RUEGA POR ELLAS

Ruega por nosotras, Daniel Monzón

¿Puede la transmisión de la palabra restituir una memoria olvidada? ¿Puede romper con el silencio perpetuado entre generaciones? Con 17 años, Mariona fue detenida e internada en un correccional del Patronato de Protección a la Mujer, institución dedicada a “regenerar a mujeres caídas” durante el franquismo y los primeros años de democracia. En el 2023, ella y su hija tratan de recomponer las piezas y vacíos de esta historia. (El buits, Sofia Esteve, Isa Luengo, Marina Freixa Roca, 2024)

 

Año 1974. Ana es una chica rebelde de 19 años. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de Protección a la Mujer. Es trasladada de Barcelona a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad con Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa, y otras chicas que están en su misma situación. (Ruega por nosotras, Daniel Monzón, 2026) 

Estos dos argumentos se parecen mucho, pero hay una diferencia: Mariona es real, es una mujer que vivió este encierro y sobrevivió para contarlo a su hija en un corto imprescindible: Els buits. Ana es ficción, vive el mismo encierro y  también sobrevive para contarlo en un film importante, Ruega por nosotras. Son dos caras de la misma moneda: la denuncia de la violencia y brutalidad permitida en una institución que nunca debió existir, pero sobre todo, nunca debió sobrevivir en una democracia. Porque el Patronato funcionó hasta 1985.

Entre el corto de Isa Luengo, Sofía Esteve y Marina Freixa Roca y la película de Daniel Monzón, hay un hilo de conexión que potencia uno al otro. Lo curioso es que ambos se gestaron en paralelo. Monzón descubrió la existencia de este siniestro organismo en 2019 gracias a un artículo en la prensa y así descubrió que uno de esos centros de internamiento estaba muy cerca de su casa. Mientras él disfrutaba de la recién adquirida libertad en las calles, aun había chicas allí encerradas. Esto le llevó a pensar en una historia. Un poco más tarde, después de la pandemia, Isa y Sofía investigaban para un corto sobre disidencias sexuales en el franquismo y llegaron al Patronato: “Gracias a los artículos que publicó Lucas Platero, accedemos a todo el trabajo de investigación que habían tratado este tema antes que nosotras, Lucas Platero y Matilde Albarracín. Pero queremos saber más y así encontramos a otra investigadora, Consuelo García del Cid, que es la que tiene más libros sobre la institución. Consuelo es una periodista que también estuvo encerrada en el Patronato. Nos compramos todos sus libros y empezamos a entender lo que fue el Patronato de Protección a la Mujer, una institución que represalió a las mujeres por razones morales durante más de cuarenta años. Y, un día, hablando con Marina, nos dice "mi madre estuvo encerrada allí". Estaba claro que no podíamos no hacerlo” (1)

Consuelo García Cid es el otro gran vínculo entre corto y largo. Marina lo explica hablando de su madre: “Yo creo que ella, hasta que no leyó los libros de Consuelo en el año 2011 o 2012, tampoco era consciente de dónde había estado, ni qué era esa institución. Tu cabeza se esfuerza en borrar cosas. A partir de saber que existen estos libros, empieza a darse cuenta de que no está sola, que lo mismo les pasaba a otras chicas y una de ellas había sido capaz de convertirlo en un relato, un libro. Este era uno de los puntos de partida de la película, la necesidad de la transmisión de las historias.” También es ese uno de los objetivos de Ruega por nosotras, que toma su título precisamente de un libro de Consuelo García Cid: no permitir que se olvide una parte de memoria escondida.

Marina pone en palabras algo que Ana vive en la ficción: Dice Marina: “Mi madre nunca me dejaba ir a dormir a casa de mis abuelos, el 25 de diciembre tocaba darle dos besos al abuelo y a la abuela, pero no tenía una relación de cariño con ellos. Mi madre siempre ha tenido mucha alergia a la cuestión religiosa y mis abuelos eran muy religiosos. Ella los quería y los cuidó, pero siempre nos decía: cuidado con los abuelos, ponía distancia con ellos. Es una familia donde han pasado muchas historias muy duras y nadie las ha mirado de frente nunca. No se han reparado estas heridas.” Esta es otra gran lección de Els buits y Ruega por nosotras, el franquismo empezaba en las casas, en la represión, el control enfermizo de los padre como dueños de las vidas de sus hijas. Una violencia invisible, pero absolutamente destructiva.

Una de las claves de porque estos dos films de distinto formato funcionan tan bien es precisamente porque ambos ponen en evidencia que no están hablando de algo lejano en el tiempo: “A nosotras, nos impactó mucho el hecho de que era la madre de Marina, no su abuela. De repente, el franquismo no era una cuestión de abuelos y abuelas, sino una cuestión de padres y madres. Es más fácil hablar de lo que pasó hace setenta años que hace treinta. Es sólo una generación.” También Ana y Sole, las dos protagonistas de Ruega por nosotras pueden ser las madres de gente que ahora tenga 20 0 25 años. No están tan lejos.

En las notas que escribí cuando vi la película de Daniel en el Festival de San Sebastián acababa diciendo: “Igual que la historia (real) de Mariona, la protagonista de Els buits, acabó bien, también la historia de Ana y Sole (ficticia) acaba bien. Algo que le agradezco mucho a Daniel Monzón es que no caiga nunca en la sordidez y que les dé una salida positiva a sus protagonistas. Estupenda.”

El corto Els buits se puede ver en Filmin, la película de Daniel Monzón se estrena esta semana. Una interesante manera de acercarse a ella es ver antes (o después) el corto de Isa, Sofía y Marina. La ficción se hace de repente real. Y golpea con más potencia.

(1)  Todas las declaraciones de Sofía Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca están sacadas de la entrevista publicada en Filmtopia el 6 de febrero del 2025.

 

¡Felicidades Cristina!

