registrado. Creo que estamos rodeados por tres fuegos… Nuestras buenas intenciones para con la naturaleza no nos protegerán de enfrentarnos a su impermanencia… Si algo hemos aprendido es que el impulso y la esperanza alimentan la suerte, que puede ser algo tan simple como que los vientos cambien de dirección”.

Granja

“La granja tendría árboles frutales, huertos, animales; cultivaríamos albaricoques, melocotones, ciruelas, nectarinas, cerezas, pomelos, guayabas. El huerto tendría flores, hierbas aromáticas, como una granja tradicional del pasado. Sería una vida llena de sentido”.

Greasy (el gallo)

“Es un gallo apaleado y rechazado que necesitaba una casa segura. La coexistencia no se puede forzar”. El gallo se queda a vivir con Emma la cerdita y los dos se hacen compañía.

Intenciones

“Tener buenas intenciones no te protege de las desilusiones y los problemas”

Inversores

“Encontramos inversores que vieron un futuro a esta vieja forma de cultivar”.

John Chester

Conocido director de documentales ha ganado cinco Emmys. Lo dejó todo en 2010 para crear Apricot Lane Farms junto a su mujer Molly.

Lombrices

“Construimos un palacio de proporciones gigantescas para recoger caca de lombriz, lo que Alan llamaba el santo grial del alimento para la tierra.”

Molly Chester

Chef y bloguera muy conocida en Los Ángeles. Lo dejó todo en 2010 para crear Apricot Lane Farms con su marido John.

Monocultivo

La granja está rodeada de grandes granjas de monocultivo.

Moorpark California

Un terreno abandonado de más de 80 hectáreas a una hora al norte de Los Ángeles donde se construyó Apricot Lane Farms.

Naturaleza salvaje

“Está volviendo a nuestra tierra”.

Observación

“La observación seguida de la creatividad es nuestra mejor aliada”.

Patos

“He encontrado algo que a los patos les gusta mas que el estanque. En solo una estación devoraron más de 90.000 caracoles y lo mejor de todo, los convirtieron en fertlizante para los árboles”.

Perros

Caya y Rosie, los perros pastores.

Plaga

“Cada paso que damos para mejorar nuestra tierra, parece crear el habitat perfecto para la siguiente plaga”

Plantas

“Las plantas construyen la tierra. Sin plantas no puede haber fertilidad. Cuanto mas sanas están las plantas, mas pulgón tienen. Cuanto mejor está la fruta, mas pájaros aparecen”.

Problema

“Un problema lleva a una oportunidad… El pasto sobrante es comida para las ovejas… A cada problema que aparecía, primero daba un paso atrás y lo contemplaba. Cuantas más vacas y ovejas, más estiércol. Para las moscas, ésta es la comida para sus crias, las larvas. Pero me di cuenta que las larvas son más comida para las gallinas. Eso redujo la población de moscas a un nivel asumible para coexistir”.

Productos

Más de 200 productos se cultivan y producen en la granja.

Ruinas

“Encontramos las ruinas de la granja de gallinas ponedoras mas grande del mundo, Egg City. Las gallinas ponían 2 millones de huevos al día”.

Salud

“La salud de los alimentos está determinada por la forma en que se cultivan”.

Sequía

“Esta sequía se ha convertido en el periodo mas seco en California en  años. Cuando intentamos conservar agua en ciertas partes de la granja, nos damos cuenta de otro hecho muy relevante. Dependemos completamente del acuífero, una fuente finita de agua subterránea que depende de la lluvia. Igual que nosotros”.

Séptimo año

“Alan nos dijo, que al séptimo año no estaríamos solos en la granja. Y tenía razón. Veréis cosas que no habíais visto jamás”.

Tierra

“La tierra estaba muerta y no teníamos idea como resucitarla. Los animales, el compost y los cultivos de cobertura cumplen el mismo objetivo: resucitar nuestra tierra Todo gira en torno a la salud de la tierra”.

