DRAMAS

 

Obra literaria escrita para ser representada.

Obra de teatro o de cine en que prevalecen acciones y situaciones tensas y pasiones

conflictivas 

 Suceso infortunado de la vida real, capaz de conmover vivamente.

 

Las tres definiciones que da la RAE para la palabra Drama se pueden aplicar perfectamente a los tres estrenos de esta semana. Bueno dos estrenos y una serie. Son obras escritas para ser representadas; son obras donde prevalecen las tensiones y las pasiones y reflejan sucesos infortunados en la vida de los personajes. A partir de aquí cada drama es distinto.

 

Drama ridículo. El Drama, Kristoffer Borgli

En realidad esta película se podría llamar La boda, que ya es en sí un drama para Charlie y Emma, la pareja protagonista encarnados en Zendaya y Robert Pattinson. La manera como enfocan la boda es tan convencional y ridícula que te preguntas qué haces viendo esa tontería. Hasta que algo pasa, algo que introduce en esa pareja feliz una semilla de duda, de miedo, de incredulidad que poco a poco crece en ambos hasta poseerlos por completo y llevarlos, sobre todo a él, a cometer una tontería más gorda que las que ya hacían cuando eran felices y comían perdices. En cierto modo, y sin que se parezcan en nada, el tema de la duda que se instala en el marido (o futuro marido) me recordaba dos películas magníficas, Los muertos, de John Huston y Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. Las dudas son diferentes, pero el proceso mental de los maridos/novio es muy parecido: ¿hasta qué punto conocen a sus parejas? La gracia de esta comedia romántica, negra y adulta, está en sus actores, dos iconos del nuevo Hollywood, Zendaya y Pattinson, que se atreven a reírse de sí mismos sin miedo al ridículo que sus personajes van acumulando. Se pueden buscar más cosas en este film: la crítica a violencia institucionalizda, auténtica plaga en Estados Unidos; la solemne estupidez de las weddding planing, el malvado e hipócrita comportamiento de la amiga… pero yo me quedo con la inteligente teatralización de un guión que es una pieza para dos intérpretes y de  la honestidad de una puesta en escena que no engaña. Desde la primera secuencia nos está diciendo: esto es una representación. Una comedia, si, pero una comedia bastante seria.

 

Drama mental. Corredora, Laura García Alonso

El drama de Cris es muy real, es una drama que le afecta en toda su vida: Cris es una atleta de élite, se entrena con tesón y esfuerzo de cara a una gran competición, canaliza toda su energía en sus piernas y en el ritmo de la zancada y se olvida de que el cuerpo necesita también otro tipo de atención. Es su cuerpo, mejor dicho su cabeza, la que le dice “basta”, conduciéndola hacia una depresión paralizante, un brote psicótico que la aleja de sus sueños. En la primera parte del film, los primeros metros de la carrera de la película, la directora Laura García Alonso, observa sin intervenir el crecimiento lento y escondido de ese brote, de esa depresión, de ese progresivo alejamiento del propio cuerpo de Cris. En este  tramo, Alba Sáez en su primer papel protagonista, despliega un autocontrol absoluto sobre su rostro y su cuerpo, al mismo tiempo que “vemos” como su infierno interior crece dentro de ella. El segundo tramo de la carrera, la medicación o la intervención, la muestra en un estado aletargado, sin fuerzas ni energía, un muñeco que tan solo su hermana, Marina Salas, es capaz de sostener en pie. En la tercera parte, cuando la meta ya está a la vista, la corredora…. Lo dejo en puntos suspensivos. Es muy interesante ver que las directoras  que salen de la ESCAC, Laura García Alonso es de la promoción del 2013, buscan para sus películas historias muy poco habituales, diría que muy poco generacionales. Corredora es un buen ejemplo de esta línea en la que un deporte, en este caso el atletismo de una deportista de élite, sirve para contar una historia de superación y sobre todo de colaboración, pero también de explotación. Cris corre sola, ya lo decía una mítica película inglesa, La soledad del corredor de fondo, pero aprende que no puede hacerlo sin apoyos. Una buena lección en un film que no da lecciones.

 

Drama cotidiano: Se tiene que morir mucha gente, Victoria Martín Movistar+

Los dramas de estas tres chicas son tan banales como absurdos. Bárbara, Maca y Elena son amigas desde hace veinte años; podríamos decir que se odian hace veinte años; o que se quieren hace veinte años; o que no se aguantan hace veinte años; o que no pueden vivir sin las otras desde hace veinte años. Bárbara es Ana Castillo, Maca es Laura Weissmahr, Elena es Macarena García. Tres actrices que llevan tiempo en el cine donde empezaron, Ana y Macarena por lo menos, siendo muy jóvenes. De hecho, Ana y Macarena son amigas desde hace quince años en la vida real. Lo que pasa entre ellas, seguro que les pasa a muchas amigas. Lo que ya no es tan común es lo que les pasa a ellas. Bárbara asume el peso del relato. Es ella la que está viviendo un drama, bueno una depresión materializada en una niña impertinente, su yo niña, a la que Sofía Otero llena de gracia y desparpajo diciendo las mayores burradas que se le ocurren a la pobre Bárbara adulta. El contraste con Maca nace del tamaño. Laura/Maca es enorme, alta, corpulenta, Bárbara/Ana es pequeña y encorvada. Maca quiere ser actriz, es lesbiana y parece tener las cosas claras (aunque en realidad no las tiene). Elena/Macarena también es pequeña, pero a diferencia de Bárbara, no se detiene ante nada. Es rica y caprichosa, casada con un hombre mucho mayor, Elena está embarazadísima y no quiere asumirlo, intenta escapar de la jaula de oro en la que se ha metido voluntariamente. La verdad es que vistas una a una, no querrías a ninguna como amiga, pero las tres juntas, acaban haciéndose querer y acabas entendiéndolas. Aunque si me tengo que quedar con un solo personaje es La Niña, el subconsciente deslenguado de Bárbara. La pequeña de las 20.000 especies de abejas se está haciendo mayor muy bien: es una robaescenas total.