A veces la vida te da alegrías inesperadas. Esta semana Filmtopia ha recibido un premio al “mejor contenido digital en la prensa en catalán”, por el artículo De la interpretación a la creación. Actrices/directoras de ayer y hoy de Daniela Urzola  publicado el 26 de marzo de este año. Este reconocimiento nos llena de satisfacción y estamos muy contentas. El mismo día que nos lo daban, me enteré de que han concedido el Premio Cervantes a Cristina Fernández Cubas. Fue una gran sorpresa ver que se premiaba el trabajo de una escritora singular que ha hecho con el relato corto una literatura de gran altura. No solo bien escrita, es un placer leer a Cristina, también por la deslumbrante imaginación de sus historias que encuentran en lo cotidiano lo fantástico, lo escondido, lo invisible. Los cuentos de Cristina son inclasificables y fascinantes. Conozco a Cristina desde hace muchos, muchos años, como lectora, desde 1980 cuando leí Mi hermana Elba, como amiga poco después, cuando ella y Carlos Trias, su compañero de vida y viajes, se convirtieron en habituales de las exposiciones de Ramon y en visitas al estudio. También nos encontrábamos en Negra y Criminal, la añorada librería de la Barceloneta donde Paco Camarasa y Montse Clavé ejercían de anfitriones todos los sábados en una fiesta pagana de mejillones y vino tinto. Cristina estaba ahí, con sus enormes ojos azules y su pelo rojo tan característico e identificable. Este premio me ha hecho recordar mucho a Jorge de Cominges, pienso que estaría muy contento de que su amiga Cristina haya ganado este premio. Como también lo estaría de ver que Enrique Vila Matas, buen amigo de Cristina, de él y de nosotros en esos lejanos años ochenta, haya ganado el  Premio Nacional de las Letras Españolas estel mismo año. Los dos premios juntos reconocen a una generación barcelonesa que creció y se forjó en la creación más independiente en unos tiempos en que parecía imposible hacerlo (sin ir más lejos, Cristina, Vila Matas, Jorge, vivíamos nuestra libertad al mismo tiempo que la auténtica Mariona y la ficticia Ana, estaban encerradas en un claustrofóbica cárcel moral y física). Aun hay una curiosa coincidencia que explica mucho lo que era esta ciudad en los años sesenta y setenta: Vila Matas fue redactor jefe de Fotogramas antes de rodar su corto Fin de verano en 1970; le sustituyó Cristina Fernández Cubas y poco después fue Jorge de Cominges el que tomó el relevo al frente de la revista dirigida por Elisenda Nadal. El premio a Cristina me ayuda a recordar el lado luminoso de unos años que eran muy oscuros para las marionas y las anas que sufrían el calvario de la represión familiar. Volviendo a Cristina y la actualidad de 2026, los que conozcan sus libros de relatos cortos (a veces son cuentos, a veces son otra cosa) valorarán más que se le conceda el Premio Cervantes (cuentista él mismo) por sus cuentos. Los que nunca la hayan leído, esta es una excelente ocasión para descubrirla y disfrutarla.

El regalo de esta semana es para Cristina (y para Carlos y Jorge en la memoria)

 

TRES COSAS PARA HACER

 

A veces apetece ir al cine, otras veces lo que quieres es quedarte en casa viendo una serie o  leyendo un libro. Esta semana triste en la que hemos vivido una tragedia inexplicable, y que nunca debió suceder, las tres cosas pueden ser un refugio.

 

Un estreno: Wicker, Alex Huston Fisher, Eleanor Wilson

Wicker quiere decir mimbre, la película se podía haber titulado así, Mimbre, o mejor, Hombre de mimbre. Pero ya se sabe que los títulos en inglés parecen más atractivos. Nunca entenderé los criterios de titulación de las pelis. Se llame Wicker, Mimbre, Hombre de mimbre, el film nos coloca en el terreno de la leyenda, del cuento de hadas, de lo fantástico. Una pequeña aldea cerca del mar y con un bosque. Una mujer pescadera que ahuyenta a los hombres y a las mujeres por su olor; gentes sencillas de pueblo, el hombre que hace cestas (wikerman), la mujer del sastre, la mujer del panadero… Nadie tiene nombre, a ellos se les conoce por su oficio, a ellas por ser la mujer de. Solo ella tiene su propia definición, ella es la “fisherwoman”, vive feliz con su trabajo y en su vieja cabaña. Hasta que un día, un curioso ritual folklórico en una boda, la señala como la próxima novia. Todos se ríen ¿quién se casará con ella? La pescadora encuentra la solución: le encarga al wickerman, al hombre de las cestas, que le haga un marido de mimbre. Y él se lo hace. Y resulta que es alto, guapo en su extrañeza, cariñoso, trabajador, un gran amante y estupendo bailarín. Lo tiene todo, es el marido perfecto. En el pueblo se despiertan los celos, las envidias, las mujeres sueñan con el hombre de mimbre y desprecian a sus maridos; los hombres tienen miedo de lo que representa. Y se desencadena una tragedia. Pero no se preocupen, porque estamos en el mundo de los cuentos y los cuentos suelen acabar con un “vivieron felices y comieron perdices”. Oliva Colman está encantadora como la pescadora enamorada, Alexander Skarsgard se esconde detrás de su máscara de mimbre pero se le reconoce, y el inolvidable Tyrion Lanister de Juego de Tronos se acaba llevado el pez a la cesta. Divertida, irónica, tierna, esta comedia romántica en forma de fábula es una agradable sorpresa.

 

Una serie: El Castillo, Isabel Peña, Eduardo Villanueva, Elena Martín

Por desgracia esta serie no es romántica, ni irónica, ni divertida. Pero si se puede leer como un cuento. El título, El castillo, evoca los cuentos de hadas. Hay un ogro malvado y princesas encerradas en la torre, un apuesto príncipe que intenta salvarlas y un hada que las protege. Y una bruja odiosa y algunos enanitos no demasiado amigables. Quizás Mabel Lozano, la autora del libro El Proxeneta sobre el que Isabel Peña y Eduardo Villanueva han escrito el guión, no estará muy de acuerdo con esta lectura, o sí, quién sabe. El castillo es un cuento cruel basado en hechos reales: la explotación de mujeres jóvenes que se traen de Latinoamérica para prostituirlas en castillos tenebrosos y cutres de carretera, clubs nocturnos que mejor no ver a la luz del día y habitaciones que no tienen nada que ver con la de Irma la dulce. En esta historia hay cuatro grandes protagonistas. El ogro es Suizo y Suizo es un Raúl Arévalo desconocido y perfecto en su ambigüedad de protector/explotador/confidente. La princesa entre las princesas es Claudia, la actriz colombiana Valentina Vidal, una joven vendida por su madre, la primera que la explota, un hijo enfermo y muy poca suerte en la vida. Claudia llega al Edén y descubre que el castillo no es más que un cuchitril. El príncipe, Omar Ayuso, es un joven policía que aun no ha perdido los ideales y cree que podrá vencer a los enanitos proxenetas, al ogro, y a su poderosa organización que crece y se enriquece con la ayuda de un mago/abogado, listo y muy malo. El hada se encarna en una enfurruñada y tenaz Laia Marull, policía entregada en cuerpo y alma a combatir la trata de mujeres que son la mercancía más valiosa en las carreteras de la España vaciada. El paisaje es el desolado y plano horizonte de la meseta de Ciudad Real. No hay bosques ni refugios. Los personajes están bien dibujados, los objetivos claros no se esconden ni se disimulan: esta es una serie de denuncia de una lacra social que dura y perdura en nuestro país en parte por las brujas que lo sostienes. Brujas en plural porque en este cuento contemporáneo este rol se lo reparten a partes iguales una abogada desalmada y una juez demasiado rigurosa. Por todo esto vale la pena ver El castillo. Aunque la puesta en escena y el guión no se arriesguen, el riesgo ya lo corren las pobres princesas/prostitutas.