Todd (el perro)

“Lo tenían en una jaula pequeña junto con mastines del Pirineo gigantes, tres veces mas grandes que él. Todd nos dio la motivación. Le prometimos una cosa: nuestra casa sería su última casa. No podíamos abandonarlo. Y nos iluminamos. El sueño de Molly era la respuesta a todo. Cuando Todd murió, la pregunta de quién salvó a quién no era un misterio. Él nos trajo a esta belleza inter conectada que nos rodea”.

Topos

Una plaga que acaba con los cultivos. “Con Rosie la perra cuidando las gallinas, los coyotes se centran en cazar topos. Todas las plagas, hasta los topos, tienen su papel contributivo. Por un lado airean los suelos, pero si tienes muchos topos son un problema. Ahora la ironía es que no tenemos suficientes coyotes para equilibrar la población de topos. Este año hemos contado 87 lechuzas que se han comido una cifra estimada de 15.000 topos”.

Vía Láctea

“Cada vez que veo la Vía Láctea me siento cautivado por su complejidad. Y aún así es fácil olvidar que la Tierra es una parte de ella. Es casi imposible de entender que yo estoy dando vueltas dentro de eso, de lo que veo”.

Viento

“Y no nos olvidemos de una cosa, aquí existe una quinta estación. La estación del viento”.

Esta semana acabo aquí. Con ganas de plantar algo, aunque sea en una maceta. (Los dibujos son de Ramon, alguno hecho expresamente para esta entrada, menos el de la vaca que es de Zoe)

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Una de esas extrañas coincidencias ha hecho que se estrene este documental justo cuando los agricultores españoles han estallado y han saltado a la primera plana de la actualidad con sus protestas. La agricultura es fundamental para la sociedad: sin comida no hay vida (y entiendo por comida, vegetales y animales). Pero es una actividad que hay que respetar en primer lugar y regular en segundo lugar. No se puede despreciar como “un movimiento de las derechas”. Los agricultores no son ni de derechas ni de izquierdas: lo que son es una parte imprescindible de la sociedad a la que se ha dejado de lado. Los mercados marcan los precios sin tener en cuenta a la gente del campo que sufre las consecuencias de incrementos de precios en los materiales (energía), padece las inclemencias (del clima cambiante y feroz) y es tradicionalmente olvidada (cuando no despreciada) por las clases dirigentes. No creo que la solución sea que todo el mundo tenga granjas como Apricot Lane Farms. Los nacionalismos más ultramontanos, amparados en ideas de un ecologismo reaccionario y proteccionista, promueven lo que se llama productos de proximidad solo como idea, sin proporcionar los medios para que eso sea sostenible y posible. No se trata de cultivar tus tomates en una maceta (como me gustaría hacer a mí). Se trata de diversificar la producción agrícola para no depender del monopolio de los precios de determinados productos; se trata de equilibrar la producción para no tener el campo parado durante meses; se trata en definitiva de mirar el sector con ojos del siglo XXI y no del siglo XIX (los tradicionalistas que sueñan con volver al mundo feliz del ruralismo mas atrasado), ni del siglo XX (los que defienden un mercado capitalista monopolizado en grandes explotaciones que solo enriquecen a los que viven lejos de los surcos). No sé cual es la solución, pero creo que lo primero que hay que hacer es respetar un trabajo (y unos trabajadores) sin los que la vida no podría existir.

ESPECIALES

Esta semana personajes especiales en cuatro estrenos y una serie que también habla de especiales

Mujer especial 1

Ema

Ema es joven bailarina, guapa, extraña. Ema intenta convivir con Gastón, el coreógrafo. Tiene un hijo adoptado al que ha dado en adopción por ser incapaz de criarlo, educarlo, Quererlo si lo quiere, pero no sabe cómo. Su drama es múltiple y su manera de enfrentarse a sus distintas caras es bailando un reggaeton urbano y salvaje, hermoso y fascinante. Ema baila en Valparaíso una ciudad chilena invernal y luminosa. Ella también es luminosa, pero tiene una pulsión de fuego. El fuego acompaña a Ema en su búsqueda de una redención. El director chileno Pablo Larraín se arriesga mucho en este film musical que no es de género, este melodrama en el más estricto sentido del término, experimental y valiente en el retrato de una mujer, y por extensión una generación, que no acaba de encontrar su lugar en el mundo. Espléndida la rubia Mariana di Girolamo, inquietante e hipnótica en sus movimientos y en su figura siluetada contra el horizonte. Me gusta mucho.