El regalo de esta semana es una invitación a olvidar los dramas viendo el esplendor de mi amiga jacaranda (la foto está tomada el viernes 29).

 

 

  

PERIFERIAS

 

Cada vez hay más películas que hablan de periferias. No solo urbanas, o geográficas, sobre todo, sociales y económicas. Los tres ejemplos de esta semana son de este segundo tipo: la periferia del centro gentrificado y sus gentes expulsadas; la periferia de la vejez en una familia, la periferia de las gentes del campo y sus desconocidos problemas. Una serie y dos estrenos. Aquí están.

 

La serie: Ravalear, Pol Rodríguez, Isaki Lacuesta. HBO

Antes de nada el título: Ravalear es un título ambiguo, inclina a pensar en paseos, en fiesta, en algo lúdico. Ravalear como antes se decía Ramblear. Pero no. Ravalear en este caso no tiene nada de paseo, de fiesta, ni de lúdico. Ravalear, del barrio del Raval de Barcelona, es un grito de socorro de una de las zonas más maltratadas de la ciudad. El maltrato viene de lejos, ya lo contó Guerín en el documental fundacional En la ciudad, o lo reflejó Jordá en la aún más fundacional De nens. El Raval estaba llamada a ser la joya de la corona de la Barcelona post olímpica y ha acabado siendo una especie de Ravalistán, degradado por un lado, explotado por otro. En medio de este caos en transformación y degradación, aun perviven pequeñas islas de solidaridad, de tradición, de cultura en definitiva. Como el restaurante Can Mosques que es el centro vital de esta serie. Lo que pasa con Can Mosques, restaurante familiar, refugio de las gentes del barrio de toda la vida, pero también referencia de una clase política y sobre todo cultural de Barcelona, está inspirado (no diría que basado) en la auténtica historia de Can Lluis, un restaurante de la calle de la Cera donde Jordá solía comer y Guerin frecuentaba a menudo. Ese restaurante fue para mí, para nosotros los que trabajábamos en la Filmoteca cuando estaba en el Cine Padró, un lugar indispensable de reunión. Can Lluis era can nostra. Reconozco que desde que murió Joaquín, hace ya casi 20 años, no he vuelto por allí, pero sigo teniendo un rincón en mi memoria para sus platos y su acogedora atención. Todo esto está en Ravalear, homenaje nada encubierto de Pol Rodríguez, hijo de los dueños de Can Lluis. Pero Pol no olvida que está haciendo una ficción y que esta ficción tiene que ir más allá de la memoria personal. Si no habría hecho un documental y Ravalear no es un documental. La historia se resume bastante rápido. Un fondo buitre internacional decide “limpiar” el Raval para construir un Hotel y apartamentos de lujo. Las expropiaciones y expulsiones se suceden. También la de Can Mosques. Ante la amenaza de desahucio, el hijo mayor decide impedirlo poniendo en marcha un negocio de okupación ilegal de pisos. La inmigración que llena las calles del Raval no tiene techo sobre sus cabezas y él se la proporciona por un precio módico a costa de okupar los pisos del fondo buitre. Poco a poco la ilegalidad y la explotación encubierta van corroyendo al personaje de Alex y su relación con la familia, mientras el especulador Cristóbal (¡qué bien hace de malo Sergi López!) mueve los hilos y las tramas mas ruines para echarlos. Ese es el planteamiento, pero lo mejor es la manera como se cuenta, como se retrata el restaurante, el barrio, sus gentes. Pol Rodríguez prosigue su colaboración con Isaki Lacuesta en esta serie que se puede ver como una película muy larga. No se la pierdan: si les preocupa lo social, ahí está la gentrificación, la expulsión de la gente del barrio, los fondos buitres (rusos en la realidad, en la serie multinacionales), la inmigración; si lo que buscan es una buena historia con personajes sólidos, ahí la tienen. Can Lluís forever¡¡¡¡

 

Un estreno gallego: Dos días, Gonzaga Manso

Esta película pequeña y gallega corre el peligro de pasar desapercibida en el maremágnum de estrenos potentes y menos potentes de la semana. Por eso quiero hablar de ella. No es un film espectacular, ni siquiera sé si es una gran película, pero tiene alma, tiene sentido y sobre todo, tiene un protagonista inolvidable. Hace muchos años que Saturnino García, actor de más de 90 años, es un referente indiscutible de un cine marginal, distinto, arriesgado, fuera de los circuitos. Lo descubrimos en 1994, con sesenta años, en Justino un asesino de la tercera edad  y desde entonces no ha dejado de aparecer con su rostro serio e imperturbable (a veces parece un Buster Keaton español) en películas inclasificables. Un poco como esta. No tanto por lo que cuenta: José Antonio tiene 89 años y un principio de Alzheimer, su familia lo sobreprotege demasiado y él ansia recuperar un poco de libertad. Hasta aquí, una historia que hemos visto muchas veces. Lo que hace que Dos días sea un poco diferente es que, para escapar de su familia y su encierro mental, José Antonio se sube a una barquita para ir a pescar acompañado de un amigo/enemigo de toda la vida, Mindo, encarnado por el desconocido Jesús Outes, un percebeiro gallego que nunca antes había trabajado en el cine. El núcleo de la película es la larga conversación entre los dos hombres en medio del mar cuando se quedan sin gasóleo para volver. No hay dramatismo, no hay conflicto: hay una sólida amistad recuperada en esas horas, una camaradería que no se pierde y una reivindicación latente: dejar a los viejos en paz que no por viejos son tontos.  Me olvidaba, también el paisaje gallego de las rías, la costa, el mar, tiene su lugar en esta película hablada en gallego y castellano.

