viernes, 18 de agosto de 2017

LA SEDUCCION

(no tengo ganas de buscar una ilustración para este post, lo siento)
Escribí este texto el jueves por la mañana, pensando publicarlo, como siempre, el viernes o el sábado. El terrible atentado de Barcelona el jueves por la tarde me ha hecho dudar si hacerlo o no. Pero creo que sí, que debo ponerlo. Porque el día en que el miedo o la vergüenza o la cobardía, puedan conmigo, con nosotros, ese día sí que habrán ganado su guerra.

Sophia Coppola se atreve a todo, o a mucho. Sophia Coppola tiene las ideas muy claras y las expone en sus películas con relatos muy diferentes. Sophia Coppola tiene una mirada de mujer (no exactamente feminista, no es lo mismo) sobre el mundo y las relaciones. Sophia Coppola encierra a sus personajes femeninos en universos claustrofóbicos (una casa, un hotel, un palacio, una mansión sureña) donde deja aflorar sus virtudes y sus vicios. Por eso es completamente lógico que decidiera adaptar la novela The Beguiled de Thomas P. Cullinan, publicada en 1966 y que Don Siegel convirtió en vehículo estelar para Clint Eastwood en 1971 bajo el título de El seductor.
No hay que caer en la tentación de comparar las dos versiones por que no tienen nada que ver más allá de la anécdota: un soldado de la unión herido, acogido en un internado de señoritas sureño, desata los demonios sexuales escondidos entre las paredes. Eso es igual en las dos películas porque el argumento viene del libro. Pero nada más. Porque Sophia hace “otra” película. Una película tremendamente romántica, desde los paisajes brumosos de esos húmedos bosques, hasta los primorosos vestidos de sus protagonistas. La seducción es una película “dibujada” si me permiten la expresión. No hay nada físico en ella: no hay sangre, no hay suciedad, no hay violencia, casi no hay sexo, Solo los trazos de una fina línea sobre la pantalla que nos permiten imaginar todo eso más allá de lo que vemos. Esta seducción coppoliana es un film preciosista, y que cada uno decida si este adjetivo es bueno o malo. Para mi es bueno, muy bueno, y aún gustándome mucho el film de Siegel, tengo que reconocer que me gusta mucho también esta nueva mirada.

Coda 1
La historia de The Beguiled, el libro y las dos adaptaciones, sucede durante la guerra civil norteamericana. No conozco el libro, pero en la película de Siegel, la guerra está muy presente. En cambio, en la versión de Coppola, la guerra es algo lejano que pasa más allá de las puertas de ese castillo encantado poblado de hadas maliciosas. La guerra no existe, pero si existe el espíritu del sur, el respeto reverencial por el General Robert Lee.  Escribo esto después de leer lo que ha sucedido en Charlottesville provocado por la reacción de los supremacistas nazis ante la retirada de una estatua del general sudista (no quiero entrar en las lamentables palabras del payaso Trump). Pero  esta noticia me lleva a pensar en lo absurdo que puede ser intentar reescribir la historia a partir de criterios contemporáneos. La historia es la que es y hay que asumirla, no borrarla. Y esto viene a cuento también del dichoso informe del ayuntamiento de Sabadell que propone eliminar de las calles (de la enseñanza ya los han eliminado hace mucho) figuras como Machado, Goya, Quevedo, Góngora,… en aras de una limpieza de sangre catalana. La limpieza de sangre es muy peligrosa. Arrogarse quien debe y no debe estar en las calles y en los museos y en los libros, es propio de regímenes fascistas y dictatoriales. Es un ejemplo de exclusión y sobre todo es un ejemplo de estupidez y estrechez de miras. De incultura en definitiva. (No estoy en contra de que se revisen los nomenclátores, pero no para sustituir unos personajes por otros que dentro de nada podrán, a su vez, ser barridos)

Coda 2
Y ya que hablamos de remakes y de limpieza, no puedo evitar hacer una referencia al horroroso cartel de la CUP que se ganó portadas la semana pasada. Horroroso más que nada por lo feo y lo mal hecho que está. Todavía nadie se ha puesto de acuerdo en quien es la mujer de rojo ¿Rita Barberá, Ana Patricia Botín? Por favor, si quieren provocar que lo hagan un poco mejor. Lo de remake viene a cuento no por el antecedente leninista que tanto se ha aireado estos días y del que parecen sentirse tan contentos y orgullosos. El remake me viene a la cabeza por otro cartel, mucho menos publicado en la prensa, todo hay que decirlo. Se trata de un cartel franquista que tiene mucho que ver con su idea de barrer a los que no les gustan. Y es que ya se sabe que los pensamientos totalitarios, los cupismos, stalinismos y franquismos excluyentes y autoritarios, tienen mucho en común. Sus ideologías no están tan lejos.







LA TORRE OSCURA



(esta foto ilustraba el articulo del  10 de septiembre del año pasado)

Solo unas líneas sobre La torre oscura:
Si eres lector de La torre oscura, NO VAYAS A VER LA PELÍCULA. Te indignarás
Si no eres lector de  La torre oscura, pero quieres serlo, NO VAYAS A VER LA PELÍCULA. Te echará para atrás.
Si no eres lector de La torre oscura y no quieres serlo, NO VAYAS A VER LA PELÍCULA. Tiene un guión infumable, una realización rutinaria, efectos especiales de pacotilla y un casting completamente equivocado. Es tan mala, que no merece gastarse ni un euro en ella.
Por favor, que alguien con cabeza se atreva a hacer una serie sobre la magnífica obra de Stephen King. O mejor, que nadie la haga. Es mucho más interesante imaginarte los personajes y los espacios según tus propios deseos. Y para mí, nunca podrá haber otro pistolero como el Clint Eastwood de las películas de Leone.

Copio aquí lo que escribí el 10 de septiembre del año pasado por si alguien quiere refrescar la memoria sobre los libros de Stephen King.