Mujer especial 2

Petrunya

De Petrunya ya hablé en este blog cuando estuvo en Barcelona la directora de Macedonia del Norte Teona Strugar Mitevska, pero vuelvo ahora a ella al estrenarse Dios es mujer y se llama Petrunya. Petrunya es otra mujer especial, no al principio del film cuando la conocemos como una desaliñada y aburrida joven más bien fea sin ninguna aspiración en la vida. Pero poco a poco, siguiéndola en ese día y esa noche en la que su vida da un vuelco porque ella quiere, va ganando singularidad y belleza. Petrunya se enfrenta a la mas férrea tradición representada por su madre (la vieja Yugoslavia late en su intolerancia), la iglesia ortodoxa (quizás la mas reaccionaria y atrasada de todas las iglesias cristianas), el estado representado por la policía (la mas inútil e incompetente de las administraciones), y el pueblo, la gente (el patriarcado, el machismo, la servidumbre y las humillaciones son patrimonio de la humanidad). Petrunya los desafía a todos completamente sola. Aunque al final encontrará dos aliados inesperados. Esta divertida y feroz sátira contemporánea sobre el machismo y la estupidez, le habría encantado a Rafael Azcona. Tiene su aroma. Disfrútenla.

Mujeres, hombres, niños, seres humanos especiales

Sobre lo infinito

El primer especial de estos seres especiales es el director sueco Roy Andersson, un hombre que ha creado un corpus fílmico único que le identifica como uno de los más personales e inclasificables creadores europeos. Y digo creador y no solo director, porque lo que hace este hombre con su cine es crear cuadros vivientes, imágenes de plano fijo donde los personajes se mueven, poco, hablan, menos, y transmiten sensaciones, muchas. Sobre lo infinito parte de una imagen sacada de un cuadro de Marc Chagall, una pareja flotando sobre el infinito, flotando sobre un universo narrado por una voz de mujer que nos cuenta lo que ha visto. Ha visto hombres, ha visto mujeres, ha visto gente. Y a ese gente le pasan cosas, muy pocas, en las que todos nos podemos reconocer en uno u otro momento. Con una paleta de colores grises y tierras y figuras estáticas recortadas en un escenario, Andersson produce una sensación de hipnosis fascinante, quizás no apta para todos los públicos. Incluso quizás no apta para su público si no tiene el estado de ánimo que la acompañe. Lo más parecido que me viene a la cabeza es una visita a un museo donde vas viendo los cuadros y cada cuadro te sugiere una idea, y cada idea te provoca una impresión. Y nunca, aunque repitas la visita al museo, son los mismos cuadros, ni las mismas ideas, ni las mismas impresiones. Ver esta película es una aventura parecida.

Mujer especial 3

Liu Aiai, la belleza del lago

El lago es el del ganso salvaje, la película china de Diao Yinan. En esta extraña y romántica historia de bandas mafiosas, policías implacables, y traiciones, la figura de Liu Aiai, la actriz china Lun Mei, emerge como una figura entre fantasmal y romántica, ambigua en su comportamiento, una belleza del lago, una prostituta que busca la redención tanto como la busca el protagonista, Zhou Zenong, jefe de una banda obligado a huir durante un día y dos noches acompañado solo por esa belleza del lago de la que no sabe si puede, o no, fiarse. Cine negro radicalmente chino, estoy segura que este film dirigido por el “poeta de la noche”, como se conoce a Yinan, le habría gustado mucho a Nicholas Ray por el romanticismo de la historia y por el escenario nocturno, de sombras, luces, colores y nieblas en el que las calles vacías crean una atmósfera de ensueño en medio de un territorio pantanoso y oscuro que surge del lago del ganso salvaje que da titulo al film (una aclaración, ¡se ve todo!, es la prueba de que rodar de noche no significa no ver lo que pasa en la pantalla, como sucede en tantos y tantos films). Nunca se identifica la ciudad en la que estamos, pero leyendo una entrevista con el director me encontré con esta declaración: “La película tiene largas escenas rodadas en el agua. Hay muchos lagos en la ciudad de Wuhan, que se conoce como la “ciudad de los cien lagos”. Es una ciudad muy grande. Los muelles, junto a la industrialización y el desarrollo urbano, traen consigo una sorprendente variedad de escenas. Junto al director de fotografía, Dong Jingsong, no dudé mucho en decidirme por la localización. Sin embargo, no tenía la intención de presentar una ciudad de Wuhan realista. Para mí, la historia transcurre en una ciudad indeterminada del sur de China, en un espacio abstracto.” El nombre de Wuhan me llamó la atención. Nunca antes había oído hablar de esa ciudad china, pero pocos días después, ha aparecido en todos los medios comunicación por ser el origen de un extraño virus que, una vez mas, amenaza con una pandemia que acabará con la humanidad y mantiene a 40 millones de chinos en cuarentena y sin información clara de lo que sucede. Y para redondear las casualidades, esta misma semana he visto una serie que tiene mucho que ver, no con China, ni los gansos salvajes, pero si con un virus amenazante y peligroso, en muchos sentidos.