 

(por una vez el dibujo no es de Ramon, es mío, lo hice en Galicia en 1969, de esta manera se unen los dos estrenos casi por casualidad)

Un estreno valenciano: Cowgirl, Cristina Fernández Pintado, Miguel Llorens

En Valencia se está haciendo buen cine. Cine de huerta, podríamos llamarlo. Cine no urbano. Como esta Cowgirl, Chica de las vacas o Xica de les vaques en valenciano. Esta chica es una mujer de 60 años, Empar, que tiene una vaca, solo una, Tona. Empar vive sola en su granja con la vaca, pero quiere que Tona se quede preñada antes de que sea demasiado tarde. Empar es seca, dura, poco sociable, arisca. Extraña. Como Tona, su vaca. Cuando consigue que la vaca se quede preñada, Empar empieza  cambiar. A medida que el vientre de Tona va creciendo, Empar se va abriendo a los sentimientos, a las emociones, a vivir en definitiva.  En este camino la acompañan un viejo amor recuperado cuando los dos son ya mayores (lo que no impide que se quieran  como cualquiera) y un joven delincuente al que acoge como un hijo. Entre los tres, mas Tona claro, forman una pequeña nueva familia en ese entorno rural donde no todo es idílico. Para los que buscan siempre algo más, el papel de malo de la función lo cumple un alcalde ambicioso que quiere convertir el pueblo y sus alrededores en una atracción turística. Naturalmente, como en un auténtico western clásico, el malo acabará mal y la cowgirl se irá, como una Lucky Luke valenciana, cabalgando hacia el horizonte. Bonita. 

El regalo de esta semana es una vaca feliz que Ramon dibujó para el blog hace un tiempo

 

AMIGOS (SILENCIOSOS)

 

Yo tenia un amigo silencioso, siempre lo tuve. Mi amigo era en realidad una amiga, una jacaranda que mi padre plantó cuando yo nací y que creció conmigo, ella mucho más alta y hermosa con sus flores de color violeta. Esa jacaranda era mi hermana y mi amiga. Me gustaba sentarme apoyada en su tronco y dormitar sintiéndola; me gustaba leer un libro bajo su sombra; me gustaba contarle lo que me pasaba cuando estaba sola. Todo eso forma parte de mi infancia, la que viví en México hasta los 12 años. Cuando vinimos a España, me dolió dejar mi jacaranda. No la volví a ver, porque cuando regresé a la ciudad muchos años después, ya no estaba. En el jardín de casa tenemos una jacaranda preciosa, pero no es mi amiga como lo fue la otra. Nos acompaña y nos regala su hermosa floración en mayo y junio, me gusta mirarla y tocarla, pero no es lo mismo. Tampoco yo soy la misma. En todo caso, toda esta mini confesión viene a cuento de una película que se estrena esta semana que me ha conmovido y me ha hecho emocionar: El amigo silencioso de la cineasta húngara Ildiko Enyedi.

El amigo silencioso es, en este caso, un majestuoso y espléndido ginko biloba que se eleva hacia el cielo en el jardín de una universidad alemana. Ese ginko de más de 200 años, es el testigo de tres  experiencias vitales: la de Grete en 1908, la de Hannes en 1972, y la de Toni en 2020. Tres momentos de la historia que la directora entrelaza en una única historia: entender, comprender, comunicarse y acabar siendo amigos silenciosos del amigo silencioso. Del misterio de la fotografía en 1908, al misterio de la ciencia en 2020, pasando por el experimento de 1972, los tres protagonistas conectan con el árbol, con las plantas, con estos seres vivos a los que les prestamos menos atención de la que merecen. Porque las plantas están vivas, se comunican y nos hablan si queremos escucharlas. Pero para oírlas y sentirlas a veces es necesario el silencio, la soledad, el aislamiento.

Los tres protagonistas Grete, Hannes y Tony, están solos: Grete porque su condición de ser la única mujer estudiante de biología en 1908, la hace estar aislada de su entorno y la conduce a la fotografía como campo de experimentación y descubrimiento del mundo de las plantas, no solo del ginko bajo cuyas ramas se refugia, sobre todo de las flores y las hojas a las que ve por primera vez a través de la lente como si fueran seres de otro planeta. Hannes, estudiante de literatura en los convulsos años 70 de rebeldía universitaria, se queda solo un verano al cuidado de un jardín, pero sobre todo, al cuidado de un geranio con el que su compañera de piso está realizando un experimento. Lo que Hannes descubre en esa pequeña planta con una flor que mira al ginko desde una ventana, cambiará su manera de relacionarse con el mundo. Tony es un neurólogo especializado en estudiar el cerebro de los niños, invitado por la universidad alemana a dar un curso. La pandemia le deja solo en esa universidad con el único acompañamiento de un taciturno guardián y la única compañía de una científica francesa con la que habla on line y le despierta la curiosidad de entender a las plantas. Tony es el que más se relaciona con el ginko, auténtico amigo silencioso con el que desea comunicarse, conectar.

Las tres historias, la de Grete rodada en blanco y negro y 35 mm, la de Hannes filmada en 16 mm de colores saturados y la de Tony, en un digital exquisito, avanzan juntas hacia una comunión con las plantas que transformarán su vida y su manera de percibir la naturaleza. La directora ha dicho en varias entrevistas, que su deseo sería que el público saliera de la proyección viendo a las plantas de otra manera, sintiéndolas como amigas calladas que nos acompañan. Todo esto que he contado hasta aquí es el argumento, la historia, porque es cierto que se sale transformado de ver esta película. La belleza del ginko, el misterio de las fotos y los sueños de Grete, la alegría del geranio, no se pueden contar, hay que verlas y sentirlas. Ramon es un pintor de árboles y de flores y de plantas, los que conocer su obra lo saben muy bien. Sus cuadros de árboles es lo más cercano que conozco a esa verdad silenciosa de que las plantas tienen alma y sentimientos. El arte, como la ciencia, son caminos para llegar hasta ellos. La pintura de Ramon, las fotos de Grete, las ondas del geranio, la belleza del cerebro del ginko, todo está unido en esta hermosa e inesperada película. Me asomo al balcón y veo el magnolio, la jacaranda, el limonero, el mirto, la mimosa y pienso que en mi jardín y los de mis vecinos, tenemos una auténtica comunidad de amigos silenciosos. Es un privilegio que tenemos que apreciar. Pero cualquiera, si cualquiera, puede tener un geranio en su ventana. Y lo mejor de esta historia es eso: un hermoso ginko es tan importante como un pequeño geranio.