El libro es la saga inmensa de Stephen King: La torre oscura. Son siete libros, casi 5000 páginas, un viaje a un mundo (muchos mundos) que me ha ayudado a escapar de este tediosos y caluroso verano. King empezó a escribir la primera parte de La torre oscura, La hierba del diablo, en 1970. Tenía 23 años. La publicó en 1982 cuando ya era un escritor más o menos conocido gracias a Carrie. King construyó este mundo paralelo o mundos paralelos, a lo largo de 34 años. El volumen séptimo de La torre oscura se publicó el año 2004. Ramon, mi marido que fue el primero en interesarse por la literatura de King y descubrir que era uno de los grandes escritores  del siglo XX, compró los cuatro primeros libros de la saga en el año 2006. Yo entonces no quise leerlos. Más tarde, leí el primero y el segundo, pero aunque me gustó, el hecho de no tener los siete volúmenes me echó para atrás. Este verano los he reunido todos y los he leído casi sin respirar.
Es imposible contar todo lo que sucede en este libro que es western (Clint Eastwood, Sergio Leone, John Sturgess); es aventura medieval (el rey Arturo y sus caballeros), es mundos fantásticos (Tolkien no está lejos), es melodrama romántico, es historia de amistad y lealtades, es terror en estado puro, es crónica contemporánea a su tiempo de gestación lo que la convierte en lección de historia reciente. Roland Deschain, de Gilead, es el máximo protagonista, el guía, el organizador, el que busca la Torre. Eddie Dean, de Nueva York, Jake Chambers, de Nueva York, Susannah Dean, de Nueva York, son sus tres acompañantes. Sin olvidarnos de Acho, el bilibrambo, uno de los mejores hallazgos de la narración.
La torre oscura está llena de ideas brillantes –como la raedura, un sonido que abre una brecha en el aire y produce un sonido insoportable, o los arrunados, niños a los que se les ha robado el alma–; de personajes apasionantes, Susan Delgado, el padre Callahan… y descripciones inesperadas e insólitas de paisajes y ciudades. Hay puertas entre los mundos, hay rosas rojas y negras, hay un Rey Carmesí malvado y hay un escritor, el propio Stephen King, que forma parte de la narración y se convierte en una de las claves para que el viajero/lector llegue a la Torre y consiga salvar al mundo, a los mundos, que se han movido y corren peligro de caer en la oscuridad. Pero sobre todo hay una historia que si te engancha, no te deja respirar hasta que, desgraciadamente, se acaba.
(Tengo que confesar que al leer este libro de libros he sentido una extraña sensación de proximidad. En Solsticios, la primera parte de mi novela La piedra negra, escrita en 1981, ya hay un campo de rosas negras, puertas que comunican mundos y un Nueva York que tiene en Central Park un escenario fundamental para la historia).


viernes, 11 de agosto de 2017

REYES ARTUROS


En esta semana un poco tonta que marca la mitad del verano, los estrenos no son particularmente atractivos. Siempre se puede recurrir a películas estrenadas hace unas semanas y que aún están ahí, esperando ser vistas, pero de lo nuevo, poca cosa.
Entre eso nuevo se ha estrenado una versión de la historia del Rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda.
Al margen de recomendar que se recuperen los preciosos libros de Chretien de Troyes sobre los caballeros andantes, la fundacional narración de Geoffrey de Monmouth o la casi olvidada obra de Thomas Malory, La muerte del rey Arturo; al margen también de volver a leer La tierra Baldía de T.S. Elliot, la divertida novela de Mark Twain Un yanqui en la corte del Rey Arturo o la indispensable obra de Steinbeck Los hechos del rey Arturo y sus nobles caballeros, sin olvidarnos de la entretenida versión del origen del mito de Valerio Manfredi en La última legión. Al margen de todos estos libros, que se pueden leer escuchando el Parsifal de Wagner, siempre se puede revisar alguna de las muchas versiones cinematográficas que se han hecho de la leyenda artúrica.

Estos días han salido publicadas varias recopilaciones de las películas de caballeros de la mesa redonda. Esta es una más, pero mi particular aproximación la voy a hacer desde un punto de vista del contexto en que se estrenaron.

Un yanqui en la corte del Rey Arturo, Tay Garnett, 1949.
En plena recuperación tras la guerra, tocaba reírse un poco de los caudillos y los reyes absolutos, aunque fueran tan amables como el Rey Arturo. La novela de Mark Twain era perfecta para demostrar que los yanquis siempre estaban al lado de los buenos. Incluso en épocas tan remotas como la baja edad media. Está en Filmin.


Los caballeros del Rey Arturo, Richard Thorpe 1953
Versión clásica y canónica del cine de aventuras de la Metro, con un Lancelot/Robert Taylor enamorado de una Ava Gardner guapísima como Ginebra. Los años cincuenta son los de la consolidación de Hollywood como fábrica de sueños en decorados y colores magníficos. ¿Y qué mejor sueño que el de ser un caballero andante salvando princesas? Varias generaciones descubrieron al rey Arturo y sus caballeros gracias a esta película.

Un español en la corte del Rey Arturo, TVE Escala en HIFI 1964
Una rareza bastante difícil de soportar ahora mismo. Solo apta para muy nostálgicos del programa Escala en HIFI. La traigo aquí  por lo extravagante y por lo representativa de la imaginación dentro de la miseria. Se puede ver en Youtube. Aténganse a las consecuencias.


Camelot, Joshua Logan 1967
En pleno auge del movimiento hippie, el amor libre, la liberación sexual, y las drogas, el magnífico film de Logan se erige como un manifiesto involuntario de ese movimiento. Fue un éxito indiscutible en su época, no solo por el amor que surgió entre Ginebra/Vanessa Redgrave y Lancelot/Franco Nero en la vida real, también por la música y por el impecable mensaje de tolerancia que tenía todo el film. Sigue siendo una película estupenda.


Lancelot du lac, Robert Bresson, 1974
Los primeros años setenta, en cambio, no estaban para romanticismos, ni para aventuras, ni para flores, ni para tolerancias. En medio de una crisis mundial que los que tengan memoria recordaran como terrible (a la que podemos añadir el plus del oscurantismo de los últimos años del dictador en España) el film de Bresson proponía una mirada calvinista, austera, desencantada con un Lancelot vencido, una Ginebra culpable, un rey Arturo manipulado por el malvado Mordred. Era el retrato de la derrota de la búsqueda del Grial. En la Europa de los primeros setenta no había un Grial que conquistar, solo sobrevivir.


Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, Monty Python 1975
Tan solo dos años más tarde, los Monty Python decidían reírse a fondo del mito del rey Arturo en su segunda incursión en el cine. La delirante visión de un rey sin caballo en un reino sin súbditos, respondía plenamente a la necesidad de tomarse con sentido del humor la historia, pasada y presente. Las ideologías, las reglas establecidas, los mitos, todo se podía cuestionar (en nuestro país un poco menos, Franco agonizaba y mataba). La película está en Youtube y si no quieren verla entera, les recomiendo que vayan al minuto nueve mas o menos donde se encontrarán con un discurso muy de actualidad.

Los caballeros de la moto, George Romero, 1981.
Esta es una rareza escondida en los pozos sin fondo de Filmin. No la he visto (pero la veré) así que me limito a copiar lo que ponen en Filmin: “Las aventuras de una peculiar banda de moteros que viajan por pequeños pueblos estadounidenses vestidos como si de caballeros de la Mesa Redonda se tratara. Allí donde paran, organizan fiestas medievales en las que la gente puede comer y beber, comprar artesanía y disfrutar de torneos a bordo de espectaculares motos. Su vestimenta no es lo único peculiar, sino sus reglas y estilo de vida, que procuran mantener según seguían los hombres de Camelot.” 


Excalibur, John Boorman, 1981
La mejor adaptación al cine del ciclo de novelas artúricas. John Boorman hacía una lectura simbólica y se adentraba en el núcleo fantástico y espiritual de la idea de una mesa redonda donde nadie era más que nadie. La idea de un mundo de iguales y unidos, sin fronteras, sin diferencias y exclusiones, está en el origen del mito artúrico. Pero igual que ahora, ni Merlín, ni Morgana, ni Mordred estaban dispuestos a dejar que Arturo construyera su legendario reino con ayuda de la espada Excalibur. El final de la película, con Perceval arrojando la espada para que la dama del lago la recogiera y la volviera a esconder, anunciaba que empezaba una época en la que iba a triunfar el todo vale, el final de la utopía.