 

Un libro: Notas sobre una vida, Eleanor Coppola, Circe

Acaba de publicarse una nueva edición de las memorias de Eleanor Coppola, revisada y con un prólogo escrito por mí. Cuando las editoras de Circe me preguntaron si me apetecía hacer el prólogo a esta nueva edición, dije enseguida que sí. Eleanor Coppola me ha parecido desde siempre una mujer potente, alguien con una enorme personalidad que ha sabido ponerse en un segundo plano de apoyo a su famoso marido, Francis Ford, a sus famosos hijos, Sofía y Roman, y a su nieta Gia. Siempre estaba ahí para ellos, pero eso no quiere decir que no estuviera también ahí para ella. El prólogo que he escrito para las memorias se llama La mujer fuera de campo. Y eso es lo que fue Eleanor Coppola, la mujer que nunca sale en la foto, pero la foto no existiría sin ella fuera de campo. El último párrafo del prologo dice. “Notas sobre una vida acaban en junio del 2005. Francis está trabajando en el rodaje de Juventud sin juventud en Rumania, Sofía monta María Antonieta en Nueva York, Román está en Los Ángeles preparando una retrospectiva de su obra en el Teatro Egipcio de Hollywood, Gia está haciendo prácticas en una revista. “La familia está bien” escribe Eleanor. Y ella, ella está en Napa en la nueva casa. Sí, la familia está bien, y ella también.” Leer estas notas es revivir sesenta años de historia del cine, de Dementia 13 a Megalópolis, de Las vírgenes suicidas a María Antonieta, sin olvidarnos del loco rodaje de Apocalypse Now o de los tres Padrinos. Reconozco que no soy objetiva, pero a mí me engancharon y no pude parar hasta acabarlas con el sentimiento de que quería más. 

El regalo de esta semana es una foto de Ramon de un precioso Wickerbird, que me acompaña desde hace mucho años.

 

 

FAMILIAS

 

Hay semanas en las que me deprimo mucho porque no encuentro nada de qué hablar. Por suerte esta no es una de esas. Al contrario. A medida que iba viendo los estrenos en los pases iba pensando, ya tengo una, ya tengo dos, ya tengo tres, ya tengo cuatro, ya tengo cinco¡¡¡ Cinco películas recomendables en una semana. Es algo insólito y que obliga a seleccionar según los gustos, las ganas, la curiosidad y sobre todo el momento de cada uno. Cuando hice la lista de los cinco estrenos, dejando aparte el documental, me di cuenta de algo que unía las cuatro ficciones: todas hablan de familias con una pérdida, de familias en un momento de crisis, de familias que se reestructuran. Curioso, porque a priori títulos como Sentido y sensibilidad, Moscas, Los niños están bien o Blue Heron, no tienen nada que ver.

 

(mi primer libro de Jane Austen se llamaba Juicio y sentimiento)

Sentido y sensibilidad, Georgia Oakley (Gran Bretaña)

¿Hacía falta una nueva adaptación de la clásica novela de Jane Austen. Sí, hacía falta. Treinta años después de la inolvidable versión de Ang Lee con Emma Thompson, necesitábamos una nueva mirada sobre una de las obras románticas más importantes del siglo XIX. Igual que Greta Gerwig hizo con Mujercitas, el punto de vista de una directora sobre una obra que siempre fue adaptada por hombres, esta nueva Sentido y sensibilidad dirigida por Georgia Oakley tiene una nueva perspectiva. La de la importante relación de las dos hermanas: Elinor, el sentido, Marianne, la sensibilidad, en la construcción de sus dos historias de amor. Profundamente física, la presencia de la naturaleza en forma de animales, bosques, plantas, cielos, es fundamental, pero el film explora al mismo tiempo, con una gran sensibilidad y mucho sentido, lo que significa ser hermanas en un momento de crisis: la muerte del padre literalmente las desahucia de su preciosa casa y deben casarse para poder sobrevivir. Si buscan un film bonito pero no cursi, tanto si recuerdan como si no la versión de Ang Lee, esta es su película.

(el vacío que deja una ausencia)

Los niños están bien, Nathan Ambrosioni (Francia)

Aquí también hay dos hermanas francesas que se quieren. También hay un trauma, una crisis. Una de ellas, la pequeña, llega a casa de su hermana mayor a la que no ve desde hace años, con sus dos hijos pequeños, un niño y una niña. El encuentro es tenso y emotivo a la vez, pero al día siguiente, la hermana pequeña desaparece dejando a los dos niños en casa de su hermana mayor. Todo esto pasa en los primeros5 minutos. Lo que sigue a continuación es el largo y difícil proceso de adaptación de una mujer acostumbrada a vivir sola y que nunca ha querido tener hijos, con dos niños que sienten el vacío de una madre que los ha abandonado. Lejos de cualquier sentimentalismo, sin caer en ningún lugar común, el tejido de esta relación entre tres personas obligadas a entenderse y a quererse, se sigue como una película de intriga emocional. ¿Lo conseguirán? ¿Serán capaces de superar los obstáculos que se les presentan? ¿Podrán cambiar sus vidas y sin olvidar a la madre y a la hermana, construir un espacio familiar nuevo? Una película emocionante y cercana.

 

Blue Hero, Sophy Romvari (Canadá)

Seguimos en el terreno de los hermanos, ahora en Canadá, en la Isla de Vancouver, a finales de los años noventa. Una familia de origen húngaro llega a una nueva casa. Los padres y cuatro hijos. Desde el principio sabemos que vamos a ver esta historia desde los ojos de una niña de ocho años, la pequeña que en silencio y sin casi decir nada, intenta comprender el extraño y errático comportamiento de su hermano mayor, un adolescente desequilibrado que desequilibra a toda la familia con su comportamiento. Son recuerdos, fragmentos de memoria, sensaciones que Sasha, la niña (en realidad la propia directora recordando su infancia) vive como si fueran secuencias inconexas de una película que no logra entender. La belleza de las imágenes, la serenidad del relato, la absoluta falta de violencia en una situación que en otras manos haría un film histérico, convierten esta película en una pieza única. Sobre todo cuando casi a la mitad da un giro inesperado y nos encontramos con una Sasha adulta, cineasta que prepara un film sobre su familia, el que estamos viendo. Cuando la Sasha de 28 años coge el ferry para ir a la isla, salta en el tiempo y en la memoria y la vemos entrevistar a sus padres como una trabajadora social mientras la Sasha niña la mira y la filma. Es un salto difícil que el espectador debe hacer con ella para entender toda la complejidad de este film que no parece una ópera prima. Personalmente Blue Heron me impresionó mucho porque tengo un cuento, escrito cuando tenía 28 años, los mismos que la protagonista, en el que mi yo adulto llega a mi casa y se encuentra con mi yo niña. Se llama La piedra azul y es uno de los que más me gustan.