Una pequeña coda, hay otra razón por la que me gusta mucho esta película: está dedicada a Baumi, Karl Baumgartner, gran productor, gran persona, gran amigo, que nos dejó hace ya doce largos años.

 

Dies d’estiu i de pluja, Colectiu Espurnes

No quiero dejar pasar el estreno de una película que me gusta mucho,  y además me parece importante. También va de amigos, también va de naturaleza. Se llama Dies d’estiu i de pluja, la firma un grupo de amigos y cuenta la historia de tres amigos; dos chicos y una chica, curiosamente bastante silenciosos, que llegan a un pueblo del Pirineo de Huesca con la intención de pasar unos días en la montaña. Cada uno tiene su propio problema. Como Grete, Hannes y Tony, Biel, Gerard y Abril están solos aunque estén juntos esos días de verano y lluvia en los que la amistad y la complicidad entre ellos es la mejor medicina para sus estados de ánimo. A través de sus ojos vemos la naturaleza y la sentimos y en eso también conecta con el amigo silencioso: basta pararse a mirar alrededor para descubrir que hay muchas cosas que ver, muchas plantas y árboles que sentir. Incluso en una ciudad. Hagan la prueba.

 El regalo de esta semana son dos fotos, una son hojas de ginko recogidas del suelo en un paseo por el barrio donde hay ginkos jóvenes que iluminan el otoño con una explosión dorada, la otra es uno de esos ginkos en pleno esplendor.

 

 

BARCELONA EN…

Trece películas se estrenan esta semana. Trece films buenos, malos, muy malos. He visto varios. Quizás podría hablar de Yo no moriré de amor, de Marta Matute, sin duda una de las películas españolas favoritas del año, pero no me apetece, tengo la sensación de haberla visto muchas veces. También podría comentar el culebrón mexicano Deseo de Teresa Simone, pero la verdad es que tan solo se  merece mencionarla por la amoralidad absoluta de sus protagonistas, una rica familia mexicana que acaba entendiendo que  matar puede ser un gran afrodisiaco. En fin. Por eso me refugio en  tres propuestas que tienen a Barcelona como escenario: una serie, una novela, y un avance de un estreno de la semana que viene. Todas pasan en Barcelona, son historias de gente muy reconocible y cercana, y dejan ver tras su ligereza una cierta carga de profundidad crítica.

 

La serie, Yo siempre a veces, Marta Bassols y Marta Loza, Movistar

Yo siempre a veces… es una frase muy sugerente. Siempre, a veces ¿qué? ¿me voy de viaje, me tomo una copa, salgo con los amigos, tengo un bebé? (yo no) pero Laura sí. Laura a veces se va de viaje a Berlín; a veces se pone de todo un poco más de la cuenta, a veces sale con los amigos y  a veces… tiene un bebé. En el primer capítulo conocemos a Laura que está a punto de viajar, se ha tomado más de una copa, ha salido con su amigo/novio Rubén, con el que tiene un polvo memorable. En el segundo capítulo vemos porque siempre, pero a veces, Laura no se ha ido de viaje, ya no toma copas, vive con Ruben y tiene un precioso bebe de cinco  meses, Mario. Pero si la serie fuera solo eso, se acabaría muy pronto y no tendría mucho interés. Por eso seguimos viéndola y viviendo con Laura su aventura de madre soltera, aunque en el registro conste que son una familia, sin casa, sin trabajo estable y sin ningún apoyo. Pero entonces, ¿estamos ante un dramón sobre la maternidad en solitario? Pues no. Laura es mucha Laura y sus creadoras las dos Martas, Bassols y Loza que se la han inventado, tampoco son poca cosa. Conseguir que una situación al límite se convierta en una comedia reivindicativa y feliz de cómo ser madre y no morir en el intento, al contrario, disfrutarlo con todos los sentidos, es un trabajo francamente difícil que esta serie, justamente premiada en Cannes, logra en un pleno al diez. Gracias en gran parte a la frescura, desparpajo, libertad y alegría que transmite Ana Boga, una actriz recién descubierta, con un físico muy poco normativo y un comportamiento, como Laura, aun menos normativo. Me encanta esta serie de dos chicas sobre chicas que habla de cosas que no son solo de chicas. Y me encanta, además, como está estructurada en casas donde Laura busca refugio: la de Rubén en el Raval, la de sus padres en Santa Coloma; la de sus amigas en el centro; la del artista en el Born; la del refugio espiritual; y la de Berlín. Cada casa es una cara de Laura.  “Nos gustaba mucho la idea de escribir un coming of age, pero no de niña a mujer, sino de no madre a madre, y de la transformación que esto supone.” Dicen sus creadoras y creo que es la mejor definición que se puede hacer de esta estupenda serie. (En Filmtopia hay una interesante entrevista con las dos Martas hecha por María Adell. Este es el link por si os apetece saber más: https://filmtopia.net/entrevista-marta-bassols-loza/)

 