La espada en la piedra, Disney, 1983
Quizás era el momento de recurrir a la inocencia de los dibujos animados. Disney así lo entendió con su adaptación de la historia de Arturo niño, antes de convertirse en rey. El film estaba dominado por un divertido y soñador Merlín y una bruja, Madame Mim que bien podía asimilarse, viendo el film en perspectiva, a Margaret Thatcher. Solo es una idea.

El primer caballero, Jerry Zucker, 1995
Sean Connery y Richard Gere encarnan al Rey Arturo y a Lancelot en esta mirada aséptica, sin magia, tan prosaica y sin alma como un mal videoclip, muy apropiada para unos años en los que el mundo dejaba atrás el idealismo y se adentraba en la era del triunfo del materialismo mas feroz, los años yuppies (¿se acuerdan del término?) de los brokers, de Wall Street, Instinto básico, o Días de furia (por citar tres de Michael Douglas). Arturo ya no tenía espacio para vivir y pasaba la espada a un Lancelot salido de esa nueva cultura.


El rey Arturo, Antoine Fuqua, 2004
En el año 2004, el mundo había vuelto a cambiar. La caída del Imperio (Occidental) empezaba a ser evidente; las invasiones bárbaras comenzaban a asolar el mundo civilizado y el auge de los nacionalismos y los movimientos excluyentes, estaba a la vuelta de la esquina. En ese contexto se estrena El rey Arturo que parte sin declararlo del último capítulo de la novela de Manfredi. En la lejana Bretaña, al pie del muro de Adriano (este muro existió mucho antes que el de Juego de Tronos), Arturo se da cuenta de que es inútil volver a Roma y que lo que tiene que hacer con sus compañeros, Lancelot, Gauvain, Galahad y Tristán, es defender Britania de la invasión sajona con ayuda de la magia y la imaginación. Juego de tronos se inspira en esta historia más de lo que se suele decir.

El rey Arturo, la leyenda de Excalibur, Guy Ritchie, 2017
No he visto la película que se estrena esta semana, pero por los clips y el tráiler disponibles en la red y por las críticas que he leído, me temo que será un rey Arturo a la altura de su tiempo: un rey Arturo de la era del twitter, una idea en 140 caracteres, la rapidez, la acumulación de imágenes que se olvidan a los treinta segundo porque ya te han bombardeado con trescientas más. Un Arturo de los tiempos de Trump. O a lo mejor no. Peligros de hablar de algo sin haberlo visto. 

(Todos los cuadros son representaciones de la leyenda artúrica. La mayoría son prerafaelitas)

jueves, 3 de agosto de 2017

MAGIAS


Blanco con figuras y caos verdiamarillo. Este cuadro de Ramon me parece una buena imagen de la nueva película de Pablo Berger, Abracadabra. Blanco con figuras, un hombre desdoblado en dos: uno fragmentado, el otro integrado y en medio la línea sinuosa de una mujer que escapa de ambos. Caos verdiamarillo de barrio madrileño de extrarradio, bodas en restaurantes cutres, colores chillones.
Quizás es una manera un poco rara de empezar a hablar de esta película. Pero es que la película es rara, y divertida y sorprendente, inesperada  y llena de ideas. Vamos, que Abracadabra me ha gustado mucho y me ha sorprendido mucho. Me ha descolocado en realidad y eso es algo que agradezco en las películas. Ver historias que no sé cómo  acabarán. Ni siquiera por dónde van a ir. Es una sensación estupenda de continuo descubrimiento. Si, es rara, pero eso es muy bueno (al menos para mí), es rara pero comprensible, asequible. Me explico. Puede gustar a los que vayan a buscar simplemente una comedia de matrimonio chungo y a los que busquen una historia mas profunda.
Después del éxito de Blancanieves, un film que le costó Dios y ayuda levantar, ya que nadie se atrevía con una película en blanco y negro, muda y sobre una mujer torera, Pablo Berger tenía dos caminos. Quedarse paralizado por la responsabilidad de superar ese éxito o intentar repetirlo con algo parecido. Pues bien, ni uno ni otro. No solo no se quedó paralizado, sino que empezó a escribir una nueva historia delirante en su planteamiento y no solo no se repite a si mismo, sino que se lanza al trapecio sin red y sin miedo a caerse con una película estridente de colores y decorados, de vestuario impensable, de espacios inesperados. Un film donde Maribel Verdú brilla como la serpentina roja del cuadro centrando todas las miradas entre un Antonio de la Torre desdoblado, un mago asustado y un fantasma desbocado. Todo empieza como una película de Almodóvar, Volver viene a la cabeza con ese marido hincha del real Madrid y esa hija adolescente. Pero casi sin darnos cuenta, en la fiesta de la boda, las cosas empiezan  a moverse, a irse por otros sitios, a sumergirse en un laberinto de pisos abandonados por humanos y poblados de fantasmas asesinos, de obras donde campa a sus anchas un mono inteligente haciendo equilibrios en una grúa, de humor sutil sobre una sociedad alienada. Pasamos de una comedia costumbrista a una comedia fantástica y de ahí a una abstracción casi tan blanca como la parte izquierda del cuadro de Ramon.
El final es absolutamente desconcertante, te deja pensando en lo que has visto, en lo que ha pasado. Pero no voy a hablar de ese final porque no quiero privar a nadie del placer de descubrirlo.
Ah¡ entre los riesgos que ha corrido Pablo Berger con este film transgresor y divertido, está el de estrenar en plenas vacaciones de verano. Es una apuesta por todo lo alto. Tanto si están de vacaciones como si se han quedado trabajando,  no pierdan la oportunidad de compartir este reto con él.



(En el año 1988, Elena Posa, entonces directora del Grec, trajo a Barcelona a Jeanne Moreau)

Otra clase de magia es la que desprendía Jeanne Moreau. Se ha escrito mucho estos días sobre la muerte a los 89 años de esta mujer extraordinaria. El mismo día que moría Sam, Sheppard  a los 73 años. No  voy a decir nada de ellos, hay ya mucha literatura sobre sus figuras y su importancia. Si los traigo a estas líneas es porque su muerte me ha provocado una reflexión personal.  De pronto me he dado cuenta de que mi generación (y entiendo por generación una franja amplia, los que nacieron entre 1940 y el año 1960), hemos tenido la suerte de vivir la historia del cine en directo. En los cines de estreno, en primera persona. Pudimos ver a Jeanne Moreau en Jules et Jim en su primera proyección. Pero no solo a ella. Pudimos ver la primera película de Godard, junto con los estrenos de Hitchcock, Bergman, Lang, Wilder, Hawks, Huston, Buñuel, Welles, Truffaut, Antonioni, Visconti, Losey… Cuando yo empecé a ir al cine y a comprar Fotogramas, había un hilo vivo que unía la historia con el presente. El cine aún no había entrado en la televisión o en los museos. Creo que hemos sido una generación privilegiada. Los mayores se perdieron la posibilidad de seguir construyendo la historia del cine, con la incorporación de nuevos actores, nuevos directores, nuevas cinematografías. Los más pequeños nunca pudieron disfrutar de ver estas películas en un cine de estreno comercial. Las han descubierto en la televisión, o en las Filmotecas o en los ciclos retrospectivos de los festivales. Suerte han  tenido de poder verlas y más ahora, que la posibilidad de las plataformas ofrece un catálogo casi infinito de clásicos. Pero nosotros las vimos cuando aún no eran clásicos, solo los estrenos de la semana.
Esa es la reflexión que me ha despertado la muerte de Jeanne Moreau y de Sam Sheppard.