Moscas, Fernando, Eimbcke (México)

Aquí no hay hermanos, pero si un niño, un padre y una madre que no está. También hay una mujer sola que se ve obligada a vivir con ese niño que le cae del cielo sin quererlo. Es una película muy seria y muy sencilla, en blanco y negro. Para contarla rápidamente, es un cruce en positivo de un film iraní, el niño busca la manera de llegar a su madre enferma en el hospital, y una película de Marisol. Porque el pequeño Cristian llega a casa de Olga como un ángel, o una mosca, para sacarla de su apatía y malhumor y forzarla a sentir de nuevo cariño, felicidad, amor, incluso hacia las molestas moscas que abren y cierran el film cumpliendo dos funciones completamente distintas. Una película entrañable.

 

EL RINCÓN DEL DOCUMENTAL

200 vidas, Paco Rabal, de Vanesa Benítez

Separo este film de los demás porque no va de familias (o si), ni de hermanos (o si) y mucho de memoria y recuerdo. Tengo que confesar que cuando lo empecé a ver tuve un vuelco en el corazón, oír la voz de Paco Rabal me provocó una profunda impresión porque es una voz inconfundible, única, de las que no se olvidan. Antes de seguir, se agolparon en mi cabeza las muchas veces que la escuché, que estuve con él: en el festival de Venecia tomando infinitos beellinis; en el festival de Berlín desayunando cuando fue jurado; en el rodaje de El hombre que perdió su sombra de Alain Tanner… Muchos recuerdos de él y de su mujer Asunción, un ejemplo de lo que es una pareja que se quiere por encima de todo lo demás. La directora Vanesa Benítez tuvo un regalo inesperado y fantástico cuando al preparar un documental para el centenario de Paco Rabal se encontró con un legado de fotos y películas en súper 8 filmadas por él, pero sobre todo se encontró con 80 casetes grabadas en las que Paco repasaba su vida sin miedo ni vergüenza. Son esas casetes las que escuchamos en un diálogo con las imágenes de sus interpretaciones y con las voces de amigos y gente que le conoció. Es impresionante y tiene el mérito de provocar las ganas de ver todas sus películas: las malas, las buenas, las olvidables, las inmortales. Todas para recuperar su presencia, además de su voz magnífica.

En una entrada como esta que habla de hermanas, me parece imprescindible recordar este cuadro que Ramón pintó de mi hermana y yo hace muchos años.

 

 

DOCUMENTALES

 

Esta semana en la que se estrena la versión restaurada y completa de Los demonios de Ken Russell y algunas películas interesantes, he ido a fijarme en tres documentales que seguramente pasaran desapercibidos porque casi nadie hablará de ellos. Es probable que se estrenen en pocas ciudades, pocos cines y pocas sesiones (me repito de lo que decía la semana pasada hablando de La deriva), pero no importa. Se los pueden apuntar en una libreta de pendientes para cuando lleguen, que llegarán, a las plataformas.

Érem una gran família de Cristina Rosselló

Cuando vi este curioso documental casero en el D’A Film Festival de este año, escribí en el blog una pequeña reseña que releo ahora en que, milagrosamente, llega hasta algunas pantallas. El film de Cristina Rosselló forma parte de un subgénero documental que  en cierto modo revalorizó el film My Mexican Bretzel de Nuria Giménez Lorang, un tipo de documental especializado en la recuperación de la memoria privada de gente normal, anónima, sin un peso en la historia, a través de películas caseras, ni siquiera amateurs, que conservan el aroma de lo íntimo y dejan ver el espacio de lo colectivo. Partiendo del material privado de una  familia de Vic, los Riera i Fité, Érem una gran família traza un retrato de la burguesía catalana de provincias desde 1942 hasta el año 2000. Las películas las filmó en primera lugar la Miquelina, hija y heredera de la rica casa Fité, a partir del regalo de una cámara que le hacen sus padres. Sus filmaciones ocupan la primera parte del documental y en ellas descubrimos que en la negra España de posguerra había alguna gente, en este caso en la Catalunya profunda, que vivía muy bien y era abiertamente franquista. Son filmaciones deliciosamente ingenuas de la vida familiar, la playa, la nieve, y la boda. Ahí se acaba la ingenuidad y la alegría. En la segunda parte, Miquelina/Josep, compartimos la rutinaria vida matrimonial y el nacimiento de los cinco hijos. En la tercera parte entramos ya en la oscuridad de la familia al tener el protagonismo Josep, el autoritario y displicente padre que domina la vida de los hijos adolescentes y adultos. El gran montaje de Cristina Rosselló se ve enriquecido con una banda sonora  de canciones, voces del NO-DO, y sobre todo del relato de tres de los hijos que se prestaron a hablar de su familia con total libertad. El resultado es uno de los films más interesantes, entretenido y muy revelador de lo que ha sido la burguesía catalana durante muchos años.

 

Parkour en Gaza Areeb Zuaiter

Parkour: Actividad deportiva desarrollada al aire libre, principalmente en entornos urbanos, que consiste en ir salvando los obstáculos que se encuentran en el camino, como diferencias de altura, escaleras, bancos, etc., mediante saltos, volteretas u otros movimientos arriesgados.