La novela, No la dejes sola, Desirée de Fez, Blackie Book

Si Laura (y una de las Martas), son de Santa Coloma, Desirée de Fez es de Cornellá. Ciudades satélites de Barcelona, pegadas y continuas, una al norte, la otra al sur. Desirée siempre, quizás a veces no se lo creyó, quiso ser crítica de cine. Curiosa vocación si se tiene en cuenta que no es precisamente una fuente de entrada de ingresos muy segura. Pero ella lo tenía muy claro. Y lo ha conseguido. Desi es una de las firmas más relevantes de la crítica de nuestro país. Pero Desi no quiso renunciar a tener una vida personal plena. Tiene dos hijos estupendos y un compañero con el que lleva muchos años compartiendo vida, trabajo y familia. ¿A qué viene esta minibiografía de Desirée de Fez? Pues a que además de crítica de cine, Desi se ha revelado una autora de novelas  semiatobiográficas muy personales. En diciembre del 2020, en plena histeria de la pandemia, publicó un primer libro: Reina del grito, Un viaje por los miedos femeninos. Escribí entonces en el blog: “En este libro autobiográfico y casi confesional, Desirée retrata sin ningún miedo todos sus miedos. Algunos compartidos por muchas mujeres, miedo a la maternidad, a caminar sola de noche; otros compartidos con hombres y mujeres, miedo a fracasar profesionalmente, a no ser aceptado; y unos pocos personales de la autora, miedo al propio cuerpo, a los deseos. Desirée de Fez conjura esos miedos en el refugio paradójico del cine que da más miedo: el de terror. Desirée es madre de un niño y una niña. Sus hijos son importantes, no solo en su vida, también para entender este libro de auto reflexión que empieza precisamente con una conversación con su hija cuando tenía dos años en la que la niña le dice que no quiere ir al colegio “porque tiene mucho miedo” y acaba con otra conversación con su hija en la que la niña, ahora de tres años, le dice.  “A ver mamá, basta. ¡Ya está bien! No tienes que tener miedo. Ya eres mayor”. Desi se ha hecho mayor, y sus hijos y Carlo, y ahora puede enfrentarse a un texto donde una de las protagonistas es ella (y no es ella) y las otras dos protagonistas son su madre y su hermana (y no son su madre y su hermana). Con los elementos que la vida le pone en bandeja, su estrecha relación con su hermana y su madre, su estresante profesión de crítica pluriempleada, su desvelo por llegar a todo en el tema de los niños y la paciencia infinita de su pareja, Desi construye una novela gótica ambientada en un multicentro de Cornellà, donde se suceden los mas gorísticos acontecimientos dentro de una cotidianidad tan terrorífica como reconocible. En este universo navideño, todo sucede entre el 22 y el 25 de diciembre, las tres mujeres de la familia tejen una conexión inexplicable para todos los demás y atraviesan un ecuador en sus vidas. Tan entretenida como sangrienta, No la dejes sola, es una novela que se lee de un tirón, no puedes dejar de querer saber que les pasa a Diana, Alba y su madre, porque ellas siempre, a veces, necesitan sentir que las tres forman un todo.  De No la dejes sola se podría decir “basada en hechos reales” y seria verdad. Pero los hechos reales se ven siempre, no solo a veces, de manera muy diferente según quien los mira o los vive. Un apunte, me parece adorable el personaje de Carlos, la pareja de Diana.

 

Un avance de estreno. Pizza Movies, Carlo Padial

Esta película se estrena la semana que viene, pero era de “caja de pizza” que tenía que hablar de ella vinculada el libro de Desirée de Fez. Porque hay un hilo umbilical entre ambas cosas, la propia Desirée. Ella es coguionista de una película dirigida por su compañero Carlo Padial en el que aparece un personaje, Thais, que podría ser la prima de Diana y Alba, las protas de No la dejes sola. Como Diana (y como Desi) Thais (Judit Martín) es crítica de cine y está en crisis total. Su marido Alan (Berto Romero) es un personaje gemelo del Carlos de No la dejes sola (intuyo que del propio Carlo), un hombre paciente, que sabe escuchar a su mujer y la acompaña en su delirio pizzero. La noche que Thais dice que lo deja todo, que no puede más, y que quiere tener una pizzería temática de cine, la vida cambia para ambos. Montarla y convertirla en un negocio de éxito es lo que cuenta esta divertida película que se guarda para el alegato final, como en los juicios, su auténtico mensaje: no olvides tus sueños, el cine puede vivir incluso en una pizza deliciosa aunque horrible. Para la crítica de cine  barcelonesa, la película tiene un aliciente añadido: reconocer (y reconocerte) en los críticos culturales que desfilan por la pantalla y que acaban encontrando su lugar como repartidores de pizzas. Plagada de cameos de amigos y conocidos, famosos y no famosos, Pizza Movies es un film que mira al futuro y propone una salida: aunque la maquinaria social te quite tu sueño, nunca debes perderlo, y si el negocio de las pizza movies no funciona, siempre puedes montar una Movie pizza. Felicidades a los dos.

El regalo de esta semana es  una foto de Barcelona desde una perspectiva no muy conocida.

 

TRES PROPUESTAS

 

Esta semana que empieza tras un puente largo, hay tres propuestas de cine que me interesa destacar. Quizás no son las mejores películas (no he podido ver Resurrection de Bi Gan que sin duda es magnífica, ni Todo lo que fuimos de Cherien Dabis que seguro hace llorar mucho) pero he visto otras de las trece películas  que se han estrenado. Y de ellas, me quedo con tres.

 