EL RINCÓN DE LAS SERIES

Utopía

Utopía es una serie británica con seis años de antigüedad. Son doce capítulos en dos temporadas producidos en 2013 y 2014 que se pueden ver en Filmin. Utopía es una de las series sobre conspiraciones y tramas ocultas del poder mas adictivas y sobre todo creíbles, además de ser una preciosidad en el concepto de las imágenes por su composición geométrica y el uso de los colores. Pero la auténtica importancia de la serie son sus personajes y su trama. Cuatro personas absolutamente normales, pero menos dada su afición a frecuentar un foro de frikis de un cómic apocalíptico llamado Utopía, se encuentran metidos es una conspiración de grandes dimensiones, perseguidos implacablemente por La Red, sin saber exactamente quién es amigo y quién es enemigo. Junto a ellos una mujer, Jessica Hyde, el centro de la historia, se convierte en su guía y en su maldición. Y contra ellos un hombre sin sentimientos, un asesino que intenta entender por qué es como es. Todo sucede en una Inglaterra y por extensión, un mundo, sumido en la amenaza de una epidemia de gripe rusa (y ahí es donde conecta con la noticia del virus chino). Lo que se oculta tras esa supuesta (o real) amenaza, es el cuerpo de una serie creada por Dennys Kelly donde la violencia se ejerce como en los cómics, sin matices, y los personajes responden a impulsos incontrolados. La primera temporada se estrenó en Gran Bretaña con un escaso éxito, pero generó una auténtica legión de fans que llevó a rodar una segunda temporada, más negra (y al mismo tiempo más colorida), más siniestra (y al mismo tiempo mas irónica) y más clara en su denuncia de las tramas que se esconden detrás de todas las grandes amenazas que sirven para mantener el miedo en el cuerpo de la población mundial. Quizás por eso no se renovó para una tercera temporada. Quizás hubo fuerzas políticas a las que no les gustó que a lo mejor se acercara más de lo necesario a la realidad. En todo caso, ahí está para disfrutarla y para pensarla. (Leo hoy mismo que los americanos están preparando un remake en HBO de la serie, veremos si tienen más suerte y pueden hacer una tercera parte que nos desvele que les pasa a Ian, Becky, Grant, Wilson y Jessica Hyde, sin olvidarnos de Pietre).