Os dejo como regalo dos piezas poco conocidas de Moreau cantando. Se encuentran en ese pozo de los tesoros que es Youtube


con Marguerite Duras

con Jean Renoir

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¿REFUGIADOS?
La imagen de las largas e interminables colas en el aeropuerto del Prat me ha traído a la memoria otra imagen mucho más terrible, pero igualmente  caótica, incomprensible y sin sentido. Incomprensible y sin sentido no son lo mismo. Incomprensible quiere decir que escapa a la comprensión, a la inteligencia. Algo sin sentido puede ser perfectamente comprensible pero carecer por completo de ninguna clase de sentido común. La imagen que me han recordado las colas de El Prat es la de los miles de refugiados que hace justo un año circulaban como almas en pena por los caminos de Europa llenando las portadas de los periódicos y los ayuntamientos de carteles. De pronto me he dado cuenta que todas esas miles de personas humanas zarandeadas por la historia, la guerra, la política y los intereses nada comunes, han desaparecido del panorama, del paisaje. Nadie habla de ellos, nadie se acuerda de ellos (con las honrosas excepciones de los que siguen ayudandolos aunque sea sin publicidad). Aquellos refugiados que ofrecían una imagen medieval del mundo, se han transformado en estas hordas de pasajeros  pacientes que esperan cinco, seis horas, para irse o para volver a su casa. Son otra clase de refugiados. Merecen mucha menos misericordia (en el fondo se lo han buscado ellos mismos en un afán de “hacer vacaciones” como sea). Pero el resultado es parecido. Gente abandonada a su suerte.
Y de esto he pasado a dos reflexiones: una ¿Por qué nadie habla ya de los refugiados? ¿Es que ya no existen? ¿Dónde han metido a los miles de hombres, mujeres y niños que huían de Siria? Creo que simplemente cumplieron su función: espantar a una Europa que se lanzó a la xenofobia y  la exclusión del otro. Una vez consolidado el Brexit, la apuesta subió unos enteros en Francia, Holanda y Austria con el auge de los populismos de todos los colores que, por suerte, se vieron reducidos en las votaciones de los tres países. Una vez pasadas estas elecciones, donde no ganó el miedo, el desprecio y el odio, los refugiados ya no servían para nada. Y se olvidaron en un rincón de la historia, como tantas otras veces se ha hecho con las masas desvalidas.
La segunda reflexión es diferente. Es sobre el turismo. No voy a hablar de la turismofobia. No pienso alimentar esta peligrosa serpiente de verano. Pero las colas de El Prat me han hecho pensar en esa especie de urgencia por moverse, por irse, por cambiar, por salir, cuanto más lejos mejor, cuanto más absurdo el destino más tentador. Y todos a la vez, y todos lo más barato posible.  ¿Qué produce esta ansia por ser turista, especie humana que nada tiene que ver con el viajero? Supongo que muchas cosas que escapan a este pequeño espacio de reflexión.

Perdón por que el post de esta semana sea tan largo y tan variado. Pueden leer solo una parte si las otras no les interesan.





sábado, 22 de julio de 2017

HISTORIA

Esta semana la protagonista de los estrenos es sin duda LA HISTORIA. Así, con muchas mayúsculas. Tres películas (más una de la semana pasada), tratan el tema de la historia en grande y en pequeño. Hay dos excelentes, por distintas razones, y otra que podía estar mejor, pero es sin duda interesante. Las tres (+la anterior) valen la pena verlas y sobre todo pensarlas.


(propaganda nazi sobre Dunkerke en mayo del 1947)

Cronológicamente tengo que empezar por Dunkerque, de Christopher Nolan. Antes que nada me llama la atención dos cosas. La primera, porqué los grandes directores norteamericanos en uno u otro momento de su carrera se sienten empujados a hacer una película sobre la guerra, cualquier guerra, pero especialmente la Segunda Guerra Mundial. La segunda es comprobar como los grandes temas nunca se agotan por mucho que se vuelva una y otra vez a ellos. Simplemente cambian de punto de vista con la perspectiva histórica. Pero, si la película es buena, no pasa nada por volver a contar los mismos hechos. Dunkerque es en este sentido muy buena. Es una gran película de guerra que cuenta una derrota, la primera derrota de los aliados, ingleses y franceses, en mayo de 1940. Fue una verdadera carnicería la que se produjo en las playas de Bretaña. El gobierno británico la encajó como pudo y desde muy pronto decidió convertirla en un acto heroico. El film estrenado la semana pasada, Su mejor historia, de Lone Scherfig, cuenta eso precisamente, como Churchill montó desde el departamento de propaganda una película que hablara del heroísmo de los británicos en las playas francesas. El film de Scherfing sirve de contrapunto al de Nolan, sobre todo porque la de Nolan es todo menos heroica. Lo que mas me interesa de Dunkerque es el uso del tiempo y del silencio de los hombres (no el de la película que tiene una banda sonora de Hans Zimmer operística y dialogante, a veces demasiado apabullante e ilustrativa, pero eficaz como lenguaje). El tiempo es el tema fundamental de este film bélico inesperado. Para unos, los soldados varados en la playa sin poder hacer nada mas que esperar, el tiempo es el de una semana interminable; para otros, los pescadores que salieron en sus pequeñas embarcaciones para cruzar el canal y salvar el máximo de soldados posibles, es el de un día; para los dos aviadores que tenían como misión impedir los ataques de los alemanes, es el de una hora. Los tres tiempos se conjugan en el film sin continuidad creando un nuevo tiempo: el de la narración cinematográfica. Si la música nos va explicando la historia, los personajes, soldados, pescadores, aviadores, a penas hablan. No hace falta. Basta con mirarse para expresar todo lo que sienten. Dunkerque es un film que debería verse en las escuelas, las de cine desde luego, sobre todo los guionistas, pero también en las clases de historia.