Propuesta 1. Un cuento de hadas contemporáneo 

El diablo viste de Prada 2, David Frankel

“Es una fantasía. Es un cuento de hadas urbano. Es un algodón de azúcar: artificial, sin valor nutricional, malo para la salud, pero en pequeñas cantidades está rico. Y, por lo menos, que a veces parece mucho pedir, entretenimiento del que entretiene.” Así acaba su crítica de El diablo viste de Prada 2 Marta Medina en El Confidencial. Antes hace un análisis interesante de la película, pero me ha encantado coincidir con ella en lo de “cuento de hadas urbano”, porque esas fueron exactamente las palabras que usé para dar mi opinión en una encuesta de la distribuidora a la salida del pase de prensa. Un cuento de hadas urbano, que, como los auténticos cuentos de hadas, habla de su tiempo y la sociedad en que sucede. No hay brujas (bueno si, una y no es Melinda/Meryl), hay princesas, hay príncipes, hay un hado madrino, hay ogros malos y sobre todo, hay mucho lujo y esplendor. El primer Diablo, el del 2006, fue un producto pre crisis del 2008, pero post trauma Torres Gemelas, era un retrato ligero y mordaz de la sociedad del espectáculo y la riqueza, de la frivolidad y el pensar que nada iba a cambiar nunca, también de la alienación del trabajo (los ricos están igual o más alienados). Pero no iba mucho más allá. Se trataba de retratar una capa de la sociedad de la que los mortales comunes sabemos muy poco. Veinte años después, el Diablo 2, es producto post crisi(s) no ha parado de haberlas, y pre trauma (el que se nos viene encima con el mundo en manos de un trío de peligrosos ególatras, un lunático, un pedernal y un confuciano calculador). En esta entrega se sigue el mismo esquema, prácticamente exacto: Andy (Anne Hathaway) llega de nuevo a la redacción de Runway, pero ahora con un cargo de responsabilidad; Melinda (Meryl Streep) sigue dominando y controlando la redacción con mano de hierro, Nigel (Stanley Tucci) mantiene su papel de alma escondida de la revista y Emily (Emily Blunt) la amienemiga (bonita palabra que no he inventado yo) es alta ejecutiva en la Casa Dior. Como en la anterior, hay unos malvados que quieren acabar con Miranda, en este caso los tecnoligarcas que todos podemos reconocer, y hay una china rica y comprensiva (curioso que sea china) que echara una mano a las dos nuevas aliadas Andy y Melinda. Hay una sutil y ligera añoranza por  la desaparición de las revistas en papel; una nada sutil, pero igualmente ligera, crítica a los nuevos ricos y una trama en la que desfilan vestidos, zapatos, abrigos, complementos, lujo y esplendor en un Nueva York que nada tiene que ver con el mundo real y una Milán convertida en castillo de cuento. A mí me gustan las dos entregas del Diablo, pero con esta he disfrutado un poco más. Ver a Meryl Streep pasándoselo tan bien con la ropa que le ponen, luciendo tan espléndida a sus 76 años, sin esconderlos ni disimularlos, y mirando por encima de las gafas con esos ojos azules que por más que quieran ser fríos son siempre dulces,  es un espectáculo que merece la pena. Como decía Marta Medina, un entretenimiento que entretiene.

 

Propuesta 2. Una película alemana que parece iraní. La isla de Amrum, Fatih Akim

Debo una explicación a la frase que acompaña el título de esta película. El cine iraní de los años 80 y sobre todo los 90, de la mano de Abbas Kiarostami y Jafar Panahi, puso de moda un cine identificable, entre otras cosas, por ser historias protagonizas por niños (pagaba el Ministerio de la Infancia) que buscaban algo a lo largo de la narración (manera encubierta de reivindicar la tradición del cuento sufí, borrado de la cultura iraní por los ayatollahs). Fatih Akim parece inspirarse en esta doble fuente para contar una historia basada en la infancia del director, guionista y actor Hark Bohm. Primavera de 1945, Nanning, un niño de doce años, vive en la isla de Amrum. Su padre está en el ejército y su familia, en especial su madre embarazada, son nazis convencidos y militantes. Nanning tiene un amigo que no es nazi, Nanning quiere ayudar a su familia trabajando, pero sobre todo, Nanning quiere hacer feliz a su madre. Y ahí entra la mirada iraní, porque Nanning se  empeña en encontrar un pan con mantequilla para ella, en una isla y un tiempo en el que no hay casi comida para nadie. Akim cuenta esta historia sin  melodramas, sin exagerar ningún aspecto, deslizándose suavemente por la vida de esa isla que no quiere quedarse detenida en el tiempo. Puede recordar los Juegos prohibidos, de René Clément, o  Alemania año 0, de Rossellini, pero sin la ternura de una ni la dureza de la otra. Es una película muy bonita. Y además, su lado iraní permite extrapolar la historia a ahora mismo. Seguro que en Irán hay algún niño buscando un pan con mantequilla (o el equivalente) para su madre embarazada mientras el mundo se derrumba a su alrededor.

 

Propuesta 3. Cine gallego con aire neblinoso Así llegó la noche, Ángel Santos

En el D’A Film Festival de este año, se presentó dentro de Un impulso colectivo el nuevo trabajo del gallego Ángel Santos. En el texto introductorio del festival se dice. “Con pocos personajes —un escultor huidizo y su ex pareja, un amigo, un guardia civil— y el esplendor del paisaje gallego, el film consigue lo impensable: unas cuantas imágenes que hablan del estado de ánimo de todo un país.” De ahí el hablar de aire neblinoso. No es una niebla física, el paisaje es hermoso y tiene una enorme importancia, más bien se trata de una niebla del alma que recorre la cultura gallega y celta desde tiempo inmemorial. Pablo (hay muchos Pablos en esta película, el coguionista Pablo García Canga, el escultor Pablo Barreiro, autor de las obras que se ven en el film), es un escultor solitario y callado que trabaja en un taller aislado de la costa gallega cerca de El Grove, en la entrada de la ría de Arosa. Prácticamente solo se relaciona con un misterioso guarda de un camping cerrado en esa época. Pablo es el protagonista absoluto de la primera parte del film. La segunda empieza cuando llega Andrea, una antigua amante y amiga que viene en busca de ayuda, aunque no lo diga. Pablo y Andrea pasean, hablan, recuerdan y miran. Hasta que una noche Pablo se va sin decir nada. Andrea, protagonista casi única de la tercera parte, lo busca por todas partes pero sin demasiada convicción. Sabe que Pablo necesita huir como ha huido ella hasta ese refugio costero. La anterior película de Ángel Santos, Las altas presiones, tiende un tenue hilo de niebla con esta nueva propuesta, el personaje principal de Las altas presiones era un localizador de cine que busca en la Galicia de ahora mismo paisajes industriales en ruinas mientras intenta reconstruir la ruina de su propia vida. Pienso que el Miguel localizador ha ayudado a Ángel director a encontrar esos paisajes magníficos de ruinas industriales en los que Pablo, el escultor, encuentra sus materiales y su inspiración. Una película sobre el dolor de la creación y la necesidad de la soledad. Hermosa. 

El regalo de esta semana es una acuarela que evoca Amrum y la ría de Arosa. El diablo se queda un poco más lejos.