CONSEJOS

Los consejos de Alice

Hay películas que aparecen en el momento justo, cuando más falta hacen. Es el caso de estos consejos de Alice que en versión original se llama Alice et le Maire, Alice y el Alcalde. Por una vez el título castellano es casi más adecuado que el original, porque la película de Nicolás Pariser va de eso, de aconsejar, mejor dicho, de hacer pensar. Leyendo los periódicos de este viernes 17 de enero en que escribo el texto, no puedo dejar de desear que en este país hubiera más Alices(y menos Ivanes) para aconsejar a los alcaldes y alcaldesas y en general a los gobernantes que nos rodean. El continuo gotear de ideas peregrinas o simplemente estúpidas, con el que nos inundan nuestras preclaras autoridades, debería pasar por el cedazo de las preguntas y consejos de alguien que simplemente aplicara el sentido común a la política. Pero bueno, vamos al film. El alcalde de Lyon, un espléndido Fabrice Luchini, lleva treinta años en política y se ha quedado sin ideas, está vacío, no se le ocurre nada. Está rodeado de asesores, secretarios, aduladores que le ríen todas las gracias y no se atreven a decirle nunca lo que piensan. Pero estamos en Francia y ésta es una película francesa dirigida por un hombre, Pariser, que viene de estudiar derecho, filosofía y arte. Una persona que concibe la política como un bien común y por eso, al plantearse que le pasa a un político sin ideas, en lugar de imaginar un publicista que le venda mejor en el mercado, recurre a un intelectual que le cuestione y le haga entrar en contradicción. Para que el juego sea más estimulante, Pariser hace que el personaje sea una mujer joven sin experiencia política, con una enorme capacidad para provocar en el alcalde preguntas y respuestas de gran sensatez. Alice llega al ayuntamiento de la ciudad sin saber muy bien que tiene que hacer y por eso despierta la hostilidad de todos los funcionarios del aparato y descoloca al alcalde con su manera de comportarse. Todo en este film inteligente y divertido, gira entorno a Alice y el alcalde y si funciona tan bien es porque entre la actriz, Anaïs Demoustier y Fabrice Luchini se establece una relación de respeto y de igualdad muy parecida a la que tienen Alice y el alcalde. Rodada en 35 mm., la realización de la película crece al tiempo que su relación personal/profesional, pasando del plano contraplano de sus primeros encuentros, siempre interrumpidos por algo o por alguien, hasta un largo plano secuencia en el que juntos escriben un importante y definitivo discurso. Se habla mucho en esta película, casi tanto como en las de Rohmer, lo cual no es extraño si pensamos que El árbol, el alcalde y la mediateca, es uno de los films de referencia de Pariser. Pero no solo se habla de política, se habla de la vida, de los deseos, de qué hacer en el mundo. En ese sentido vale la pena recordar otro de los referentes del director, Sacha Guitry y en concreto Si Versalles pudiera hablar, de 1954. Y desde luego El ala oeste de la Casa Blanca de Aaron Sorkin que viene a la memoria en algún momento, aunque los mecanismos de poder en Estados Unidos son muy diferentes de los europeos. Ligera, suave, muy entretenida inteligente y política, Los consejos de Alice es una película que te hace desear que hubiera más Alices y más alcaldes como este en la vida real. Los necesitamos ¡urgentemente!

Los consejos de (los) papa (s)

Esta semana no quiero hablar de una serie, pero si de una película que se puede ver en Netflix. Se estrenó hace unos meses en cines, pero pasó completamente desapercibida. Se trata de Los dos papas, del brasileño Fernando Meirelles. Es una ficción, con una base real, que cuenta un supuesto encuentro en el año 2013 entre Joseph Ratzinger, cuando era el papa Benedicto XVI y Jorge Bergoglio antes de convertirse en el papa Francisco. Si el encuentro en el Vaticano y más tarde en Castelgandolfo no existió realmente, lo que se dicen uno a otro está documentado por discursos, textos, y artículos que Meirelles y su guionista han utilizado para construir este diálogo de consejos. Hay dos partes muy claras y diferenciadas en el film, las conversaciones entre ellos y el pasado de Bergoglio en Argentina, tanto cuando es un joven a punto de casarse, como en su conflictiva relación con la dictadura. No digo que no fuera necesario hablar de este periodo, pero el fragmento es demasiado largo y prolijo y en cierto modo aleja el film del núcleo principal y apasionante de las charlas/discusiones entre los dos papas antagónicos que entienden el mundo y la iglesia desde puntos de vista muy distintos. Anthony Hopkins como Ratzinger y Jonathan Pryce como Bergoglio, rozan la perfección en sus personajes. Son divertidos, brillantes, respetuosos, inteligentes y aprenden en este intercambio a comprender mejor las posturas de uno y otro. Rodada en el Vaticano en escenarios privilegiados, la película tiene momentos divertidos, como los dos papas escondiéndose de los turistas en la Capilla Sixtina para comerse una pizza; y tiene momentos espectaculares, todo el ritual magnífico y secreto de la elección de los papas en esa misma capilla, con toda su gesticulación ancestral ¡esos votos enlazados uno a uno por un hilo rojo antes de ser destruidos! Si la intención de Los dos papas era la de mostrar a Benedicto XVI como un papa conservador, frío, intelectual, amante de los ritos y a Francisco como un hombre sencillo, humilde y cercano a la gente, hay que decir que el resultado se salda en tablas, porque (quizás gracias a los actores) tanto uno como otro acaban por ganarse al espectador sin perder por ello nada de su personalidad. Los dos aprenden uno del otro, probablemente Benedicto aprenda a disfrutar de las cosas pequeñas, pero también Francisco aprende que no todo el lujo aparente de la iglesia es superfluo y que, a veces, es necesario. En todo caso, una película para disfrutar desde el respeto a una institución que no siempre ha sabido ganárselo.