(la India antes de 1947 y ahora)

Si seguimos con la cronología histórica, el siguiente film es El último virrey de la India. A ver, esta es una película que podía haber sido grande y se queda en mediana hacia abajo. Podía haber sido un gran drama histórico y se queda en pequeño melodrama doméstico. Pero con todo es muy interesante porque cuenta de una forma muy clara y sin medias tintas, los entresijos político/coloniales que tuvieron lugar en 1947, cuando la India consiguió su independencia del Imperio Británico a costa de perder parte de su territorio a favor de la creación de dos países nuevos: Pakistán a su izquierda, Bangla Desh a su derecha. Una partición traumática, que acarreó millones de desplazados y muertos en función de las creencias religiosas. India, bajo el poder de los hinduistas, Pakistàn, bajo el dominio de los musulmanes. La película cuenta como se fraguó esta división, auspiciada por Gran Bretaña para controlar los puertos del Océano Indico frente a la Unión Soviética, sin pensar en las consecuencias para las personas que vivían en esos lugares y que hasta entonces lo habían hecho en una buena convivencia religiosa y humana. Lo de menos en la película es la historia sentimental que le sirve de contrapunto, lo interesante es ver como las independencia se fraguan  siempre en beneficio de alguien que no siempre está en primera línea de luz. La  historia la escriben los vencedores, se afirma en la película antes de empezar. Pero ¿quién son los vencedores cuando lo que se juega es algo que no tiene en cuenta a las personas?


(recuerdos de la Rumania soviética)

El tercer film de la semana es Sieranevada. Es una película rumana de Cristi Puiu, uno de los mejores directores de la nueva ola de cine rumano. A priori no parece una película sobre la Historia. Pero si lo es. Rápidamente resumo su argumento. Cuarenta días después de la muerte de su padre, Lary y su mujer Laura acuden a casa familiar para una reunión en honor al difunto. Tras un largo plano secuencia en la calle y en el coche, Lary y Laura llegan a la casa donde se reúnen amigos y familiares. Durante las dos horas siguientes (prácticamente el tiempo de la narración) nunca saldrán de ese piso claustrofóbico, un laberinto de pequeñas habitaciones, con puertas que se abren y se cierra, largos planos cámara al hombro y una cena anunciada que nunca llega a consumarse por mas hambre que tengan todos. En este microcosmos se conjugan Buñuel y Berlanga, Haneke y Bergman, Almodóvar y Lubitsch. El resultado es una película inclasificable que te envuelve en su mezcla de banalidad y profundidad. ¿Y la Historia que justifique el que hable de ella bajo este epígrafe? La Historia es la que sustenta todas las conversaciones, los sentimientos, los actos de esta familia. La memoria selectiva de los hechos, que cada uno recuerda de una u otra manera. Puiu explicaba que en el origen de la película estaba en la fiesta homenaje a su padre muerto. Y como le molestó que su hermano no solo no recordara lo mismo que él, sino que sus  recuerdos era completamente distintos. Mas que seguir escribiendo yo, prefiero dejar aquí dos declaraciones del director que me parecen pertinentes en nuestro propio contexto:

“Si nos paramos a pensar, la Historia es la ficción más presente en nuestras vidas, la Historia tal como nos la cuentan en el colegio. Lo digo con conocimiento de causa porque aprendí una Historia durante el comunismo. El Muro de Berlín cayó cuando tenía 23 años, y con él desapareció una Historia, y enseguida apareció otra Historia, otra versión de los hechos, cosas que desconocía, a pesar de que me gustaba mucho la Historia. Me asombró descubrirlo.”
“Los comunistas falsificaron la Historia con un programa muy claro. Desde entonces, nadie puede creer en la estabilidad de la Historia, ni en la inmutabilidad de la verdad. Creo que la historia del hombre se mueve constantemente y que es necesario realizar  reajustes en los acontecimientos del pasado. Siempre, siempre, siempre, porque solo son aproximaciones.”
Es esto lo que hacen estas tres películas. Reajustar el relato histórico. Es esto, también, lo que hacen los gobiernos, manipular la historia en su propio beneficio. Menos mal que el cine está ahí para dejar memoria de cómo se veía y cómo se ve un mismo hecho histórico.



GATOS



(la Negrita era una gata muy feliz en su libertad)

Una entrada cortita solo para recomendar una película de gatos. Se llama Kedi, los gatos de Estambul. Es una delicia. Por los gatos que salen: felices, libres, independientes, cariñosos, sociables, individualistas, solidarios... Y por las personas que los cuidan, los alimentan, los llevan al veterinario, los quieren. Una ciudad con gatos es una ciudad más humana. Sin olvidarnos de su aportación en la limpieza de las calles donde espantan a ratas y ratones.  Kedi puede gustar muchísimo a los que quieren a los gatos, pero también puede interesarle a cualquiera que le gusten los animales. Incluídos los que prefieren a los perros. Es un pequeño regalo veraniego.

jueves, 20 de julio de 2017

EL TOUR


(esta bicicleta la dibujé, y publIqué, hace un par de años)
Empiezo con una aclaración: No sé ir en bicicleta; no me gustan las bicicletas como medio de transporte urbano (aunque las soporto con actitud estoica). Pero en cambio me encanta el ciclismo. Bueno, no sé si exactamente el ciclismo o el Tour de Francia. Nunca he seguido otra gran carrera, Vuelta a España o Giro de Italia, Pero el Tour sí, siempre que puedo lo veo y lo sigo. Y lo disfruto. Hace unos días, en el último programa de la temporada de Les 10 noticies, de BTV, el tema que me tocó fue precisamente el Tour. Cuando Xavier Muixi, el director,  me preguntó que por qué me gustaba el Tour, me quedé unos segundos pensando. Y contesté que por tres razones. Por la dilatación del tiempo, por los paisajes, por el trabajo de equipo. 
La dilatación del tiempo es una de las cosas más fascinantes de una carrera ciclista que tiene etapas de cuatro horas en las que parece que no pasa nada, pero en realidad hay todo un proceso en movimiento que se resuelve en cuestión de segundos fundamentales para tener un lugar u otro en la clasificación. El tiempo dura una eternidad que no quieres que se acabe mientras corren lentamente los segundos en una final de etapa. Si puedo, me gusta ver las etapas desde el principio, ver como se van trazando las estrategias, como se van colocando los corredores. Es un microcosmos muy especial.
En cuanto a los paisajes, está claro que el Tour de Francia es el mejor escaparate para conocer los lugares más espectaculares, las montañas más impresionantes (hoy el Izoard ha sido magnífico), los  ríos más grandes, el Ródano, el Loira, el Garona; los castillos más bonitos o las abadías mas hermosas. Pero sobre todo, el Tour sirve para conocer los pueblos. Ya lo he escrito otras veces. Francia me produce una enorme envidia por lo bien que ha sabido conservar sus pueblos sin destrozarlos con casas modernas de pisos, polígonos industriales, o granjas apestosas. No es que no tengan polígonos o granjas, pero están mucho mejor integrados en el paisaje y los pueblos han cuidado que nada altere la armonía arquitectónica de sus calles y plazas. Es una muestra de civilización, de respeto, pero también de confianza en lo que se es y en lo que se representa. Aun recuerdo como en un pueblo de Girona, hace unos años, la gente más rica del pueblo, incluido el alcalde, consideraron que no podía ser que en Barcelona hubiera edificios de pisos con ascensor y allí no. Y sin dudarlo, construyeron un espantoso edificio de no sé cuantos pisos, donde se fueron a vivir para demostrar su estatus social. Eso se llama estupidez.
La tercera respuesta fue la de los equipos. Todos los deportes de equipo son parecidos, seguramente. Pero en el ciclismo no existe el asamblearismo, está claro que hay un líder y todos los demás tienen que trabajar para él. No todos son iguales, pero si son todos indispensables. Un líder sin equipo difícilmente podrá ganar la carrera. Los gregarios saben cuál es su papel, y como deben comportarse. Y lo asumen porque es la manera de llegar a un buen puerto, de ganar todos. Pero eso, si su líder les exige fidelidad y trabajo, ellos le exigen a él ganar y saber por dónde hay que ir. Un líder enloquecido, megalómano y que vive en un mundo desconectado de la realidad, es decir del pelotón, nunca conseguirá nada mas que llevar a los suyos al precipicio.
Podría seguir escribiendo del Tour, incluso de algunas cosas malas,  por ejemplo el tema del doping que por suerte parece completamente erradicado de la carrera o de las caídas o de… pero lo dejo aquí.
Y lo dejo con dos enlaces por si les apetece verlos. Uno es el del último programa de Les 10 noticies de BTV del viernes 14 de julio. El otro es de un documental precioso de Louis Malle que se llama Vive le Tour, filmado el año 1962, cuando Anquetil y Bahamontes mantenían su eterna rivalidad.