Podemos pensar que es difícil decir algo nuevo de la terrible guerra y destrucción que asola Gaza desde hace tres años. El documental Naza, dirigido por la pareja de cineastas israelitas Yuval Abraham i Rachel Szor que se estrenó la semana pasada, nos demostraba que si se puede decir cosas nuevas de un conflicto, enfocándolo desde otro punto de vista. Una semana más tarde nos llega otro ejemplo de cómo un mismo tema tiene muchas caras y aristas desde donde tratarlo. Parkour en Gaza de la directora palestina Areeb Zuaiter tiene la gracia no solo de acercarnos a una Gaza humana y cotidiana, también la de poner en primer plano un deporte que yo, sinceramente, ni siquiera sabía que existía: el parkour. Areeb vive en Estados Unidos desde hace muchos años, emigró allí con su madre y lo único que recuerda es que en las fotos de Gaza su madre siempre sonríe y en el exilio siempre estaba triste. Realizadora y documentalista, Areeb buscaba continuamente imágenes de una Gaza que cada vez estaba más lejos y en su búsqueda fue a parar a una serie de videos de un grupo de adolescentes que en la Gaza de 2015 se dedicaban a practicar el Parkour entre las ruinas, los edificios abandonados, los puentes y las carreteras de una ciudad que desde siempre ha sufrido el asedio y la carencia. En esos videos descubrió un chico que sonreía, como su madre. Lo localizó y comenzó a mantener con él una comunicación fluida a través de los videos. El chico se llamaba Ahmad y junto a un grupo de amigos, recorría la ciudad salvando obstáculos suicidas, con saltos increíbles, trepando edificios altísimos, arriesgándose continuamente. Ahmad y Areeb se hacen amigos a lo largo de los años en los que el parkour físico se convierte en una metáfora del parkour diario que debían superar los palestinos en su día a día. Ahmad soñaba con irse de Gaza, Areeb sueña con volver a Gaza. Ahmad consigue salir de la franja en 2018 y se va a vivir a Suecia, pero Areeb no ha conseguido volver a Gaza. Desde la actualidad de los bombardeos que ve en las noticias de la televisión, Areeb rememora su amistad con Ahmad y su nostalgia por una Gaza que ya no existe. Revisando los videos va dando forma a este documental inclasificable: ¿es de deporte? si, ¿es de denuncia? si, ¿es de nostalgia?, si. Es un retrato de Gaza, también, es un retrato de Ahmad y sus amigos, sin duda. Es todo eso, y es sobre todo, memoria de un lugar y un tiempo que desaparece irremediablemente.

 

Miss Jobson, Amanda Sans Pantling

He tenido que escribir de este documental muchas veces. La primera vez que lo vi, cuando seleccionaba films para el Docs Barcelona, me enamoré de esta mujer inesperada y desconocida, su vitalidad, su energía, su libertad. La segunda vez fue cuando hice los informes para el Festival la Gran Pantalla. Entonces destaqué el hecho de que una mujer de 80 años y su mejor amiga de 84, fueran capaces de nadar en el mar, tirarse en una tirolina por la selva, fumar marihuana y saltarse todas las reglas. La tercera vez, fue en la crítica que hice para Cinemania. Allí puse el acento en su faceta de abogada y amiga de Bob Marley con el que descubrió el movimiento rastafari y comenzó a dejarse la larga cabellera que lleva recogida en un inmenso moño que deforma su cabeza de una manera muy particular. También me parecía importante señalar que Diane Jobson, conocida como la abogada rasta, se había especializado en defender a los delincuentes más peligrosos, por lo que era adorada y admirada en toda Jamaica. La cuarta vez que tuve que hablar de Miss Jobson, a estas alturas una vieja amiga, fue en la crítica para Filmtopia. No podía repetirme, aunque es irremediable, así que hice un paralelismo con Thema y Louise en su coche rojo descapotable, como el que tiene Diane y Sally para sus escapadas a la selva y a la playa. Esta es la quinta vez que escribo de este documental fantástico sobre la figura de Diane Jobson, jamaicana, abogada, rastafari, libre que, como digo al final de la crítica de Filmtopia, nos deja como legado “una gran lección: hacerse mayor no significa renunciar a nada.” 

El regalo de esta semana es una cenefa en la pared de una casa de mi barrio que seguro fue de una gran familia, en la que seguro viviría feliz Miss Jobson, aunque ahora es un espacio ideal para el parkour.

 

GONZALO Y EL MONJE

 

(Alas de tiniebla, su último trabajo)

Gonzalo Suárez, el epílogo de un rey nada anónimo

La muerte de Gonzalo Suárez me pilló camino de Gijón donde he estado en un interesante encuentro de Fotoperiodismo. Una dolorosa coincidencia, porque Gonzalo era asturiano y además fue periodista. Bueno, Gonzalo Suárez fue mil cosas. Si hablamos de geografía, era asturiano por su nacimiento, su arraigo a sus paisajes y su peculiar humor; si hablamos de formación, era catalán por su vinculación literaria y cinematográfica a la ciudad de Barcelona; si hablamos de rigor en el lenguaje (aunque fuera para romperlo) tanto el de la escritura como el del cine,  era castellano por su resistencia y capacidad. No hay un Gonzalo, hay muchos. Gonzalo fue Ditirambo y fue un rey con dos reinas; Gonzalo fue escritor en activo (magnífico) y escritor en imágenes (Epílogo). Gonzalo fue sobre todo un gran conversador y una persona afable, cercana, divertida. En la lejana época de la Escuela de Barcelona, yo solo sabía que era el director y actor de Ditirambo. Fue mucho más tarde cuando tuve ocasión de conocerle de cerca. Estuve en el rodaje de La reina anónima, una película que yo tengo entre sus mejores y que no fue muy bien entendida. A él le encantaba que me gustara y en un encuentro en El Escorial donde di una charla sobre tres de sus películas, recuerdo que estuvo muy contento de que quisiera tanto ese film que se adelantaba a muchas cosas. También coincidí con él en un viaje estrambótico a Moscú donde presentaba Don Juan en los infiernos, otro de esos films inclasificables y desconcertantes. Fue un viaje muy divertido comparando cuantas cucarachas tenía cada uno en su habitación y que Cucaracha Humana (las vigilantes de piso) era más antipática. La última vez que le vi fue en ese encuentro de El Escorial organizado por Manuel Hidalgo. Fueron tres días estupendos hablando de él y con él. Una hermosa tarde veraniega dimos un largo paseo  por el pueblo y los alrededores con su mujer Hélène. Son estos momentos los que me gusta tener en mi memoria, solo en mi memoria porque mi absoluta falta de mitomanía hace que no tenga !ni una sola foto juntos! No tengo fotos pero tengo algo mejor, un mail que me mandó cuando publiqué el texto de la conferencia en el blog. Es un regalo que me hizo y que yo guardo con mucho cariño:

Querida Nuria: 

Ha sido una doble o triple alegría reencontrarnos en El Escorial. Para colmo, me siento abrumado por tu lúcido, exhaustivo y excepcional discurso sobre las dos reinas olvidadas a las que tú has resucitado, como el príncipe a la Bella Durmiente, con tu principesco aliento de escritora. Todo ello y tu presencia han constituido un maravilloso Epílogo para este curso. No sabes cuánto te agradezco este regalo que leeré, de vez en cuando, cada mañana para cerciorarme de que siguen ahí tus palabras y de que nada se olvida del todo. Incluida, y sobre todo, nuestra amistad.