Y hablando de boato y de lujo me he acordado de una pregunta que le hice a Nicolás Pariser en San Sebastián cuando le entrevisté para el programa La Cartellera. ¿Qué consejo le daría Alice al presidente Emmanuel Macron? Y Pariser me contestó: “Creo que le habría dado un consejo que le da al alcalde en la película, aunque creo que Macron no estaría de acuerdo. Alice le diría a Emmanuel Macron que debe ser un poco más modesto y Emmanuel Macron le respondería que no es eso lo que esperan los franceses. Que los franceses quieren un Luis XIV, un Napoleón, un Charles de Gaulle y él intenta encarnar esa función. Le diría que François Hollande intentó ser un presidente modesto y no funcionó. Pero yo creo que Alice tiene razón.” Yo no estoy tan segura. Pero ojo, nunca se debe confundir grandeza con soberbia, ni poder con absolutismo personal. Ratzinger y Bergoglio también lo saben.

INOCENCIAS

(este árbol de Ramon tiene mucho que ver con 1917)

1917

1917 es una película de guerra. No, perdón, es una gran película de guerra, de la llamada Gran Guerra. Un clásico de ahora mismo que tiene sus raíces en Howard Hawks (El sargento York), Stanley Kubrick (Senderos de gloria) o Steven Spielberg (Caballo de batalla). Sam Mendes suma a esta lista un nuevo eslabón en el cine bélico. Y lo hace, además, con un reto al lenguaje cinematográfico filmando la historia en un único plano secuencia. Que en realidad sean varios planos secuencia unidos para dar sensación de continuidad, no es más que la prueba del gran trabajo del director de fotografía Roger Deakins y el montador Lee Smith. Aparte, claro, del enorme tour de force para el actor George MacKay, en pantalla toda, absolutamente toda, la película. Pero este alarde técnico se quedaría en una anécdota tecnológica (tampoco es la primera vez que se filma en plano secuencia continuado) si no fuera porque la historia que nos cuenta, casi en tiempo real, es apasionante, tiene suspense, miedo, valor, estupidez, coherencia y mucho de homenaje a esos soldados que Tolkien retrató con el personaje de Sam en El Señor de los anillos. Los cabos y soldados que murieron en una guerra cruenta y terrible donde se los utilizaba como carne de cañón. El cabo Schofield sabe que tiene que cumplir su misión no por deber, sino por convicción y solidaridad. No será fácil, tendrá dudas, perderá amigos, sufrirá heridas, pero ese día de abril de 1917, un sólo día, mejor dicho unas cuantas horas de ese día, el cabo Schofield se habrá ganado un lugar en la historia. Esa que le contaba su abuelo al pequeño Sam Mendes y que él resume en una frase. “La Gran Guerra fue la guerra en la que se perdió la inocencia”.