Vive le Tour

Les 10 noticies


sábado, 15 de julio de 2017

SIMIOS



(la última imagen de El planeta de los simios)

En el verano de 1968 yo tenía 18 años (un buen año para tener 18 años). Me habían expulsado de la Universidad (me readmitieron el año siguiente) y trabajaba en la Editorial Salvat (¡bendito tiempo en que a los 18 años encontrabas trabajo!). Ya vivía con Ramon y los dos éramos entusiastas del Cine. Todo el cine. Por eso nos gustó mucho El planeta de los simios, la primera, la original, la de 1968 dirigida por Franklyn Schaffner y protagonizada por Charlton Heston. Aun recuerdo el impacto de la última imagen de la película cuando Taylor descubre la estatua de la Libertad sepultada en la arena. Cornelius, Zira, el doctor Zayus, pasaron a formar parte de una mitología aun por construir y consiguieron que a partir de entonces mirara a los monos con otros ojos, con más respeto.
Las dos siguientes entregas, Regreso al planeta de los simios, 1970 y Huida del planeta de los simios, 1971, no estuvieron a la altura de la primera y aunque también me gustaron, me decepcionaron un poco. Ni cinematográficamente, ni como saga, permitían pensar que se iba a consolidar un mito simio. Aun hubo dos pelis más en los setenta, de las que, para ser sincera, no recuerdo nada.
Habría que esperar al 2001 para que Tim Burton hiciera un remake de la primera entrega, pero con su toque personal y con unos monos que daban auténtico miedo. Los simios del primer planeta eran claramente actores disfrazados. Estos también, pero con un componente de terror que creo fue el elemento determinante para que no volviera a arrancar la saga.
Pero ellos estaban ahí, esperando su momento. Y ese momento llegó en el 2011 con una película titulada El origen del planeta de los simios, que contaba la historia de César, descendiente directo de Cornelius y Zira, los monos que habían viajado al pasado en 1973. Ahora sí, ahora se vio claro que la saga había encontrado un protagonista digno del mito: César, el chimpancé inteligente, capaz de liderar una rebelión como si fuera un Espartaco de los simios.
Tres años más tarde, una historia situada en el año 2021 (¡qué peligro datar las películas tan cerca de la realidad!) contaba como los monos de César habían sobrevivido y se habían extendido casi al mismo tiempo que se extendía un virus que exterminaba a los humanos. Quedan tan solo reductos escondidos de humanos que siguen empeñados en luchar contra los monos. Aquí el conflicto es otro. César no quiere la guerra, los humanos que se encuentra en su camino, tampoco. Pero hay otros monos y otros humanos que alimentan el odio y lo único que anhelan es la destrucción de la otra especie. César deberá enfrentarse a Koba, un chimpancé que le disputa el liderazgo y que quiere arrastrarlos a un enfrentamiento que César sabe será terrible para todos. “Simio no mata simio”, afirma Koba. César nunca olvidará esa frase y el recuerdo de la muerte de Koba le perseguirá toda su vida.
La tercera parte de este renacer es la que se estrena ahora, La guerra del planeta de los simios. Esta tiene dos fuentes claras de inspiración, el western y el cine bélico de evasiones de campos de concentración. Tanto en un registro como en otro funciona perfectamente. Pero hay una pequeña variante que se intercala entre los dos géneros. La aparición de un nuevo personaje, la niña muda, uno de los aciertos del film y de la que puede nacer una segunda trilogía. Porque ésta, la de César, ha llegado a su fin.




(César y la niña muda)

Supongo que para los que no les gusta la ciencia ficción todo este texto les parecerá una tontería. Y sin embargo, más allá del espectáculo de los monos montados a caballo y las peleas mortales; más allá de los sentimientos y las emociones, hay en esta saga, ya desde su origen, una clara voluntad de denunciar situaciones de injusticia, de lucha de clases, de revoluciones frustradas pero necesarias. Yo la disfruto con lo que es, ciencia ficción/western/cine bélico/ aventuras/ efectos especiales espectaculares/ actores magníficos bajo la capa de pelo… pero se puede disfrutar también leyéndola en clave contemporánea.

(Copio aquí lo que escribí el 5 de agosto del 2011 sobre la primera parte)
“Siempre me han dado miedo los monos. Se parecen demasiado a los humanos. Cuando miran de frente, no puedo dejar de pensar que me están juzgando y cuando los veo en comunidad, un escalofrío me recorre la espalda. Creo que este sentimiento es muy común y eso explica que exista la saga del Planeta de los Simios que desde hace 45 años nos viene amenazando desde las pantallas. Lo que me llama la atención son las fechas en que han aparecido los monos dominantes en el cine. Las cuatro primeras películas: El planeta…, el regreso… la huida… y la rebelión…, se rodaron entre 1968 y 1973, cinco años en los que el mundo atravesaba una de sus mas importantes crisis de pensamiento: el fin de las ideologías dominantes, la aparición de los movimientos alternativos, la primera y gran crisis energética. Después, los monos se retiraron al limbo de las historias hasta el 2001 en que Tim Burton los rescató en un momento en que la civilización occidental estaba a punto de sufrir una nueva conmoción, la rebelión inesperada de una parte de la sociedad que tenía categoría inferior en el orden establecido. Las Torres Gemelas fueron el inicio de esa rebelión. Diez años después aparece El origen del Planeta de los Simios, una nueva entrega que nos recuerda cómo empezó todo. Y lo hace en medio de una de las mas grandes crisis económica y de sistema que haya habido nunca. Lo que cuenta es muy obvio: los humanos son tan codiciosos y estúpidos que son capaces de autodestruirse, pero el mundo seguirá existiendo gracias al desarrollo de una nueva especie inteligente: los monos. Aprendamos de ellos. Los supervivientes de esta situación enloquecida en la que nos ha sumergido ese ente abstracto y sin rostro que se autodenomina “los mercados”, estamos obligados a luchar. Nosotros, como César, tendremos que aprender a vivir en los grandes bosques de la sociedad y desde las ramas de sus árboles defendernos de los depredadores. César es el primero de una saga que tendrá muchos seguidores. Espero.”