 

 

 

 

 

 

UN DESCUBRIMIENTO:PEDRO PINHO

La risa y la navaja, Pedro Pinho

Se estrena esta semana una película que me habría pasado completamente desapercibida si no fuera por el aviso de Alex Gorina. Fue él quien me dijo que valía la pena verla. Ni el título, La risa y la navaja, ni el director, Pedro Pinho, me decían nada. Y la duración de la película, 211 minutos, me echaba para atrás. Pero me rendí ante la recomendación y  empecé a verla. En seguida me di cuenta de una cosa: no debía verla como una película muy larga, sino como una serie de cuatro horas sin interrupciones. No porque tenga nada de serie, La risa y la navaja es una película 100%, pero sí porque mi cabeza se adaptaba mejor al ritmo y la cadencia del film. Y así fui descubriendo que estaba ante una película portuguesa rodada y ambientada en Bissau, la capital de Guinea Bissau, ex colonia africana de Portugal. La primera secuencia me intrigó: un coche en el desierto, un policía al que le gusta leer y hablando en castellano. ¿Dónde estamos y quiénes son estos dos personajes? Del policía nos olvidamos enseguida, pero del conductor no. El conductor es un ingeniero portugués destinado por una ONG para hacer un informe sobre la conveniencia de construir una carretera que una el desierto con la selva. Tiene que medir su impacto ambiental y humano. El ingeniero se llama Sergio, y parece un personaje escapado de una novela de Camus. Su primera noche la pasa en un hotel, sus vecinos de habitación hacen mucho ruido. Va a avisarles. Esa es la primera vez que se encuentra con Diara y Gui, dos personas que van a ser sus guías en el laberinto de una ciudad y un país que se va revelando poco a poco. Los dos son fascinantes y los dos forman una especie de dualidad, mujer-hombre-mujer casi digna de la cosmogonía africana. Los dos serán los vértices entorno a los que se mueva Sergio mientras se adentra en una ciudad africana moderna, de gente variopinta, económicamente corrupta, plurilingüe, con trabajadores extranjeros, los portugueses son los extranjeros en esa tierra, y con muchos problemas no resueltos con el colonialismo y sobre todo con el neocolonialismo. Todo ello trenzado con una banda sonora impresionante de músicas de todo tipo, con cambios de tono, incluso de género.. Me sorprendí pensando en Claire Denis y lo distinto que puede ser el cine hecho por los antiguos colonialistas según desde donde miren. Claire Denis no entiende África, la interpreta y la recuerda, por eso sus películas africanas son súper interesantes, pero profundamente francesas. El África de Pinho es mucho más real, no tiene nada de metafísico ni de intelectual. Es sensorial y económica, es presente sin deudas con el pasado, es queer y sexual. Es mucho más directa y cercana, sin dejar de ser crítica y política. Pero por encima de todo, es un gran musical nada ortodoxo.

La fábrica de nada Pedro Pinho Filmin

Después de ver La risa y la navaja, busqué algo más de este director, quién era y qué había hecho. Y así descubrí que Pedro Pinho es un director portugués de 49 años que forma parte de una productora de gestión colectiva fundada en el 2008 con seis socios llamada Terratreme, un colectivo de cine que recuerda el argentino El Pampero con el que tienen varias conexiones. Dentro de Terratreme, Pinho tenía otra película como director, La fábrica de nada  del 2017, y la encontré en Filmin. No estaba preparada para el impacto que me produjo este musical obrero que le habría encantado a Joaquín Jordá. Su título ya es estupendo: La fábrica de nada, una fábrica de ascensores en la que los obreros descubren una noche que les están robando las máquinas. Consiguen parar el robo, solo para enterarse de que los propietarios han decidido cerrarla y deslocalizarla en otro país. Así empieza esta aventura proletaria de autogestión. El mismo tema de Numax presenta que trata el mismo tema a través de la mirada de Jordá. En el film de Jordá de1980, los obreros de Numax le pidieron al director que hiciera un documental sobre el proceso de autogestión de su fábrica; en el caso portugués, lo que se plantea es la posibilidad de hacer un musical para sensibilizar a la gente (los franceses) de lo que está pasando. Durante casi tres horas (de nuevo hay que verla como una serie sin cortes) acompañamos a este grupo de trabajadores en sus dudas, sus encierros, sus discusiones políticas y económicas; pasamos por todos los géneros: cine militante, melodrama social, ficción-documental. Pinho reúne un grupo de actores estupendos, algunos de ellos los reencontramos en La risa y la navaja interpretando los trabajadores portugueses que deben construir la carretera. Uno de ellos, Ze, interpretado por José Smith Vargas, un polifacético artista, dibujante, escritor y músico, es la columna donde se apoya el film, el único que vemos en su vida privada y fuera del trabajo. Los demás están siempre en la fábrica: hablando, jugando, aburriéndose, pero manteniéndola ocupada mientras deciden cual será su futuro. Al final de la película un letrero nos dice: Dedicado a todos los trabajadores de Fateleva que entre 1975 y 2016 protagonizaron una experiencia única de autogestión con la antigua fábrica de ascensores Otis en Portugal. Otro letrero nos informa que los textos teóricos de las discusiones del film están extraídos del ensayo político A nuestros amigos, publicado en 2015 por el anónimo Comité Invisible.

Del mail de Alex recomendándome La risa y la navaja hasta los textos del Comité Invisible, se ha ido desarrollando una espiral que se abría a nuevas propuesta, a nuevas ideas, a nuevos caminos. Casi como hacen las dos películas de Pinho, espirales en formación constante desde un punto de partida: la llegada de un ingeniero portugués a Bissau; el desmantelamiento de una fábrica en Póvoa de Santa Iria, cerca de Lisboa. Una espiral que nos lleva del colonialismo y sus huellas visibles hasta el neocolonialismo de los nuevos poderosos que actualmente dominan África; de una fábrica en lucha en los años 70 a la actual recesión y crisis mundial. Dos lecciones de historia y de cine. Y además entretenidas, alegres, musicales y sin miedo a romper ningún tabú.

Acabo de darme cuenta que hoy, cuando escribo este blog, es 25 de abril, el día que se cumplen 52 años de la Revolución de los Claveles en Portugal, una curiosa coincidencia de fecha que tiene mucho que ver con estas dos películas. 