La inocencia

Y esa frase de Sam Mendes me da pie para hablar de otra película muy diferente en todo. Española, ópera prima, dirigida por una chica valenciana, historia de adolescentes y de crecimiento. Se llama La inocencia y es uno de los debuts mas interesantes de los últimos tiempos. Antes de seguir dos cosas: no es una película redonda –flaco favor le hacen las óperas primas que se consideran obras maestras a sus directores–; no es una película políticamente correcta, su sencillo optimismo ya la hace incorrecta. La inocencia la dirige Lucía Alemany, está ambientada (y rodada) en un pequeño pueblo del interior de Castellón durante las fiestas patronales del verano. Su protagonista es Lis, Alicia, la joven Carmen Arrufat, una chica de quince años. Junto a ella hay dos mujeres adultas. Su madre, Laia Marull, el personaje mas interesante por su recorrido absolutamente imprevisible, desde unas convenciones que beben en los años cincuenta, hasta un futuro que mira hacia adelante. Y Remedios, la bruja, la distinta, la mujer sabia y equilibrada con el rostro de Sonia Almarcha, una actriz que trabaja menos de lo que a mi me gustaría. Estas tres mujeres son el núcleo duro de La inocencia en la que hay dos personajes masculinos importantes, pero peor dibujados. El padre, Sergi López, monolítico, sin matices, completamente superado por las mujeres de la casa. Y el novio con el rostro ambiguo de Joel Bosqued, uno de los que menos responden a los estereotipos. Lo que parece que es (o será), se ve contrarrestado por lo que de verdad es, un chico enamorado. Y en medio, el pueblo, el circo, la inocencia que no se pierde, el deseo de tener un futuro y la conquista de una libertad que no es imposible. La inocencia es una película inocente llena de algo que de verdad se agradece: luz y ganas de vivir.

EL RINCÓN DE LAS SERIES

Creedme

Esta serie de Netflix no tiene nada de inocente, pero no sé por qué me ha venido a la cabeza cuando escribía de la película de Lucía Alemany. De verdad que está en las antípodas, aunque en realidad, quizá no, porque aún siendo terrible y dura y desalentadora, tiene un punto de luz, de salida del túnel, que la emparenta con la valenciana. Creedme es una serie americana basada en un caso real que recogía el artículo An Unbelievable Story of Rape de Ken Armstrong y T. Christian Miller, publicado en diciembre del 2015 con el que ambos ganaron el Premio Pulitzer en el año 2016. En el año 2008, una adolescente de 18 años, Marie Adler, fue acusada de denunciar falsamente una violación. Su vida se convirtió en una pesadilla. Tres años después de que su caso se cerrara, las detectives Grace Rasmussen y Karen Duvall, inician una investigación sobre violaciones que acabará por descubrir la verdad sobre Marie Adler. El primer capítulo de Creedme, es el más duro y el que justifica el título. Marie denuncia una violación, pero nadie la cree, ni la policía, ni siquiera su entorno más cercano, sumiéndola en el dolor, el aislamiento absoluto y la frustración ante un acoso continuado. A partir del segundo capítulo y hasta el final, la serie sigue dos líneas narrativas en paralelo: la del calvario judicial y personal de Marie en el estado de Washington y la investigación de las dos detectives en Colorado. Hay muchas cosas interesantes en esta serie imprescindible. Una de ellas es la manera como enfoca la violencia de las violaciones desde el punto de vista de las mujeres que son víctimas, pero no pierden nunca ni la dignidad ni la entereza tras los arbitrarios ataques que sufren. Otra de las cosas más importantes es la relación entre ambas policías y como pasan de una cierta distancia entre ellas a una solidaridad frente a la indiferencia del sistema. En este sentido las dos actrices elegidas, Toni Collette y Merritt Wever, funcionan muy bien en su contraste tanto físico como emocional. Kaitlyn Dever, lo tiene más difícil ya que la mayor parte del tiempo Marie está completamente sola. Incluso acompañada, su personaje está solo y desamparado. Creedme es de esas series, o películas, que ayudan a pensar, a reflexionar cómo la sociedad se enfrenta a los problemas, cómo se puede manipular y tergiversar la verdad para hacerla coincidir con las premisas que le conviene explotar. En ese sentido, ahora me doy cuenta de que con quién tiene una estrecha relación esta estupenda serie es con la entrada de la semana pasada, la que hablaba de Dreyfus y Richard Jewell.