Gonzalo

Fue una despedida, aunque él siguió haciendo cine, escribiendo libros, lleno de proyectos. Lo último que hizo fue en 2021, el cortometraje Alas de tiniebla, un precioso cuento oriental escrito por su hija Anne--Hélène Suárez y con las voces de sus dos fieles amigos y cómplices de toda la vida: Charo López y José Sacristán, junto con la de Ana Álvarez. Repasando su filmografía me he dado cuenta de que no es muy extensa, quizás porque Gonzalo disfrutaba escribiendo, viviendo, haciendo otras cosas. O quizás, por la miopía de una industria que no supo ver el potencias creativo de este personaje irrepetible. A modo de regalo que llega tarde, me ha salido un texto de esos raros que a veces se me ocurren uniendo los títulos de sus películas, (dejo fuera los capítulos de las series en las que participó). Es este

El extraño caso del doctor Fausto cuando se encontró con Ditirambo y ambos gritaron a la vez Aoom, con un poco de Morbo y brindándolo Al diablo con amor. Mientras tanto, La Regenta, La loba y la paloma, Beatriz y la Reina Zanahoria, se iban de Parranda antes de entonar un Epílogo en Los pazos de Ulloa, donde llegaron Remando al viento y llamando a Don Juan en los infiernos que estaba con La reina anónima, a la que buscaba El detective y la muerte que repetía, Mi nombre es sombra ante El portero del Oviedo Express que se alejaba en Alas de tiniebla.

(Si alguien quiere recuperar el texto sobre Gonzalo Suárez: Dos reinas y una princesa, está en la entrada del 13 de julio de 2019)

 

EL RINCON DE LA SUPER RAREZA

La deriva, Tsai Ming-liang

No sé si a Gonzalo Suárez le habría gustado el extraño producto (no creo que sea una película aunque se vea en un cine) que es La deriva, la nueva entrega de El caminante (The Walker) de Tsai Ming-liang. La deriva se podría definir rápidamente con una frase lapidaria: “Un publirreportaje de la ciudad de San Sebastián con monje andando”. Y no sería falsa, pero si engañosa. Porque lo que propone el director con la colaboración de Lee Kang-sheng, el monje que anda descalzo, es algo mucho más sofisticado, más espiritual, mas político y sobre todo mucho más hermoso que un publirreportaje. Tsai Ming-liang ha realizado con este once films de El caminante, siempre en una ciudad y sus alrededores, siempre confrontando la vida urbana, su ritmo y su indiferencia, su riqueza y su miseria, con el andar pausado, lento, del monje vestido de rojo. Verlo desde una butaca en el cine o desde un sofá en casa, produce una especie de ensoñación, te lleva a salirte del mundo. Al empezar, estamos más cerca de la gente que circula a su alrededor, pero poco a poco nos mimetizamos con el monje de rojo y acoplamos la respiración a su lento andar en la playa, las calles, las plazas, los museos, las esculturas, el bosque… La gente le mira, el no mira a la gente, vigila su camino, porque él camina hacia adentro, mientras el director camina desde fuera siguiéndole, observándole para que nosotros caminemos con él. Creo que vale la pena leer lo que el director dice de este proyecto: «Este proyecto es experimental por su tratamiento del tiempo, el espacio y el lenguaje audiovisual. No tiene estructura narrativa tradicional, ni diálogos, ni progresión dramática. Su propuesta consiste en modificar la forma de mirar y escuchar: des automatizar la percepción al romper con las convenciones del montaje, la continuidad y la expectativa narrativa. El efecto visual se construye a partir de planos fijos de larga duración, encuadres compuestos con precisión, y una atención minuciosa al ritmo interno de cada escena». La deriva se estrena en algunas ciudades, en algunos cines, en algunas sesiones. Hay que caminar mucho para encontrarla en las carteleras, pero a lo mejor se tropiezan con el monje en cualquier rincón de cualquier ciudad. 

El regalo de esta semana es una foto de la playa de San Lorenzo en Gijón  que hice el día que me enteré de la muerte de Gonzalo.

 

 

LUCES DE SAN SEBASTIAN

 

Ha pasado una semana desde que se acabó el Festival de San Sebastián. Ahora puedo hablar de algunas películas que me han impresionado/gustado entre las que he visto. Las pongo en orden alfabético (y sin distinción de secciones) para que sea fácil buscarlas cuando lleguen a las pantallas. Estos son solo pequeños apuntes.

 

A VECES ME ENTRA TRISTEZA, OTRAS VECES REBELIÓN, María Aparicio

Las películas en las que se pasea por una ciudad me suelen gustar mucho, son tranquilas y dejan tiempo a que pasen las cosas. Eva llega a Madrid sin nada en concreto que hacer, solo deambular durante unos días. En el Museo Reina Sofía se encuentra con Dante, un hombre que se dedica a estudiar la obra de un curioso personaje, Juan Bialet Masse, un catalán que escribió sobre las luchas obreras argentinas. Porque Eva y Dante son argentinos, de Córdoba. Son adultos y no buscan nada más que una cierta complicidad en un tiempo suspendido. Hay muchos ecos en este film: Borges y Cortázar; Javier Rebollo y Laura Citarella. Pero sobre todo hay mucha serenidad y un discurso político muy interesante: el academicismo no sirve para entender la realidad.

 CENIZA EN LA BOCA, Diego Luna

El jovencito guapito de Y tu mamá también, se nos ha hecho mayor. Diego Luna se ha convertido en un director interesante. Con Ceniza en la boca se consagra como un buen observador de personajes. Basada en una novela de Brenda Navarro, Ceniza en la boca habla de muchas cosas, de inmigración, de desarraigo, de incomprensión, de cuidados y un poco de solidaridad. Lucila y su hermano Diego llegan a Madrid para vivir con su madre que los dejó hace ocho años para emigrar a España desde su México natal. La vida en común no es fácil, cada uno tiene objetivos distintos. Lucila cuida un bebe y se junta con otras chicas latinas, hasta que le surge la oportunidad de irse a trabajar a Barcelona. En Barcelona, Lucila cuida de una anciana, pasa de cuidar una vida que empieza a cuidar una vida que acaba. Esa es una de las facetas de esta historia de muchas capas. Otra es la relación de Lucila con su madre y, la más importante, la vinculación entre Lucila y su hermano Diego que está en el centro del drama. Diego Luna ha hecho una película muy mexicana en la que se siente todo lo que ha aprendido en Estados Unidos y en Europa. Hay Diego para mucho rato.

 

CHICAS TRISTES, Fernanda Tovar

Esta película si que es mexicana del todo. Bueno mexicana y universal. Fernanda Tovar se une a una larga cadena de directoras mexicanas que saben retratar el mundo que las rodea, pero no necesariamente sus propias historias. Las chicas tristes de este film son Paula y la Maestra. Son adolescentes, son amigas, son nadadoras del equipo nacional. El agua, la natación, los reflejos y el sumergirse son importantes en la historia que desunirá esta sólida amistad. En el centro de todo una pregunta clave. ¿Tiene derecho alguien a revelar algo de otra persona que esta  no quiere contar? La Maestra traspasa esta línea y Paula no se lo perdona. 