Sigo con regalos de fotos, la de esta semana es una foto de Ramon del amanecer  en Barcelona el día de Sant Jordi.

 

 

NADA EN COMÚN

 

Muchas veces, incluso sin darme cuenta, encuentro algún tipo de relación entre las películas que comento. Pero esta semana, lo único que puedo decir de los tres estrenos que me parecen destacables (entre lo que he visto) es que No tienen nada en común.

Prime Crime: A True Story, Gus Van Sant

Este 2025 Gus Van Sant  celebra su cuarenta aniversario como cineasta. Mala noche, su desconocido y casi olvidado debut, es del año 1985. Desde entonces ha hecho veinte películas, unas mejores que otras, otras realmente buenas. Yo lo descubrí con Drugstore Cowboy y desde entonces me hice fan de este callado, serio y muy personal director. Hacía siete años que no sabíamos nada de él. Por eso fue una agradable sorpresa ver que había dirigido Dead  Man’s Wire, literalmente Alambre del hombre muerto, (un título lleno de sentido) que aquí se estrena como Prime Crime: A True Story. La verdad es que es verdad lo de True Story, una historia verdadera. Van Sant, vuelve a contar la historia de un hombre que ha llegado al límite. Todo sucedió (de verdad) en 1977, Tony Kiritsis, un hombre común, trabajador y emprendedor, secuestró una mañana al hijo de un agente hipotecario encarnado en Al Pacino quien, con solo dos secuencia,  se queda en la memoria como homenaje al cine de los 70 que Van Sant evoca en este film. Pacino, su agencia de préstamos, le ha estafado, engañado y robado su dinero y su idea de negocio. Toni no tiene nada que perder y se lleva al asustado hijo de Pacino, Bill Hall, extraordinario Dacre Montgomery (¿dónde estaba este actor antes?) secuestrado con un artilugio mortal que justifica su título en inglés. La parte más importante de la película sucede en el apartamento de Tony donde mantiene a Bill apuntándole con unas escopeta, mientras la policía, la prensa y un popular locutor de radio, intentan desde distintos puntos de vista, resolver el asunto. Y el asunto es más un problema de dignidad que de otra cosa. Tony quiere que le devuelvan el dinero estafado, pero sobre todo, Tony quiere una disculpa. Y eso es mucho más difícil de conseguir. Van Sant ha vuelto en plena forma. Estupendo.

Un poeta, Simón Mesa Soto

Durante más de la mitad de esta película, pensaba que no entendía por qué todo el mundo hablaba tan bien de ella, por qué había ganado el premio Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Un personaje desagradable, bueno no solo el protagonista, todos son desagradables en este film colombiano, una vida miserable y mediocre. Fracaso absoluto de Oscar Restrepo, el poeta, marginado, desubicado. Un hombre al que le duele el mundo y ahoga ese dolor en borracheras bukowskianas e infinitas. Cuando aparece Yurlady todo empieza a bascular lentamente: Yurlady, la adolescente poeta sin ambiciones, fascina a Oscar con su capacidad de crear de la nada poesía de gran belleza. Pero a Yurlady no le interesa la poesía, su mundo es otro: un barrio popular de Medellín, una familia llena de hermanos, sobrinos y mujeres gordas, uñas pintadas y poco más. Oscar quiere convertirla en lo que ella no quiere convertirse y acaba convertido él mismo en otra persona. Un poeta empieza en la sordidez de Oscar y acaba en la luminosidad de Oscar. Entre medio un desfile de seres despreciables, el director del colegio, la familia de Yurlady, los hermanos de Oscar, y sobre todo, los poetas. Es memorable la lección que le da el Poeta más importante a la joven Yurlady: si quiere triunfar tiene que escribir de lo que los europeos quieren oír, miseria, pobreza, explotación, indigenismo, pornomiseria en definitiva. Un poeta no cae nunca en esa pornomiseria de mucho cine latinoamericano hecho precisamente para que los europeos puedan darles premios. Por eso es curioso que esos europeos le hayan dado uno de sus premios más prestigiosos a esta comedia negra y ácida. Es la excepción que confirma la regla.

Renoir, Chie Hayakawa

¿Por qué se llama Renoir una película japonesa que nada tiene que ver con el pintor o el director de cine? Es algo que solo se descubre viendo este dulce y triste film que, sin embargo, deja un poso de ilusión y de esperanza. La ilusión de su pequeña protagonista Fuki, una niña de once años con un padre enfermo de cáncer y una madre que intenta salir adelante en el Tokio de 1987. Fuki desborda imaginación, es capaz de ver cosas que los demás no ven, resuelve situaciones difíciles sin darse cuenta, encuentra amigas que pierde y vuelve a encontrar. Fuki es un rayo de luz. Ah! ¿Una Marisol nipona? No, de ninguna manera. Fuki no canta, pero si mira. Fuki sueña y espera la muerte de su padre sin dramatismos en un verano en el que descubre un cuadro de Renoir. Un cuadro de una niña que, como Fuki, está llena de luz. Chie Hayakawa es una directora japonesa de una rara sensibilidad para captar matices en sus personajes. Ya lo demostró en su conmovedor y al mismo tiempo terrible Plan 75, un film sobre la muerte y como la sociedad se enfrenta a la vejez. Ahora se fija en la infancia a través de Fuki y su curiosidad, alegría y manera de afrontar la muerte. “¿Por qué lloramos cuando alguien muere?” Se pregunta la niña en un momento dado. Quizás el cuadro de Renoir Retrato de Irène Cahen d’Anvers, nos dé la clave, si no la respuesta, a esa pregunta. Una niña francesa del siglo XIX es el espejo donde se reconoce una niña japonesa del siglo XXI, en su serenidad, en su ensoñación. Esas son las armas renoirianas (también del Renoir cineasta) que tienen Fuki, la protagonista, y Chie, la directora, para asumir al hecho ineludible de crecer y perder. Pero también ganar.

Como en esta entrada Nada tiene que ver con Nada, el regalo de esta semana es una foto primaveral de los paseos por Barcelona