(Y lo que escribí el 2 de agosto del 2014 sobre la segunda  película)
“Un poco tarde pero he visto Amanecer del planeta de los simios. Me he aburrido mucho. La anterior, El origen…, me gustó bastante, pero ésta no. Si la traigo a colación es porque la traición de Koba, el mono malo que se enfrenta a Cesar, el mono bueno, para provocar la guerra con los humanos que César intenta evitar como sea, me ha hecho pensar que la realidad de nuestro tiempo no está demasiado lejos. César sabe que será una guerra cruenta y por eso no la quiere, como no la quiere su amigo el ingeniero Malcom. Pero a Koba le da igual que sus monos mueran a montones. Él quiere la guerra porque así se fortalece frente a la manada y encuentra en el jefe  Dreyfuss el eco de su ambición. El resultado es la devastación mutua”.


Releyendo este párrafo me doy cuenta de la tremenda actualidad que tiene este conflicto. Los paralelismos con el aquí y el ahora se pueden encontrar muy fáclmente.

sábado, 8 de julio de 2017

BRAVA



(este dibujo de Ramon ilustra en cierto modo lo que le pasa a la Janine de Brava)

BRAVA: Que actúa con valor y determinación ante situaciones arriesgadas o difíciles.
Sinónimos:
Valiente, valeroso.
“El término Costa Brava describe el paisaje agreste y escarpado que caracteriza gran parte de la zona costera de Girona. En los medios marineros se llamaba y se llama costa brava a toda costa abrupta y rocosa”.

Estas dos definiciones sitúan la nueva película de Roser Aguilar: Brava. Pero generan a su vez varias preguntas. ¿Es realmente brava una mujer que sufre una agresión sexual en el metro, presencia una violación a una menor y, sin embargo, se lo calla y no solo no lo denuncia, sino que ni siquiera se lo dice a sus seres más queridos y cercanos? Puede que sí, que la valentía se demuestre precisamente en esa aparente cobardía. No lo sé. Pero hace falta mucho valor para comerse ese marrón en silencio. La culpa, el dolor, la vergüenza, el sentimiento de vacío y de inseguridad. Todo eso domina a Janine, la protagonista. Una mujer aparentemente triunfadora que en realidad tiene en sí misma una enorme insatisfacción, incluso antes de ser atacada en el metro por dos adolescentes descerebrados que no saben donde están los límites del respeto y de la convivencia.
“Brava es una película incómoda”, afirma Laia Marull, la Janine del film. Pero la incomodidad es interesante porque provoca reacciones, discusiones, tomas de posición. Yo puedo añadir que es una película áspera, no dura exactamente, mas bien rasposa que molesta, que interpela. Es imposible quedarse indiferente ante la situación que se plantea. Janine se comporta de una manera mucho más habitual de lo que pensamos, al menos es lo que descubrieron directora y actriz cuando se plantearon como enfrentarse a lo que le sucede. No decirlo, callarlo, ocultarlo, es algo que muchas mujeres hacen por distintos motivos. ¿Es Janine brava al hacerlo? En todo caso es brava al ser capaz de dejar su vida, de buscar refugio en esa Costa Brava donde vive su padre. Una Costa Brava tan rocosa como ella, tan inaccesible como su alma. Una Costa Brava que bajo la apariencia idílica del mar y los paseos, la vida del pueblo y las relaciones tranquilas, esconde tormentas de emociones oscuras que afloran en una casi insoportable secuencia en el bosque. Solo después de este momento, la brava Janine será capaz de empezar a emerger, de hablar y de apreciar un espacio que le permita lamerse sus heridas para enfrentarse, esta vez si Brava con mayúsculas, a su responsabilidad.



sábado, 1 de julio de 2017

VOLVER


Hay algo que he podido comprobar a lo largo de los muchos años que llevo trabajando en esto del cine: las películas no cambian, la que cambia soy yo, es decir, el espectador. Hagan la prueba con pelis que les gustaron o al revés, no les gustaron, y vean si sienten lo mismo. Por suerte hay algunas que siempre son buenas, las mires como las mires. Pero otras, no: son mejores o son peores.
Todo esto lo explico porque esta semana se estrenan dos películas que he revisitado por segunda vez. No con mucho tiempo de diferencia, pero el suficiente para darme cuenta de que ver una en un festival, no le hizo bien y que ver la otra en el ordenador, (no pirata, ojo, fue con un link) no le hacía justicia. Así que vuelvo a ellas y las re-descubro con otros ojos, con otra mirada.



(las mujeres colosales de Ramon no tienen nada que ver con el Colossal de Vigalondo, pero es una buena ocasión de poner el cuadro)

La primera es Colossal, de NachoVigalondo. La vi en San Sebastián y entonces no me sugirió nada, hasta el punto que ni siquiera escribí una línea. Lo siento. Porque ahora, que la he vuelto a ver, me ha gustado mucho y sobre todo, me ha parecido muy interesante el juego de espejos entre comedia romántica y película de monstruo japonés (o coreano). Vigalondo sigue trastocando los géneros llevándolos a su terreno, utilizando un lenguaje hibrido que funciona muy bien. El humor, la ternura, la empatía que provoca el personaje de Gloria, se traslada al del monstruo destructor como si fuera una proyección de ella misma. Y eso es lo que es. Bajo la apariencia de un film de género fantástico se esconde una historia más interesante, algo que todos debemos hacer alguna vez en la vida: enfrentarnos a nuestro propio monstruo para avanzar hacia adelante. Una película muy, muy apetecible.


(en esta linda casita de Valldoreix pasó Ramon los mejores veranos de su infancia)

La segunda es La película de nuestra vida, de Enrique Baró. La vi hace meses en un link que me dejó uno de los productores. Entonces me sorprendió el aroma a verano que desprendía y la nostalgia de sus imágenes. Pero cuando la volví a ver en el marco del D’A de Barcelona, en una pantalla grande, disfruté mucho mas de esta mezcla de cine amateur y profesional que trasciende la memoria privada para hacerse colectiva. Tres hombres vuelven a la casita donde vivieron siendo dos de ellos niños, para revivir el recuerdo de unos veranos felices. Filmaciones familiares de distintas épocas, se entrelazan con lo que estos tres hombres, padre y dos hijos, hacen esa tarde en la casita. Bañistas inesperadas, la inútil representación de una escena dramática, juegos en la piscina…  la canción de nuestra vida. El humor más absurdo se conjuga con toda naturalidad con la herencia de Jonas Mekas y el recuerdo escondido de Vida de familia de José Luis Font. El resultado es una película (de nuestra, vuestra, de  cualquier vida) que utiliza diversos lenguajes para explicar una no historia de una tarde verano en la que el tiempo se dilata hasta abarcar casi cincuenta años. Una curiosidad que, al menos a mi, me estimuló a pensar cuál sería la película de (mi) vida.