THE DEBUT/EL DEBUT, Jesse Eisenberg

Esta era la película favorita de la crítica, de una cierta crítica, la que sabe disfrutar con una buena historia, unos grandes actores y una puesta en escena musical. El debut es un recital de dos personajes, Mona y Jerry Julianne Moore y Paul Giamatti. Ella es ama de casa, tiene dos hijos mayores y un marido ausente, ninguno de los tres la ve. Literalmente. Mona podría ser la triste April de Revolutionary Road si no hubiera decidido matarse. Mona sigue malviviendo hasta que decide dar un paso y retomar su carrera de actriz en una obra de teatro amateur dirigida por Jerry. A partir de ese momento Mona se desdobla y poco a poco se convierte en su personaje con todo lo que eso lleva de peligro para ella. Pero ahí está Jerry para salvarla y acompañarla. Jesse Eisenberg es actor antes que director y sabe captar los miedos, los matices, las dudas y las alegrías de una profesión que adora. El debut es su tercera película, un musical de antes, un film de ahora. Merecía llevarse algún premio gordo.

 

EL DESHIELO, Manuela Martelli

La primera película de Manuela Martelli, 1976, me gustó por la manera como abordaba el pasado (muy presente) de la dictadura chilena a través de la mirada de una mujer de la clase media, acomodada y sin posicionamiento político. Con El deshielo, su segunda película, sigue hablando de la huella del pinochetismo, pero de una manera tangencial. Su historia se ambienta en 1992 en un hotel de alta montaña en pleno invierno donde vive la pequeña Inés de 9 años. Sus abuelos son los dueños del hotel, sus padres están en España en la Expo de Sevilla. Inés está sola hasta que se hace amiga de Hanna, una chica de 15 años que forma parte del equipo de esquí alemán que se está entrenando en esas montañas. La desaparición de Hanna hará que Inés viva una serie de enormes contradicciones. ¿Debe contar lo que ha visto? ¿Debe mentir y callarse? Su abuela, un personaje odioso, le dice que calle y mienta y su miedo la lleva a callar y a mentir. Hasta que llegue el deshielo, para la montaña, pero no para Inés. 

FATHERLAND, Paweł Pawlikowski

Fatherland está entre las mejores películas que he visto. Fatherland, la patria, esa patria que todos utilizan como coartada para esconder sus miserias y para ensalzar sus virtudes. Solo dos protagonistas, Thomas Mann y su hija Erika (hay un tercero que flota como un fantasma entre los dos, Klaus, el hijo y el hermano); un viaje en coche, dos ciudades. En 1949, con una Alemania dividida y en ruinas, Thomas Mann fue invitado a Alemania, a las dos Alemanias. En un coche negro conducido por su hija, ambos llegan a Fráncfort donde dará una primera conferencia; en Weimar dará otra. Estamos en plena Gerra Fría, en una ciudad mandaban los americanos, en la otra la Unión Soviética. Unos y otros quisieron utilizar al escritor alemán para sus intereses ideológicos, a los dos defraudó Thomas Mann con dos conferencias que pasarán a la historia. Rodada en blanco y negro, una duración de 82 minutos y dos actores espléndidos, Sandra Hüller y Hanns Zischler, Fatherland demuestra que el polaco Paweł Pawlikowski, el director de Ida y Cold War, está entre los mejores del cine europeo.

 

LA ILUSION DE UN VERANO SIN FIN, Alessandra Sanguinetti

Al mismo tiempo o casi, que Richard Linklater ponía en marcha el experimento de Boyhood, siguiendo la vida de un chico y su familia a lo largo de doce años, en la otra punta del mundo la fotógrafa argentina Alessandra Sanguinetti emprendía un proyecto parecido que no sabía donde la iba a llevar. Empieza en 1999 en un pueblo de la pampa donde Alessandra está preparando un reportaje sobre la vida en el campo. Allí conoce a Guillermina y Belinda dos niñas de 9 años que le roban el corazón y decide filmarlas. Pero no una vez, muchas. Y así comienza un viaje entre las tres que durará veinticinco años en los que las dos niñas, crecen, pasan de jugar a trabajar, de bailes y canciones a tener responsabilidades, de hijas a madres. sin perder nunca su complicidad, con momentos oscuros, con altibajos, pero manteniendo siempre su profunda amistad. En 2024, a raíz de una exposición en París de las fotos que había tomado de las chicas en todo ese tiempo, Alessandra pensó que valía la pena hacer una película. No fue fácil concentrar 80 horas de filmación durante veintitrés años. Pero lo consiguió y el resultado es una película que es vida en estado puro. Un merecido premio de la Juventud. 

JALEOS, Isaki Lacuesta

Junto a sus grandes films de ficción, en la filmografía de Isaki Lacuesta hay una corriente de documental de creación, de montaje muy potente. Jaleos forma parte de esos documentales. Utilizando materiales de archivo  desconocidos y grabaciones antiguas, Jaleos es una exploración del origen del flamenco en España. Pero es mucho más, porque Isaki busca el lado más popular y político de este arte tan incomprendido y lo vincula con nuestro tiempo al mismo tiempo que lo reivindica. Jaleos responde a mucha preguntas que se hace Isaki: “Yo llego a esta película porque siento que estoy descubriendo cosas que no había conocido antes, y me doy cuenta de que mis compañeros de generación o mis padres tampoco conocen. ¿Cómo puede ser que la primera mujer que filma Edison sea flamenca y yo, que me dedico al cine, no lo sepa? ¿Y sabemos que cada vez que una colonia española desaparecía, lo que aparece es un palo nuevo en el flamenco? ¿Y cómo puede ser que, en plena Segunda Guerra Mundial, Leni Riefenstahl adaptara a Ángel Guimerá y rodara un film con escenas de flamenco utilizando como extras a presos gitanos a los que luego asesinan?” Estas y algunas otras cosas se cuentan en este precioso documento de orfebrería.

 

THE LONELIEST MAN IN TOWN/EL HOMBRE MÁS SOLITARIO DE LA CIUDAD, Tizza Covi, Rainer Frimmel

¿Hay algo más solitario que un hombre que se ha quedado solo en una edificio destinado a su demolición en el centro de Viena? No lo creo, aunque en realidad Al Cook no está solo, está rodeado de sus recuerdos, sus discos, su música, su pasión. Al Cook tiene 80 años y un pasado como uno de los rockeros austriacos, devoto admirador de Elvis Presley y erudito de la música jazz. Cuando anuncian a Cook que será desahuciado, la pareja de cineastas Tizza Covi, y Rainer Frimmel deciden acompañarlo en todo el proceso de desmantelamiento de su vida. Este es un documental porque todo lo que pasa, pasa de verdad, pero es una historia humana y musical conmovedora, el retrato de un hombre que es capaz de rehacerse emprendiendo, sin casi nada, una nueva aventura: su particular viaje al Delta del Mississippi. Preciosa.

 MUYOU NO HITO/EN LA HABITACIÓN DE MI PADRE, Maha Harada

En este festival he visto dos películas reconfortantes tranquilizadoras. Las dos son japonesas, las dos están entre lo mejor del año (y de varios años). Una de ellas es esta primera película de Maha Harada, escritora, artista, especialista en cultura. La protagonista es Satomi, joven vigilante en un museo de arte contemporáneo. El día de su cumpleaños, Satomi recibe un sobre de su padre al que hace mucho que no ve y que ha muerto hace poco. En ese sobre hay una llave. Una llave que no solo abre la habitación del padre, es una llave que la lleva a descubrir un hombre capaz de sentir la belleza y sutileza de la ceremonia del té, un poeta de gran sensibilidad en el uso de las palabras aunque su trabajo cotidiano haya sido muy mediocre. En cierto modo, el padre de Satomi es como el Hirayama de los Perfects Days de Wim Wenders, alguien capaz de crear la belleza con casi nada.

 

LES ROCHES ROUGES/ROCAS ROJAS, Bruno Dumont

Bruno Dumont es especialista en retratar infancias irregulares. Y en buscar personajes, niños en particular, completamente inusuales. Queda raro decir que un niño es inusual, pero es verdad. Géo es inusual. Tiene 5 años, es albino y no deja de mover los ojos. Parece un extraterrestre. Junto a sus dos amigos Eva y Rouben, integra una pequeña banda en una ciudad de la Costa Azul. Su principal diversión es tirarse por un acantilado arriesgando su vida y compitiendo con una banda rival en la que hay una niña que despierta en Géo sentimientos que no conocía. Las rocas rojas es un film sobre la infancia y sobre la vida, una película feliz que se puede ver como una divertida precuela de El pequeño Quinquin (aunque en realidad Géo lo que podría ser es el extravagante comandante Van der Weyden cuando era pequeño). 

RUEGA POR NOSOTRAS, Daniel Monzón

Hace un par de años, el cortometraje Els buits/Los vacíos de Sofía Esteve, Marina Freixa , Isa Luengo nos descubrió la terrible realidad de las chicas recluidas en el Patronato de Protección a la Mujer, institución dedicada a regenerar a mujeres caídas durante el franquismo y los primeros años de la democracia. Ahora Daniel Monzón, con la colaboración de Jorge Guerricaechevarría, convierte esta siniestra institución en el lugar donde situar la historia de Ana, una chica rebelde que en 1974 es encerrada por orden de sus padres en uno de estos centros correccionales. Monzón se está especializando en recrear la memoria de los años setenta a través de películas que no solo rememoran esos años, también y eso es más difícil, recuperan el cine que se hacía entonces., Las leyes de la frontera el cine quinqui, Ruega por nosotras el cine más social y desgarrado de esa época. Zoe Bonafonte asume el papel de Ana y Manuela Calle el de Sole. Su amistad las sostendrá en esos años de duras pruebas para las dos y se mantendrá intacta. Igual que la historia (real) de Mariona, la protagonista de Els buits, acabó bien, también la historia de Ana y Sole (ficticia) acaba bien. Algo que le agradezco mucho a Daniel Monzón es que no caiga nunca en la sordidez y que les dé una salida positiva a sus protagonistas. Estupenda.

 

SOUDAIN/DE REPENTE, Ryusuke Hamaguchi

Si tuviera que quedarme con una película, solo una, de este festival, seria Soudain/De repente. De repente un film de tres horas te pasa en un suspiro; de repente una historia de ancianos con Alzheimer se convierte en un cuento luminoso; de repente una amistad surgida al azar da sentido a dos vidas. De repente me encuentro ante una película que es una sanación, una cura para el cuerpo y para el alma. La historia es muy sencilla de contar: Marie-Lou dirige una residencia de ancianos y quiere cambiar la forma de tratarlos con un método que choca con la institución. El encuentro fortuito con un chico disminuido le permite conocer a Mari, una autora teatral japonesa que dirige una obra en un pequeño teatro. Entre ambas surge una fuerte conexión y pasan una noche entera hablando. Al final de esa noche, Mari se incorporara a la residencia de Marie-Lou y con su manera de entender la vida, dará un cambio radical al lugar y a sus habitantes (cuidadores y residentes). El hilo argumental es sencillo, pero la complejidad de la narración, de los diálogos, de lo que viven y cuentan; las experiencias físicas y las reflexiones políticas, no se pueden contar fácilmente. Hay que verla y hay que vivirla y aprender con ambas, Mari-Lou y su empatía, Mari y su sabiduría, que la vida merece ser vivida hasta el final. Ryusuke Hamaguchi ya me había gustado mucho con Drive My Car y El mal no existe, con De repente se coloca a la cabeza de mis directores favoritos de todos los tiempos. 

WILD HORSE NINE, Martin McDonagh

Fue la última película que vi y me reí mucho. Nunca John Malkowich había estado tan divertido, tan cinco, tan ferozmente lúcido como en este film ¿de espías? donde hace pareja con Sam Rockwell como dos agentes de la CIA especie de Mortadelo y Filemon a la american. Lo que estos dos agentes secretos traman es mucho más grave y siniestro que su aparente frivolidad. Estamos en septiembre de 1973 en Santiago de Chile, Chris y Lee viajan en una misión a la Isla de Pascua después de dejar atado y bien atado el golpe de estado del general Pinochet. Pero lo que les lleva a la isla es algo más personal. Chris tiene un acuerdo con Lee y quiere que este lo cumpla.Mientras tanto se pasean por entre los cabezones de la isla, conocen a dos chicas chilenas y dejan que un oscuro misterio vaya aflorando poco a poco. Porque Chris no es solo un viejo agente desahuciado por la enfermedad, Chis es una bomba de relojería con un secreto que Lee debe acallar.  Wild Horse Nine recuerda un poco el anterior film de McDonagh Almas en pena de Inisherin, también ambientada en el pasado en una isla remota y con dos amigos de toda la vida como Chris y Lee.

De momento no hay mas, ya es bastante larga esta entrada tan variada. Quédense con lo que les guste.

El regalo de esta semana es la última foto misteriosa que hice en san Sebastián.