(nubes del verano de 1993)
El verano, el tiempo, nuestra vida, el cine…. Todo eso forma parte de la que es sin duda la película de la semana Verano del 93. Si el docucomediaficcionamateur de Baró me hizo pensar en la película de mi vida, el precioso film de Carla Simón me hizo recordar que hacía yo en el 93, el año que esta niña de seis años vivió una de las experiencias más dolorosas que se pueden tener: perder a su madre. Carla, como ella misma se ha cansado de explicar, consigue trasladar a las imágenes su propia experiencia de niña huérfana, pero trascendiendo, también ella, lo privado para hacerlo colectivo. Verano del 93 se mueve en el difícil equilibrio del drama y la ingenuidad sin caer en la sensiblería. El hecho de no perder nunca el punto de vista de las niñas, Frida y su hermana/prima Anna,  hace que todo el film destile frescura y espontaneidad. Los adultos están ahí, pero es ella, Frida, la que conduce el relato. Verano del 93 tiene humor, tiene vida. Y tiene cine. Hablar de uno mismo, de  tus propias experiencias, contarlas para los demás, es una tentación que no siempre se resuelve bien. Puedes escribirlo o filmarlo para ti, pero si quieres que esa memoria sea compartida, tienes que utilizar bien el lenguaje, ya sea la escritura, ya sea el cine. Y Carla Simón lo hace muy bien. El ritmo es el necesario, los tiempos los justos, los escenarios perfectos. Las niñas hace su papel sin dejar de ser niñas, el dolor se siente mezclado con la sonrisa. No sé qué hará Carla Simón en su segunda película, pero espero que no pierda esta capacidad de captar la luz del sol en medio de una borrasca de emociones.

Unas líneas al final solo para recomendar Wonder Woman. Es estupenda. Aventuras, misterio, humor, malos, buenos, guerras, dioses, peleas, bailes. No es una película más de superhéroes, es una película de superheroina. Y eso la hace diferente.



domingo, 25 de junio de 2017

SUEÑO



(sueño de una noche de verano)

En la noche más corta del año, también la más sonora y desde luego la más calurosa, he tenido un sueño. He soñado que todo se solucionaba. Pero lo he olvidado nada mas despertarme. Es lo que suele pasar con los sueños, se quedan en ese mundo paralelo en el que vivimos un tercio de nuestra vida. Ese otro territorio con su geografía, su urbanismo, sus habitantes ¿No tienen la sensación de que los escenarios se repiten, los espacios son  los mismos aunque las situaciones sean distintas? Yo sueño con una casa que conozco tan bien como la mía. Sé donde esta cada habitación, lo que hay detrás de las puertas, hasta donde llega el jardín de atrás que se confunde con un bosque. Es una casa amiga, aunque a veces me pasan allí cosas que no entiendo. También sueño con una ciudad. No se parece a ninguna otra. Es una ciudad que he inventado para mi y en la que me siento segura.
No sé porque me ha dado hoy por hablar de los sueños. Quizás porque es San Juan y anoche se celebró en Barcelona la verbena con todo su esplendor de petardos, castillos de fuegos, y hogueras. Todo muy controlado, todo reglamentado No, la ciudad en la que sueño no es Barcelona desde luego. Barcelona sigue siendo mi ciudad. No viviría en ningún otro sitio. Pero no es mérito suyo, es demérito de la mayor parte de ciudades que conozco, tanto si son más grandes (difíciles para vivir) como si son las pequeñas (sociedades controladoras). Pero Barcelona no se parece a mi ciudad soñada. En Barcelona hay demasiadas  reglas absurdas que dificultan la creatividad, la variedad de miradas y de comportamientos. Todas las terrazas (las pocas que van dejando) tienen que ser iguales. Los coches son apestados a los que hay que expulsar de la ciudad, aunque nadie se preocupe de que el transporte público funcione (el jueves fui a la parada del 45, uno de los autobuses que me trae a casa desde el centro, en la pantalla figuraba que iba a tardar ¡23 minutos!, me fui andando naturalmente). Se puede decir que la ciudad vela por mi salud y me hace caminar, pero no: la ciudad quiere que vaya en bicicleta y si no me gusta, no sé o me da miedo, te fastidias.
Esta semana ha saltado a los periódicos un tenebroso asunto de corrupción urbanística local y a pequeña escala. Un piso de la Barceloneta de 30 metros cuadrados  se alquilaba a turistas por 250 euros la noche. El que lo alquilaba era un inquilino, no el dueño, lo que convertía el negocio en un robo organizado. Los medios de comunicación se pusieron inmediatamente del lado de la dueña del piso. Pero yo me pregunto si el origen del problema no viene de más lejos. ¿Es lógico, y ético que ella cobrara 950 euros mensuales de alquiler por 30 metros cuadrados? La primera que especulaba era ella. Y esto me lleva a una segunda reflexión: si hay turistas dispuestos a pagar 250 euros por noche en 30 metros cuadrados, debe ser por algo. Sí, porque no hay hoteles en esta ciudad. Y la idea es que aun haya menos. Los hoteles darían trabajo a mucha gente, pagarían impuestos y ofrecerían un servicio que un apartamento de 30 metros no da. Acabar con la especulación en todo el espectro urbano y construir hoteles sería una buena solución para mejorar la ciudad.
Me he ido por las ramas en esta mañana de San Juan. Debe ser la resaca no de coca y cava, sino de un año agotador. Y no he hablado del procés. En mi ciudad, en mi casa de los sueños, el procés no existe. A lo mejor por eso me gusta dormir y soñar que estoy allí y no aquí.




(un águila preciosa que ha dibujado Ramon para mi)

Bueno y de cine, solo una película puedo recomendar. Entre otras cosas porque aun no he visto el estreno de la semana ese Wonder woman que es el primer blockbuster del verano. De todo lo que se estrena hoy, me gustaría destacar Hermanos del viento, de Gerardo Olivares. Es una docuficción en los Alpes. La historia es la de la amistad entre un niño y un águila. Los paisajes son espectaculares (y frescos), los animales magníficos. La historia previsible. Pero todo junto hace que sea un film que juega a los tópicos de superación y de supervivencia (comer y ser  comido, lucha por el territorio) pero con una lección final que me gusta mucho. Educar es dar las herramientas para tener criterio propio, para saber defenderte en el mundo sin necesidad de atacar a los demás. Educar  es querer y ser generoso para dar la libertad. Muchas veces se confunde educar con adoctrinar, educar con convertir en adeptos, fieles que siguen las ideas del jefe, sea el padre, sea el maestro, sea el jefe de la tribu o el president(e).Lukas, el niño, aprende a educar a Abel, el águila, para que pueda vivir en libertad en las montañas mientras él mismo aprende a vivir en libertad entre los suyos. Es muy bonita, de verdad.